Carancho: Reparto de migajas

Hasta la fecha, el realizador argentino Pablo Trapero se ha caracterizado por destilar un cine cargado de crítica y denuncia social, así como un descriptivismo mordaz de los más bajos instintos de la condición humana. "El bonaerense" o "Leonera" dieron buena cuenta del talento de un director que ha sabido conectar con el espectador por un lado mediante la agilidad del ritmo impreso en su obra y, por otro, demostrar sus capacidades expositivas y su valía en aspectos puramente técnicos. 

"Carancho" supone otra hendidura en la llaga de la crueldad humana, del provecho económico gracias al sufrimiento ajeno, una inmersión a un submundo plagado de aves de rapiña dispuestos a sacar rédito de la desesperación y el abatimiento humanos. Trapero denuncia, con extraordinaria y milimétrica dedicación, un complejo y vergonzante entramado donde individuos con pocos escrúpulos actúan al margen de la legalidad y de sentido racional y moral alguno, mediante un discurso fluido aunque no siempre provisto del suficiente interés. Así, "Carancho" sube enteros cuando se enfrenta a esa bajeza moral y a profundizar sobre el tema de fondo, la trama que se cierne sobre el rentable negocio de los accidentes de tráfico, pero se deshincha en algunas bifurcaciones narrativas, pecando de previsibilidad y recursos tópicos en ese ambiente malsano que rodea este thriller. Afortunadamente, estos pequeños defectos son solventados gracias a una natural y convicente labor actoral, especialmente el tándem protagonista, quienes no sólo portan el peso del devenir fílmico, sino que se muestran como personajes heridos y sufridos en situaciones límite.

Técnicamente Trapero ha evolucionado respecto a su pasado, y así no sólo usa y abusa de su tradicional oscuridad fotográfica, de aire explícito, sino que flirtea con el plano secuencia, un tanto primario, mostrando verosimilitud y agilidad a momentos puntuales del metraje, lo cual no es síntoma sino de compromiso y responsabilidad por parte de un director con bases muy asentadas y una finalidad prediseñada. Pocos peros  se pueden reprochar a una película que, sin ser de gran altura, se antoja sincera, contestataria y muy cuidada, a pesar de su exterior sordidez y su decaimiento intermitente.

El gran Vázquez: Simpatía y desvergüenza

La irrupción del mundo del tebeo y del cómic en los cines no siempre, mejor dicho, pocas veces ha sido  productora de gratos resultados. Mortadelo y Filemón trataron, con mayor pena que gloria, trasladar sus peripecias aventureras a un celuloide que evidenció la abismal diferencia entre el papel y el cine. Por ello, el acierto principal de El gran Vázquez es haber empleado este universo de la tinta y el papel únicamente como instrumento vehicular del retrato de un personaje digno del mejor de las tiras cómicas. 

Santiago Segura encarna a un Manuel Vázquez despreciable como persona y genial como artista, interpretando con solvencia los pasajes cómicos, aunque evidenciando sus carencias actorales en las secuencias donde el dramatismo copa protagonismo, defectos que se ven sabiamente ocultados con el sensacional apoyo de lujo de los secundarios, destacando a Alex Angulo, Enrique Villén y Manuel Solo. El film destila encanto y simpatía a raudales, máxime con la estupenda recreación de la Barcelona del 64 donde realidad y ficción cómica van de la mano, gracias a un humor blanco, inocente y socarrón, que incita a la carcajada merced al esperpento y la desvergüenza destiladas  por el protagonista. A pesar de su soltura, la película muestra síntomas de excesivo perfilado del personaje central (toda ella es una descripción del genial dibujante), y desprende un cierto estancamiento narrativo especialmente en el último tercio de metraje, aunque estos fugaces baches son inmediatamente superados y olvidados por una genialidad cómica.

La carencia de moralidad alguna y de valores de Vázquez, a pesar de aferrarse a unos principios más que discutibles, es sin duda el punto álgido y eje central del film, donde radica el peso del mismo y en torno a él giran las distintas ramificaciones narrativas que, con mayor o menor acierto, van surgiendo sobre la marcha. Esta disgregación nos permite conocer personajes ilustres como Francisco Ibáñez, descubrir episodios reales aunque aparentemente inverosímiles del dibujante, y, por encima de todo, admirar su obra y dedicación a sus personajes de ficción. Oscar Aibar demuestra su sabiduría del particular universo del cómic (no en vano comenzó viviendo de él) y firma su mejor película hasta la fecha, que no sólo engrandece su expediente personal sino que revitaliza, aunque sea brevemente, una carrera la de la cinematografía española no precisamente boyante ni la de que presumir. 

