Capcom ha sabido calmar los ánimos de aquellos jugones que ansian poner las zarpas encima de un título esperado por todo amante del género zombie. Y es que, cuando aún quedan tres semanas para el lanzamiento oficial de la secuela de uno de los juegos de zombies más laureados de la nueva generación, Dead rising, la compañía nipona pone a disposición de los usuarios de Xbox 360 un prólogo que enlaza las historias de ambos títulos y sirve para entretener a la multitud ansiosa. Dead rising 2: case zero, que ese es su nombre, aparece hoy en Xbox live a un precio módico de 400 MP (unos 5 euros) y ofrece aproximadamente cinco horas de desparrame zombie, con todo lo que ello conlleva, sangre, vísceras y un humor negro descacharrante que hará las delicias de los amantes del género.
La mecánica es exactamente igual a la de su predecesor, esto es, tratar de sobrevivir a una invasión zombie con el añadido de estar supeditado al paso del tiempo, y es que la hija del protagonista, Chuck Greene, está infectada, por lo que éste deberá buscar Zombrex, la medicina que paraliza los efectos de la mutación, y administrársela cada cierto tiempo. Aumenta así la sensación de agobio en un juego cuya jugabilidad se verá potenciada con el modo cooperativo que podremos disfrutar en el juego definitivo. Respiren hondo, alcen sus bates de béisbol, abran la puerta y.... ¡¡a por ellos!!
Tan sólo queda un día para que se pueda adquirir en las tiendas uno de los juegos más esperados y con mayor dedicación y desarrollo, habiendo conseguido animar los flojos meses de julio y agosto en lo que a cuestión de lanzamientos videojueguiles se refiere. Mafia II, desarrollado por 2K Games, se presenta como la secuela de un título que pasó desapercibido en formato consola y que lo elevó a obra de culto entre los usuarios de PC. Han sido varios años de duro trabajo, de mucha expectación y por fin podemos degustarlo tanto en versiones de consola de sobremesa como en PC, siendo ésta, lógicamente, la que mayor potencial gráfico ofrece.
Mafia II ha generado opiniones muy dispares dentro de los medios de comunicación especializados, desde aquellos que lo tildan de obra maestra a aquellos que critican su linealidad y falta de libertad. La sombra de GTA es alargada y siempre planea sobre cualquier juego donde la libertad parece ser el buque insignia. El título de 2K Games apuesta más por un sólido e inmersivo guión, ofreciendo al jugador encarnarse en un matón de poca monta que poco a poco se va haciendo respetar por el despliegue de su particular sentido de la justicia. Para aquellos que gustan del cine negro de corte clásico, esta puede ser una magnífica opción para combatir el sofocante calor veraniego.
A nadie se le escapa que las películas con intervencionismo zombi han pasado a configurar un género autóctono, enfocado a un específico público y en el que aportar elementos innovadores se ha convertido en tarea olvidada. "Zombis nazis" (horrible traducción del original Dead snow) no es más que un fanático divertimento con ciertos guiños nostálgicos y mitómanos a aquellos emblemas del género que vieron crecer a su joven realizador. Así, referentes del género slasher y ejemplos concretos como "Posesión infernal", "La noche de los muertos vivientes" o "Braindead" campean a sus anchas por una cinta desvergonzada que no debe tomarse en serio porque ni siquiera sus artífices hacen lo propio. Mejorable en su primera parte, donde salen a relucir todos y cada uno de los clichés del género, "Zombis nazis" alcanza su apogeo climático en su segunda mitad, donde abandona su conducta cohibida y da rienda suelta a un gore inofensivo y cómico, y en el que los despieces, amputaciones, desmembramientos y casquería variada son los absolutos protagonistas, mostrando un terror a plena luz del día (perdiendo, en gran parte, el efecto terror y apostando por el tono humorístico y exagerado). Cabe apuntar que el director no se ha tomado mayor preocupación a nivel argumental que vincular a los enemigos de su película en un contexto histórico, respondiendo el resto de su obra a los trillados y convencionales elementos de género, algo que, por otro lado, tampoco requería mayor dedicación. Aún así, con sus defectos técnicos y narrativos, especialmente en su arranque, "Zombis nazis" es un eficaz, aunque fugaz, entretenimiento para un espectador asediado por una cartelera plagada de blockbusters anodinos y prescindibles.