Sin ser una comedia de altura, El  gran Vázquez hace digno honor, mediante su espíritu anárquico y desenfrenado, a los tebeos a los que todos nos hemos asomado en algún momento de nuestra vida y que debemos mostrar a generaciones presentes y futuras. Vázquez así lo habría querido (siempre que hubiese remuneración a cambio, claro).

El americano: Sangre fría

No estamos ante la primera , y muy probablemente tampoco la última, vez que la promoción y los adelantos de los largometrajes en forma de trailers provocan una concepción y unas expectativas muy desorientadas y totalmente desvirtuadas del acabado producto final. "El americano" ha sido un claro ejemplo de una manipulación en forma de montaje que ha acarreado que muchos espectadores, tras el visionado de la película, se hayan sentido altamente defraudados. Y es que hay que dejarlo claro, "El americano" no responde a los convencionalismos del thriller norteamericano, más versado en aspectos rítmicos y de acción que de perfilado psicológico y profundización introspectiva de personajes, lo que ha generado cierta sensación de desazón e incluso repulsa a un film notable, de buenas hechuras fílmicas, pero carente de personalidad propia y capacidad independiente de progresión narrativa. 

Clooney siempre se ha caracterizado por simultanear en su vida profesional de forma muy inteligente su faceta de galán hollywoodiense con un meticuloso sentido de la selección de sus papeles, a veces incluso arriesgado. "El americano" supone un reto más en su dilatada carrera, cargando con el peso de la película y acaparando toda la responsabilidad, hazaña de la que sale airoso, interpretando un personaje solitario, gélido en su interior, pero profundamente dolido y deseoso de afecto humano (femenino). Su realizador, Anton Corbijn, se aleja de los esquemas del cine norteamericano y destila un inspirado estilo europeísta a la mayor gloria de Robert Bresson, adoptando una cadencia rítmica pausada, reposada, de la que resulta una película contemplativa, distanciada y muy cuidada en aspectos formales, encarando cada plano como una diapositiva pictórica para deguste del espectador. Sin duda éste es el mayor acierto del film, amen de la introducción de bellas metáforas, como la de la mariposa que personifica al protagonista, y que engrandece la labor del director como creador. No puede decirse lo mismo de su guión, piedra angular de todo film, y que en este caso evidencia sus carencias, su flagrante vacío expositivo, y lo que es peor, sus notorios signos de incapacidad de progresión y desarrollo, que la convierten en una película con acusados síntomas de hieratismo funcional crítico y nula capacidad magnética y empática con el espectador, aunque de ello, afortunadamente, no se derive el tedio.

El resultado es un trabajo magistralmente realizado a nivel técnico, pero carente de una propuesta sólida y de suficiente atractivo para el espectador medio, y que, combinado con sus defectos en el desarrollo fílmico, hacen de "El americano" un producto elegante, distinguido, muy alejado de los convencionalismos del thriller made in USA, pero que requiere de una mayor profusión y dedicación en su aspecto puramente literario y narrativo.

El cine francés se queda huérfano sin Chabrol

El fallecimiento del que fue apodado como "el Hitchcock francés" ha causado una gran conmoción en el pais vecino, ferviente devorador de su propia cinematografía. No soy amante de repasar la vida y obra de aquellas personas que ya nos han dejado, para eso están los libros de cine y las biografías autorizadas, por lo que tan sólo apuntaré lo más importante de un muy productivo realizador que, a pesar de su irregularidad, consiguió meterse al público y a la crítica en el bolsillo gracias a su inspiración creativa y a su buen hacer, y eso es su trabajo, su cine. 

Chabrol elevó a los altares a la grandísima actriz que hoy es Isabelle Huppert, pero también contó con otras intervenciones de peso como las de Jean Louis Trintignant, Jean Paul Belmondo, Anthony Perkins y Jodie Foster, en una filmografía muy variada en cuanto a concepción y género. Bien es cierto que no siempre ha sido brillante, pero, sin haber abarcado toda su obra, puedo decir que no he conocido film alguno firmado por el cineasta galo que no reúna los mínimos exigibles de calidad. Cine de personajes, de actores en estado puro, de situaciones, conflictos y enfrentamientos, de inspiración teatral y de muchos, muchos quilates. Gracias por el chocolate, y por tu cine, maestro.