Christopher Nolan es, hoy por hoy, uno de los realizadores con mayor proyección y más interesantes del panorama cinematográfico hollywoodiense. Su fino sentido del ensamblaje entre la disección, casi enfermiza, de la psicología humana, y una concepción formal digna de una superproducción ha logrado aunar los aplausos de dos sectores tan aparentemente enfrentados como crítica y público. "Origen" es un delicioso manjar preparado a fuego lento y siguiendo a rajatabla una elaborada receta, donde nada tiende a la improvisación, provocando en el espectador una pausada y agradable digestión que, a la vez que lo sumerge en un mundo fascinante, lo somete a un estricto interrogatorio metafísico y existencial. Y es que "Origen" merece un segundo, un tercer y un cuarto visionado, dada su inabarcabilidad en su primera toma de contacto. Nolan tiene el don para atrapar al espectador con un discurso no apto para todas las mentes, dotándolo de un envoltorio trepidante y espectacular, pero necesario a la vez, sin que el handicap de la película resulte ser su metraje. Thriller, ciencia ficción y drama se dan la mano en un film que deja exhausto al espectador en su primer visionado, pero le genera adicción para retornar a ese laberinto críptico y cuasi indescifrable que sólo puede haber sido obra de una mente lúcida y despierta. "Origen" pasará, con el paso de los años, a ser una obra de culto de un cineasta que ha optado por tomar el rumbo contrario en el adormilado y acomodado Hollywood.
Excepcional colofón a una saga que ha sabido conjugar magistralmente la vivacidad, la exhibición animada y la rítmica con mensajes de trascendencia vital y existencialista sin caer en tendencias discursivas ni moralistas. Al contrario que la antaño exitosa y sorprendente franquicia de Dreamworks, Shrek, Toy Story sí logra hacer funcionar el engranaje que otorga sentido global a la trilogía, alcanzando una interdependencia de cada uno de sus episodios que evita la tentación de situar uno por encima de otro. Disney Pixar ha vuelto a dar vida a unos seres inanimados y los ha personificado extraordinariamente bien, tanto en su vertiente más emotiva y tierna como en su faceta más cruel y despiadada. El logro, sin duda alguna, recae en los guionistas, sin desmerecer el magnífico trabajo de los animadores (aunque bien es cierto que ya no existe ese factor sorpresa de antaño), ya que han sido ellos los artífices de un relato que, por un lado transmite candidez y un mensaje que abre los ojos al espectador sobre el inexorable paso del tiempo, mientras que por otro hila una intrépida aventura que incluso flirtea con elementos de terror y que transcurre por sitios tan cotidianos y urbanitas como una guardería o un vertedero (verdadero puntó climático del film). Toy Story es puro espíritu Pixar, fiel a sus planteamientos, lo que se traduce en un film creciente, que consigue emocionar al espectador, arrancarle una sonrisa y devolverle a su niñez, a la par que se jacta de caricaturizar ciertos personajes y meterse en el bolsillo al público adulto, quien disfruta del contenido mientras sus vástagos lo hacen de las atractivas formas.
Consecuente con la modernista tendencia de revisar y actualizar filmes del género de terror (cada vez más recientes, por otro lado), con el único fin de acercarlo al público adolescente menos exigente y extremadamente conformista, revive en la gran pantalla uno de los psycho killers que más noches de insomnio ha causado en la juventud ochentera, Freddy Krueger. Samuel Bayer, novato en el largo, se muestra cauto ante un producto que ya aterriza desgastado y reutilizado, adoptando una postura meramente ocular y sin extremar demasiados riesgos, lo que denota una fidelidad respetuosa con la película original que provoca el primer alivio en el espectador, que ha asistido a una degradación imposible de una saga que comenzó erigiéndose como innovadora y concluyó rescatada del lodo más pestilente. Aún así, la nueva entrega de Pesadilla en Elm Street trata de revitalizar un film que, aunque serio y honesto, le es achacable un evidente envejecimiento prematuro, lográndolo sólo en sus aspectos formales y tangenciales y, desgraciadamente, tirando por tierra el mayor logro del film de Wes Craven, dotar de carisma, a pesar de su frialdad y crueldad, al personaje de Krueger, que aquí desfila por la pantalla sin alma ni atracción ninguna. Bayer recoge el discurso original, calca muchas de las secuencias de la película de 1984 y se limita al mero reciclaje, a la introducción de elementos más sanguinolentos y a la realizacion semiautomática, sin aportar un ápice de novedad ni elaboración, apoyando en exceso su sentido del terror en el golpe de efecto y en el susto sonoro, técnica común en la actualidad y que denota flagrantes carencias narrativas y expresivas. "El origen" al que alude el título de la película no resulta ser más que una aclaratoria e infantil explicación, con tintes morales que resuenan a justificación marcadamente reaccionaria, del surgimiento icónico de Fred Krueger, lo que sirve en bandeja a su director a ofrecer un breve prólogo y una secuencia aislada, narrada en la saga original, y plasmada en pantalla en esta nueva adaptación. Se reduce con ello a la mínima expresión la labor reflexiva del espectador, a quien se le ofrece un plato precocinado y recalentado, listo para comer. Cuestión de los tiempos que corren.
Se hizo de rogar pero por fin llegó. Hoy es de esos pocos días en los que comienzas la jornada laboral con una sonrisa y una alegría interior contagiosa. ¡¡Felicidades, Campeones!!
Mucho se lo han trabajado los amigos de Rockstar Games para tratar de ambientar con la mayor fidelidad posible el atractivo mundo del western en esta su nueva joya en forma de videojuego, Red dead redemption. Si lo simplificásemos demasiado, podría decirse que es una traslación del ambiente urbanita y de bajos fondos que ya vimos en GTA IV al lejano Oeste, pero, como digo, sería simplificar en exceso las cosas. Rockstar ha logrado (de nuevo) atrapar a la perfección la perfección de un ambiente, de una forma de vivir, y plasmarlo en una experiencia jugable donde ninguna partida es igual a la anterior, y donde nuestro comportamiento variará, y mucho, el desarrollo de la historia. Horas y horas de diversión en una impresionante e inmersiva aventura que se complementa, para los más jugones, con un sistema multijugador que evita que esta maravilla técnica tenga fecha de caducidad.
Apple no para, y teniendo en cuenta que ninguno de sus productos es precisamente barato, está claro que el público objetivo de esta compañía no es la gran masa social (aunque bien es cierto que sus artículos baten récords de reservas y se agotan pocos días después de su lanzamiento, véase el caso del reciente Ipad). Pues bien, a pesar de no contar ni un año desde que vimos la versión renovada del Iphone original, denominado 3GS, ya tenemos aquí el nuevo modelo, bautizado como Iphone 4 (comerse la cabeza lo cierto es que no lo han hecho mucho). Entre sus novedades destaca la incorporación de una cámara frontal, lo que permitirá la videollamada; sistema multitarea (aunque el último software del 3GS ya lo incorporaba, pero en versión limitada); cámara de 5 megapixels con flash; grabación de video en alta definición (720p), aplicación Ibooks, para leer libros electrónicos; organizador de aplicaciones en carpetas; edición de video mediante Imovie, etc.
Otro de los grandes lastres de los modelos vigentes era la batería, que se consumía con gran rapidez, especialmente si hacíamos uso de wifi, bluetooth o 3G. Según Apple, la batería de este nuevo modelo de Iphone podrá aguantar 300 horas en espera y entre 6-7 a pleno rendimiento. El precio oscilará entre los 199 y los 299 dólares (es decir, 200 - 300 Euros, debido a la errónea aplicación de la paridad euro-dólar), según el modelo, 16 o 32 Gb. Obviamente los modelos anteriores sufrirán una sustanciosa rebaja que quizás impulse sus ventas (de hecho, el 3GS me sigue pareciendo hasta la fecha el mejor y más completo terminal).
La fecha de salida del nuevo Iphone será el 24 de junio. A Europa llegará durante el mes de julio. Veremos si tanta precipitación por parte de Apple y la excesiva acumulación de revisiones de su móvil estrella no le pasan factura.
Nunca dejará de sorprenderme hasta qué punto los fenómenos de masas pueden llegar a tal nivel de degradación en una afanosa búsqueda de la rentabilidad fácil, movida por la ambición puramente económica. Es lo que ha ocurrido con el festival Rock in Rio, que naciera allá por el año 1985, donde bandas de rock duro daban lo mejor de sí en un macroconcierto que aunaba a lo mejor del panorama internacional musical dentro del sector más heavy. No sólo Brasil, lugar se celebraba este evento, se movilizaba, sino que gente venida de todo el mundo, amantes de este tipo de música, abarrotaban el recinto, no teniendo nada que envidiar a otros macrofestivales como Donnington o Monsters of Rock. Iron Maiden, en el festival inaugural, sonaban tal que así:
Con el paso de los años, y el traslado de este festival a otras ciudades (curiosamente conservando su nombre original), como Lisboa o actualmente Madrid, sus organizadores han tratado de abrirse a otras músicas, lo que, por un lado, supone una alternativa y una posibilidad de elección dentro del mundo del ocio. Pero lo triste es que la excepción se ha convertido en norma y cuando hace dos décadas AC/DC o Iron Maiden atraían a las masas, ahora es Shakira o Hannah Montana los reclamos publicitarios. Sí, aún queda un pequeño reducto de melenudos para regocijo de aquellos que dieron forma y trascendencia a un festival que se ha convertido en una sucesión de artistas poperos, todos ellos de renombre, pero que no hacen justicia al nombre del evento. Por ello, señores organizadores, eliminen el término "rock" de su festival, y es que este género musical se merece un respeto.