Todo lo que tú quieras: Lecciones de paternidad

Achero Mañas se caracteriza por ser un director joven, prometedor, y que si cuenta con una corta filmografía no es, desde luego, por falta de dedicación o inspiración creativa, sino porque, como bien él mismo ha manifestado, necesita situarse tras la cámara cuando realmente está preparado y cuando dispone de algo que contar con el suficiente interés y atractivo. Tras la deslumbrante "El bola" y la incomprendida "Noviembre", el director madrileño vuelve a indagar en las interioridades humanas, hurgando en las fisuras de las relaciones sociales y personales, a través de ricas metáforas precisas en su planteamiento, aunque no tanto en su ejecución y desarrollo.

"Todo lo que tú quieras" deja en manos de Juan Diego Botto una responsabilidad que pesa como una losa, y esta es la de interpretar un doble rol, el de padre y el de madre, mediante un burdo acto de transformismo, con el único fin de tratar el shock psicológico que su hija pudiese sufrir tras haber sido testigo de la pérdida de su madre. Afortunadamente, las tablas del actor hispano-argentino salen a relucir y es él quien dirige magistralmente la acción de la película, un tanto arrítmica y falta de contenido en algunos momentos, pero siempre interesante y complaciente. Mañas trata de eludir con acierto la lágrima fácil, el exceso de dramatismo y la búsqueda del espectador, componiendo un relato sensible y emotivo a la par que crítico con la hipocresía social y los innatos prejuicios de la especie humana. Realidad y transformación se dan la mano en un texto que, si bien adolece de cierta falta de pulso, de un hieratismo intermitente y una ingenuidad incluso infantil, deja claro sus postulados y su mensaje catalizador. 

Sí se esperaba algo más de esmero en el aspecto técnico, pues el realizador madrileño abusa demasiado del formato televisivo, especialmente en la primera fase del metraje, resultando un montaje un tanto automático, y al que no ayuda la apagada fotografía, grisácea y de tonos oscuros, a la que cuesta acostumbrarse. Sorprende, por otro lado, aunque sin demasiados alardes, la partitura de Leiva, componente del grupo pop Pereza, especialmente en un par de temas donde subraya con precisión la emotividad latente que desprenden las imágenes.

Achero Mañas ha demostrado, y lo sigue haciendo, ser un director digno de elogio, por sus propuestas distantes de la corriente arquetípica en el cine español, y en "Todo lo que tú quieras" vuelve a ponerse el disfraz de realizador contador de historias cotidianas, familiares, profundas, sinceras y sentidas. Películas con mucho corazón, esfuerzo y sentimiento, irregulares, sí, imperfectas, también, pero humanas. 

Conocerás al hombre de tus sueños: Mero trámite

A estas alturas, considero que Woody Allen ha demostrado con creces que su forma de encarar y ejecutar sus proyectos dista mucho de aquella que le otorgó fama, reconocimiento y, ante todo, respeto entre la masa cinéfila. La sobrecarga de trabajo a la que voluntariamente se somete el autor neoyorquino, consistente en escribir, sin descanso alguno, una película por año, acarrea las lógicas consecuencias de una irregularidad que, por momentos ha devenido en síntomas críticos y fatales de falta de identidad e inspiración, a la vez que ha devuelto fugaces amagos de recuperación del mejor Allen. El director ha visto en Europa un refugio donde es acogido con mimo y adoración, y así ha conseguidoi(fácilmente) rodearse de productores ejecutivos del viejo continente (uno de ellos el mismísimo Jaume Roures) quienes le conceden plena libertad creativa de un modo casi podríamos decir que servilista, algo que el espectador, seguidor de la filmografía de Allen, agradece.

La propuesta anual que nos ofrece Woody Allen ahonda en el retrato que magistralmente éste hace de las relaciones de pareja, de las crisis matrimoniales, del desgaste rutinario, de la falta de apasionamiento, de la necesidad del cariño y la complicidad humanas, y de valorar las cosas sólo cuando las hemos perdido. "Conocerás al hombre de tus sueños" juega con la comedia, pero sólo en momentos puntuales, flirtea con la socarronería y la acidez innatas de Allen, apostando por un contexto dramático de unas vidas erosionadas y con escasas expectativas futuras. No faltan los dardos críticos que en esta ocasión impactan en la figura del hombre, un ser en estado de evolución, guiado por puros sentimientos sexuales y del que mismo Allen se muestra avergonzado. 