En esta edición, y aunque no soy seguidor del rap y del hip-hop, destaca la presencia de la banda Cypress Hill, donde a buen seguro deleitarán al público con su mítico tema "Insane in the brain".
Una vez finalizada la subasta solidaria, vuelvo a retomar este blog que tenía algo olvidado. Y lo hago con un video de un anónimo que he encontrado por youtube, donde suelo asombrarme ante verdaderos talentos que tocan con destreza un instrumento musical. Aprovechando que acabo de ver "Los hombres que miraban fijamente a las cabras", donde puede oirse un par de veces el extraordinario tema de Boston, "More than a feeling", he considerado oportuno revivir aquel mítico tema con una interpretación, a la batería, de un chaval con mucho desparpajo que, en mi opinión, borda la canción. A disfrutarlo.
Hay determinados momentos en los que, al contemplar en televisión la cantidad de injusticias que se cometen a diario, un sentimiento de impotencia recorre tu cuerpo y no sabes cómo hacer para poder frenarlas o, al menos, mitigarlas. El incesante bombardeo de imágenes que nos llegan desde Haití tras el devastador terremoto que ha provocado no sólo la muerte de más de 50.000 personas y la semidestrucción de un país, sino un estado de caos donde reina la lucha diaria por la supervivencia en su fase más primitiva, conlleva que aquellos que nos consideramos del primer mundo nos unamos y colaboremos para proporcionar una recuperación pronta y una ayuds urgente a Haití. Por ello, y como pequeño granito de arena (¡bendito granito!), el programa de videojuegos Arcadia Gamers ha organizado una subasta en Ebay donde se puede pujar por un mando de Xbox 360 firmado por los deportistas de élite Marc Gené y Jorge Lorenzo, y que pertenece al conductor de dicho programa, Tonichan, quien gentilmente se ha ofrecido a subastarlo para aportar la cuantía de la puja ganadora a las víctimas del terremoto de Haití. Un magnífico y plausible gesto que este humilde blog no podía dejar pasar.
Si no vas a pujar, te pido encarecidamente que difundas este mensaje en tu blog, facebook, tuenti, twitter o cualquier otro medio. Entre todos, con una pequeña aportación, podemos conseguir la ayuda que Haití merece.
Da gusto inaugurar un nuevo año dejando atrás malas experiencias cinematográficas pretéritas y asomarse a un nuevo ejercicio en el que, a la primera de cambio, aparece un filme que no te deja indiferente y que invita a la reflexión. Es el caso de la última propuesta del director (con mayúsculas) Michael Haneke, autor de obras tan variopintas como Funny games, Código desconocido, El tiempo del lobo o Cache.
Sin profundizar sobre la sinopsis de la película, pues considero que cada paso que da, argumentalmente hablando, debe ser descubierto de forma virginal por el espectador, La cinta blanca es una indiscutible candidata (y si nada se tuerce, ganadora), del próximo Oscar a la mejor película de habla no inglesa. Nos situamos en un pequeño poblado alemán, poco antes del comienzo de la Primera Guerra Mundial. Haneke se dedica, con fino y milimétrico sentido descriptivo, a perfilar una serie de personajes que, tras su piel de cordero, esconden secretos inconfesables, misterios ocultos, y una personalidad oscura e, incluso, repulsiva. No falta ningún estamento en esta pequeña gran joya, desde la acomodada aristocracia terrateniente, pasando por la Iglesia, el médico, hasta llegar al pueblo llano, campesino, sin olvidar la figura de la ninguneada mujer y los adoctrinados niños. Todos ellos configuran un rico, a la vez que estremecedor, fresco que sirve a un atroz mensaje de fondo y que Haneke maneja, cual marionetista, con sabia agilidad y profundo sentir psicológico, sin necesidad alguna de caer en la morbosidad, mediante un dominio encomiable del fuera de campo.
La cinta blanca contiene secuencias memorables y, a pesar de su duración (dos horas y media) y de su ritmo pausado, heredero del cine Bergman, Tarkovsky o Dreyer, invita a su revisionado, ya que en ningún momento deja de suministrar información a un espectador que asiste anonadado e impotente al nacimiento de un sentimiento racial e ideológico que dejaría tristes frutos años más tarde. Elegancia y estilo se dan la mano en este film que aspira a un público exigente, maduro y con ánimo de volver cine en estado puro.
Tras un período (excesivamente alargado) de letargo, vuelvo a retomar la sana costumbre de escribir impresiones varias sobre distintos aspectos de la vida cotidiana en este humilde blog, via de escape fugaz para el estrés diario y la acuciante rutina a la que nos vemos sometidos. Y lo hago con un videojuego, porque, al contrario de lo que muchos (sin conocimiento de causa) opinan, el ocio electrónico ha dejado de ser un mero divertimento pasajero para, en ocasiones, devenir en una verdadera obra de arte. Prueba de ello son las aventuras gráficas, género muy cultivado durante los 80 y 90 y que actualmente aparecen con cuentagotas. La posibilidad de encarnar un personaje, acompañarle durante un excitante viaje, una animada aventura y el conocer personajes misteriosos a la vez que se resuelven misterios incógnitos, no tiene precio. Todo ello hilado a través de un ritmo pausado de juego, que reta al jugador a reflexionar sobréequé decisión tomar, de forma visualmente impactante y muy cinematográfica.
Prueba de que las tecnologías avanzan con pasmosa rapidez es Heavy Rain, la nueva propuesta de los autores de la aplaudida aventura Fahrenheit, que, a poco más de un mes de su lanzamiento, va dejando muy buenas muestras de su potencial gráfico, muy cercano a la realidad, y que promete ser toda una experiencia cinematográfica (no tanto rejugable). Disfrutad de estas sugerentes imágenes y dejáos arrastrar por la experiencia Heavy Rain.
"Número 1 en USA". Esta puede ser una de las etiquetas más premonitorias que, en el ámbito cinematográfico, podemos encontrarnos, y no para bien, precisamente. A menudo vemos esta coletilla en películas que pretenden adscribirse al denostado género de terror, provocando de inmediato una inquietud en el público más joven que despierta su afán por ver la película e cuestión. Paranormal activity no ha sido una excepción, pues su inteligente e interactiva campaña de marketing ha calado a la perfección en nuestro pais.
Lo que propone Paranormal activity no es nada nuevo. Tratar de acercar al espectador el terror más inminente, el más cercano, el cotidiano, interesándose más por el fondo que por la forma, es algo que ya hemos visto con acierto en las dos entregas de REC y, sin él, en "El proyecto de la bruja de Blair", con la que guarda mayor grado de conexión que con el díptico de Balagueró / Plaza. El film, dirigido por un primerizo en el campo de la cinematografía, propone al espectador la transmisión del terror al espectador a través de una cámara digital casera en una casa, cualquiera, de dos personajes desconocidos, quienes deberán soportar la amenaza de un ente que les acecha, generalmente de noche, rompiendo la paz del hogar y, por ende, de la relación de pareja.
Tras superar los lógicos y previsibles rechazos que este tipo de filmaciones produce, con constantes desenfoques, un rodaje casero e improvisado, una fotografía realmente pobre y casi inexistente y un tufo amateur molesto y chirriante, queda por saber si tras estas carencias se esconde una buena idea y si ésta es bien desarrollada. Desgraciadamente no ha sido así, ya que la pobre interpretación de los protagonistas (tomándose el personaje masculino el elemento terror a risa, restando garra al drama sufrido por su partenaire), unido a la falta de progresión dramática, el constante estancamiento del guión y la incapacidad para otorgar fluidez a una narración que nace muerta y que se desarrolla de forma cíclica, dan al traste una propuesta distinta, pero muy limitada y agotadora, que invita a mirar el reloj en más de una ocasión. No ayuda a elevar el nivel de la película la ingenuidad de los efectos especiales, que no hacen sino evidenciar aún más las carencias técnicas, y el total desaprovechamiento del personaje secundario, que no aporta absolutamente nada reseñable al contexto general del film.
Paranormal activity no pasa de ser un iluso y bienintencionado proyecto universitario de escuela de cine, pero que no merece ni la atención prestada por Steven Spielberg (quién sugirió el final, efectista y gratuito donde los haya) ni su distribución por una major como es Warner. Como ya ocurriera con su homóloga "El proyecto de la bruja de Blair", la mercadotecnia ha podido con la calidad.