El realizador vuelve a demostrar su pericia a la hora de dirigir actores y situaciones, afrontando una historia coral, dispersa en sus ramificaciones individuales pero que bebe de una fuente común. alcanzando cotas máximas de consecución y savoir faire el relato central protagonizado por Naomi Watts y Josh Brolin. En cierto modo se le puede achacar una cierta falta de encaje y cierre de las historias particulares, dejando en el aire y al arbitrio del espectador su resolución, pero probablemente ni Woody Allen ni nadie supiese resolver estas cuestiones vitales. Allen supera airoso su examen anual con una película que no evoca en absoluto, ni tampoco lo pretende, a su pletórica etapa pretérita, pero invita a la reflexión y apunta elementos de interés dentro de la triste cotidianeidad sin perder un ápice de su personalidad.

31 de agosto: El día de los no muertos

Capcom ha sabido calmar los ánimos de aquellos jugones que ansian poner las zarpas encima de un título esperado por todo amante del género zombie. Y es que, cuando aún quedan tres semanas para el lanzamiento oficial de la secuela de uno de los juegos de zombies más laureados de la nueva generación, Dead rising, la compañía nipona pone a disposición de los usuarios de Xbox 360 un prólogo que enlaza las historias de ambos títulos y sirve para entretener a la multitud ansiosa. Dead rising 2: case zero, que ese es su nombre, aparece hoy en Xbox live a un precio módico de 400 MP (unos 5 euros) y ofrece aproximadamente cinco horas de desparrame zombie, con todo lo que ello conlleva, sangre, vísceras y un humor negro descacharrante que hará las delicias de los amantes del género.

La mecánica es exactamente igual a la de su predecesor, esto es, tratar de sobrevivir a una invasión zombie con el añadido de estar supeditado al paso del tiempo, y es que la hija del protagonista, Chuck Greene, está infectada, por lo que éste deberá buscar Zombrex, la medicina que paraliza los efectos de la mutación, y administrársela cada cierto tiempo. Aumenta así la sensación de agobio en un juego cuya jugabilidad se verá potenciada con el modo cooperativo que podremos disfrutar en el juego definitivo. Respiren hondo, alcen sus bates de béisbol, abran la puerta y.... ¡¡a por ellos!!

Mafia II: Discípulos de Capone

Tan sólo queda un día para que se pueda adquirir en las tiendas uno de los juegos más esperados y con mayor dedicación y desarrollo, habiendo conseguido animar los flojos meses de julio y agosto en lo que a cuestión de lanzamientos videojueguiles se refiere. Mafia II, desarrollado por 2K Games, se presenta como la secuela de un título que pasó desapercibido en formato consola y que lo elevó a obra de culto entre los usuarios de PC. Han sido varios años de duro trabajo, de mucha expectación y por fin podemos degustarlo tanto en versiones de consola de sobremesa como en PC, siendo ésta, lógicamente, la que mayor potencial gráfico ofrece.

Mafia II ha generado opiniones muy dispares dentro de los medios de comunicación especializados, desde aquellos que lo tildan de obra maestra a aquellos que critican su linealidad y falta de libertad. La sombra de GTA es alargada y siempre planea sobre cualquier juego donde la libertad parece ser el buque insignia. El título de 2K Games apuesta más por un sólido e inmersivo guión, ofreciendo al jugador encarnarse en un matón de poca monta que poco a poco se va haciendo respetar por el despliegue de su particular sentido de la justicia. Para aquellos que gustan del cine negro de corte clásico, esta puede ser una magnífica opción para combatir el sofocante calor veraniego.  