Recuerdo con cierta nostalgia una de las películas que marcó mi infancia, "Furia de titanes", donde el superhéroe no era tal ni provenía de los cómics. Se trataba de Perseo, quien, a lomos de Pegaso, debía enfrentarse a Medusa y liberar a Andrómeda. Se trataba de una película de 1981 con un marcado carácter instructivo y que conseguía aunar la cultura mitológica con la acción y la aventura. En el plano técnico destacaba la labor de Ray Harryhausen, encargado de los efectos especiales y que ha pasado a la Historia del Cine como uno de los mejores en su disciplina, cosechando, por otro lado, un éxito que le ha reputado la distinción de una visión particular e independiente de los efectos especiales (el estilo Harryhausen). Este era el trailer original de aquella mítica película:
Hoy, en esa vorágine febril de convertir y adaptar todo lo clásico a la nueva forma de ver cine, mucho más rápida y frenética, esta película no se ha librado de su correspondiente remake, a manos de Louis Leterrier, responsable de "El increible Hulk" y "Transporter 2". Obviamente, las tecnologías han avanzado a pasos de gigante y el nivel de efectismos que veremos en pantalla será abrumador (aunque me temo que aquellos estupendos parajes soleados que veiamos en la original se subsituirán por un feo cielo gris, fruto de la infografía y del exceso de croma). Como todo remake, desconfio, al menos queda para los tinerfeños saber que parte de la película fue rodada en su tierra. Veremos si pueden reconocer algo de ella.
Hoy, tras la habitual jornada matinal de trabajo, he llegado a mi casa dispuesto a ver las mismas desgracias, estupideces y rencillas políticas varias que cada día derrocha el noticiario televisivo. Pero, lamentablemente, hoy es uno de esos días en los que una losa pesa sobre tí, ya que el susodicho noticiario ha abierto su edición con el fallecimiento del actor José Luis López Vázquez, a la edad de 87 años.
López Vázquez era uno de esos pocos artistas a los que se les puede denominar actor en toda la extensión de la palabra. Aunque siempre se le ha recordado por su faceta más cómica, no debe olvidarse su vertiente dramática, y su facilidad para fluctuar entre ambos registros con una ligereza y credibilidad pasmosas. Recordar su filmografía es recordar gran parte de la Historia del Cine, debiendo hacer hincapié en que ha participado en muchas de las grandes películas de nuestra breve historia cinematográfica. Atraco a las tres, La cabina, El verdugo, La escopeta nacional, La prima Angélica, Plácido, Pippermint Frappé, La gran familia, Patrimonio Nacional, De espaldas a la puerta o La verdad sobre el caso Savolta son un pequeño ejemplo de la trascendencia de sus actuaciones.
No sólo trabajó con grandes directores del cine patrio (Berlanga, Forqué, Saura, Camus, Drove), sino que en su faceta personal su carisma era tal que despertaba simpatía entre el público, unido a su carácter accesible y afable. La Academia le rindió en 2004 un sentido homenaje con la entrega de un Goya honorífico (que, como siempre, llegaba tarde), pero que consiguió poner en pie a un aforo entregado a una persona con una simpatía desbordante y un actor de los que ya escasean. Hoy somos un poquito más infelices.
Si por algo se caracteriza, entre otras cosas, Alejandro Amenábar, es por su paciente y laboriosa documentación preparatoria previa al rodaje de un nuevo proyecto. Sus dos últimas obras, “Los otros” y “Mar adentro” fueron filmes realizados con una profunda y exhausta investigación sobre el texto, con la sana intención de evitar errores que pudieran arrastrarse a la filmación. Agora no ha sido objeto de excepción, lo que ha provocado, por un lado, que el lapso de tiempo de filmación se haya dilatado y, por otro, que el nivel de expectación haya aumentado conforme se iban recibiendo noticias de este nuevo reto.
Amenábar se propone otro reto personal ahondando en una historia rica, virgen cinemátograficamente hablando, y que le sirve como mera excusa para realizar una exposición crítica del fundamentalismo religioso durante la expansión del cristianismo en las postrimerías del Imperio Romano. Formalmente la película no tiene peros, aunque bien es cierto que quienes hayan sido testigos de las obras clásicas del péplum verán en Agora una hermana menor de aquellas obras míticas. El director se desenvuelve con soltura entre los recovecos de la biblioteca de Alejandría o en los enfrentamientos bélicos en el propio ágora gracias a un sabio uso de las grúas y del travelling, otorgando plena visión de una ciudad expuesta a los postulados de los fanáticos religiosos, capaces de mover masas y de lanzarlos al suicidio colectivo gracias a su poder de oratoria.
Los problemas de “Agora” provengan quizás en el aspecto narrativo, ya que el film se mueve entre lo instructivo y lo crítico, entre el drama romántico y el conflicto político-religioso, pero lo hace con ciertos vaivenes que no consiguen aunar con lógica fílmica un discurso que se desarrolla con excesiva frialdad y de espaldas al espectador. Así, las teorías astronómicas del personaje de Hypatia, un personaje rico en matices al que se le podía haber extraído mucha más información y protagonismo, quedan en un mero segundo plano ante la trama religiosa, provocando una cierta “cojera” que no reacciona hasta el tramo final del metraje. Ciencia y religión conviven durante todo el film pero en campos opuestos, sin tocarse, para finalmente dar respuesta a un desenlace quizás incoherente. Por otro lado, la frialdad de los personajes provoca la desnaturalización del aspecto romántico, y así asistimos a un gélido flirteo a dos bandas que no acaba de cuajar, al que le falta cierto brio y le sobra contención.
Agora es un film formalmente notable, interesante en todo momento,e incluso brillante en alguna de sus secuencias, pero que peca de cierta falta de conexión en sus diversas ramificaciones y sus postulaciones. Amenábar profundiza en exceso en el conflicto religioso, quedando sus intenciones claras y patentes, pero descuida la trama subyacente que ofrece mayor interés al espectador. No debemos olvidar que el film ha sufrido una mutilación de 20 minutos con respecto a la edición original que se proyectó en Cannes, circunstancia ésta que le ha podido hacer valer una pérdida de detalles y de elementos que enriquezcan las disgregaciones secundarias de Agora. Amenábar se reivindica como un buen director en potencia, muy centrado en su trabajo y consciente de sus pretensiones, y ese ascenso progresivo de peldaños le llevará a la cima. De momento, sigue aprendiendo.
Mucho se esperaba de la secuela de uno de los sleepers del reciente cine español. REC fue una película de bajo presupuesto rodada en cuatro semanas y que demostró que aún es posible innovar en un género tan en baja forma y excesivamente trillado como es el de terror. La originalidad narrativa de REC, mezclado con la eficiencia para generar miedo en el espectador, personificada en un crescendo de emociones y sensaciones de agobio y congoja, consiguieron dar en el centro de la diana y aunar el criterio (positivo) de crítica y público. Pero, a pesar de las iniciales reticencias de sus directores, Jaume Balaguró y Paco Plaza, de realizar una secuela, el hecho de dejar cabos de guión sueltos, un final abierto, la venta de derechos para un remake norteamericano y el éxito de taquilla fueron motivos suficientes para emprender una nueva incursión en esa casa calificada como el infierno con mayúsculas.
No nos engañemos, REC 2 no es una mala película, pero desgraciadamente no causa el efecto que sí generó la primera entrega. Ya no se trata, obviamente, del efecto sorpresa, que se ha perdido por el camino (REC gozó de una estupenda campaña de marketing que optó por no desvelar secretos de la historia ni del rodaje), y es que el espectador ya conoce la historia precedente y sabe a lo que se va a enfrentar. REC 2 opta por atar esas líneas sueltas de guión que quedaron pendientes, girar en parte el curso de la historia, y potenciar al máximo la envoltura formal. Balagueró y Plaza estructuran el devenir narrativo en tres líneas de guión que, si bien tienen en principio inspiraciones independientes, finalmente convergen en el mismo núcleo de ese infierno transformado en arquitectura urbana. Desgraciadamente esas tres líneas no gozan de la misma intensidad, lo que provoca cierta irregularidad rítmica en el metraje.
REC 2 se inicia a lo grande, desplegando todas sus armas. Un equipo de operaciones especiales se adentra en la casa y, gracias a las cámaras que portan en sus cascos, asistimos a los mejores momentos del film, ya que el espectador tiene en todo momento una visión global del terror, a la vez que proporciona espectacularidad y una sensación subjetiva de implicación en esos angostos y lúgubres pasillos. La acción discurre con precisión en esta fase y esa emoción se transmite al espectador, que apasionado, ve como la nave Nostromo se ha convertido en una pequeña omunidad de propietarios. Pero tras esta explosión de buen cine de acción, la película transcurre por otros derroteros más cotidianos, realistas, que logran disminuir la intensidad de la narración, presentando nuevos personajes con los que el espectador no comulga (es más, despierta en él el deseo de que "desaparezcan" lo antes posible), y esos meros diez minutos son suficientes para conseguir una desconexión de un film que hasta el momento no proporcionaba terror pero sí tensión y adrenalina en forma de celuloide.
No es sino con la conexión de nuevo con el eje principal del guión cuando REC 2 vuelve a generar interés, desembocando en el rescate de un personaje que da sentido al díptico en su conjunto (aunque los codirectores pecan de evidentes y redundantes, en el sentido que el plano final se sobreentiende). Por el camino éstos se han permitido el lujo, mitad curiosad, mitad sonrojo, de realizar homenajes al género (el de El exorcista en más que evidente), evocando a Aliens o "La noche de los muertos vivientes", pero lo más sangrantes es que esta potenciación de la acción ha degenerado en una disminución del efecto terror, que ha desaparecido por completo en pos del suspense por el susto de rigor. Sólo la fase final del metraje, que nos adentra de nuevo en el núcleo del miedo, y esa intermitente utilización de la cámara de visión nocturna, proporciona cierto desasosiego.
En definitiva, REC 2 ha sabido utilizar los mecanismo propios de una secuela sin caer en acomodados convencionalismos de género, y ofrece al espectador un viaje por las interioridades del infierno, multiplicando la casquería y el frenesí rítmico, bajo un impecable aspecto formal, pero en detrimento del miedo y del leit motiv del film, el terror.
Retorna Allen, tras su irregular periplo europeo, a la senda neoyorquina, con todo lo que ello conlleva y que los seguidores del realizador ya deducirán. Atrás quedaron los flirteos con el drama, los apasionados retratos de parejas en ciernes, los tintes de cine negro, las traiciones y corruptelas traseras, etc. "Si la cosa funciona" era un guión que dormía el sueño de los justos en uno de los cajones de Allen, y es que fue escrito en su día para ser interpretado, en su papel principal, por Zero Mostel, lo que frustró la muerte de éste.
Revisado y actualizado, el texto de "Si la cosa funciona" funciona y rueda a las mil maravillas a pesar de contar con elementos tradicionales en la obra del director judío. Larry David, alter ego en el film del propio Woody Allen, encarna a la perfección sus neuras y ese particular carácter, mezcla de cascarrabias y adorable anciano, aunque aún muy lúcido. Allen retrata una sociedad carente de valores, una juventud con pocas expectativas (consecuencia en parte de un nefasto sistema educativo), y vuelve a cargar contra la derecha recalcitrante y reaccionaria, la falsa democracia, la religión como falso refugio de la infelicidad e incluso la inestabilidad familiar derivada de la falta de comunicación y la imposición de principios propios. Gracias a ello, y partiendo del eje principal de la relación amorosa entre una joven y un antiguo físico entrado en años (que ahora se gana la vida dando clases particulares de ajedrez a niños), Allen incluye evidentes dosis autobiográficas sobre la hiriente visión de la sociedad ante tal diferencia de edad, justificándola y exigiendo el respeto ajena bajo la máxima "Si la cosa funciona".
Con tal premisa Allen se viste de profeta del buenrrollismo, de lo políticamente correcto, fluctuando por recovecos que incluyen la homosexualidad, el liberalismo y la vida bohemia y contemplativa, siempre desde un prisma cómico y no falto de acidez y socarronería. Larry David se convierte así en esa conciencia que dice lo que debe y no debes hacer, mientras que vive aislado y apartado del alocado mundo al que odia (en este sentido nos puede recordar a otras cintas del director como Manhattan, "Desmontando a Harry" o "Todo lo demás"). Además, Allen no olvida que tras la pantalla hay un público expectante, y por ello crea una empatía entre protagonista y espectador digna de aplauso (no faltan las características secuencias donde el personaje mira a la cámara y se dirige al público), inciendo así en lo que siempre ha enfatizado Woody Allen, más que un director de cine es un contador de historias.
"Si la cosa funciona" supone el retorno al cine tradicional de Woody Allen, aquel cargado de ironía bajo una sencilla historia donde convergen diversos puntos de vista sobre, esencialmente, el amor como centro de choque. Quizás peque de una puesta en escena excesivamente teatral, pero ante tal sabiduría en la dirección de actores (Allen es capaz de dignificar cualquier interpretación). Por otro lado, al film le falta algo de garra en algunos pasajes, especialmente en la fase donde la relación protagonista se va afianzando, ya que, aunque sin caer en el tedio, la sucesión narrativa se estabiliza y parece pedir ayuda.
Un título más en la vasta obra de un espléndido autor que, sin explotar ningún tipo de innovación, y basándose en meros acontecimientos cotidianos sabe dotarlos de un don cómico y un mensaje moralizante que se adapta perfectamente a los cambios sociales, esos que, casi siempre, son a peor.