Zombis nazis: Pura, y simplemente, nostalgia

A nadie se le escapa que las películas con intervencionismo zombi han pasado a configurar un género autóctono, enfocado a un específico público y en el que aportar elementos innovadores se ha convertido en tarea olvidada. "Zombis nazis" (horrible traducción del original Dead snow) no es más que un fanático divertimento con ciertos guiños nostálgicos y mitómanos a aquellos emblemas del género que vieron crecer a su joven realizador. Así, referentes del género slasher y ejemplos concretos como "Posesión infernal", "La noche de los muertos vivientes" o "Braindead" campean a sus anchas por una cinta desvergonzada que no debe tomarse en serio porque ni siquiera sus artífices hacen lo propio. Mejorable en su primera parte, donde salen a relucir todos y cada uno de los clichés del género, "Zombis nazis" alcanza su apogeo climático en su segunda mitad, donde abandona su conducta cohibida y da rienda suelta a un gore inofensivo y cómico, y en el que los despieces, amputaciones, desmembramientos y casquería variada son los absolutos protagonistas, mostrando un terror a plena luz del día (perdiendo, en gran parte, el efecto terror y apostando por el tono humorístico y exagerado). Cabe apuntar que el director no se ha tomado mayor preocupación a nivel argumental que vincular a los enemigos de su película en un contexto histórico, respondiendo el resto de su obra a los trillados y convencionales elementos de género, algo que, por otro lado, tampoco requería mayor dedicación. Aún así, con sus defectos técnicos y narrativos, especialmente en su arranque, "Zombis nazis" es un eficaz, aunque fugaz, entretenimiento para un espectador asediado por una cartelera plagada de blockbusters anodinos y prescindibles.

Origen: Encajando el puzzle

Christopher Nolan es, hoy por hoy, uno de los realizadores con mayor proyección y más interesantes del panorama cinematográfico hollywoodiense. Su fino sentido del ensamblaje entre la disección, casi enfermiza, de la psicología humana, y una concepción formal digna de una superproducción ha logrado aunar los aplausos de dos sectores tan aparentemente enfrentados como crítica y público. "Origen" es un delicioso manjar preparado a fuego lento y siguiendo a rajatabla una elaborada receta, donde nada tiende a la improvisación, provocando en el espectador una pausada y agradable digestión que, a la vez que lo sumerge en un mundo fascinante, lo somete a un estricto interrogatorio metafísico y existencial. Y es que "Origen" merece un segundo, un tercer y un cuarto visionado, dada su inabarcabilidad en su primera toma de contacto. Nolan tiene el don para atrapar al espectador con un discurso no apto para todas las mentes, dotándolo de un envoltorio trepidante y espectacular, pero necesario a la vez, sin que el handicap de la película resulte ser su metraje. Thriller, ciencia ficción y drama se dan la mano en un film que deja exhausto al espectador en su primer visionado, pero le genera adicción para retornar a ese laberinto críptico y cuasi indescifrable que sólo puede haber sido obra de una mente lúcida y despierta. "Origen" pasará, con el paso de los años, a ser una obra de culto de un cineasta que ha optado por tomar el rumbo contrario en el adormilado y acomodado Hollywood.

Hay un amigo en mí, y unos genios en Pixar

Excepcional colofón a una saga que ha sabido conjugar magistralmente la vivacidad, la exhibición animada y la rítmica con mensajes de trascendencia vital y existencialista sin caer en tendencias discursivas ni moralistas. Al contrario que la antaño exitosa y sorprendente franquicia de Dreamworks, Shrek, Toy Story sí logra hacer funcionar el engranaje que otorga sentido global a la trilogía, alcanzando una interdependencia de cada uno de sus episodios que evita la tentación de situar uno por encima de otro. Disney Pixar ha vuelto a dar vida a unos seres inanimados y los ha personificado extraordinariamente bien, tanto en su vertiente más emotiva y tierna como en su faceta más cruel y despiadada. El logro, sin duda alguna, recae en los guionistas, sin desmerecer el magnífico trabajo de los animadores (aunque bien es cierto que ya no existe ese factor sorpresa de antaño), ya que han sido ellos los artífices de un relato que, por un lado transmite candidez y un mensaje que abre los ojos al espectador sobre el inexorable paso del tiempo, mientras que por otro hila una intrépida aventura que incluso flirtea con elementos de terror y que transcurre por sitios tan cotidianos y urbanitas como una guardería o un vertedero (verdadero puntó climático del film). Toy Story es puro espíritu Pixar, fiel a sus planteamientos, lo que se traduce en un film creciente, que consigue emocionar al espectador, arrancarle una sonrisa y devolverle a su niñez, a la par que se jacta de caricaturizar ciertos personajes y meterse en el bolsillo al público adulto, quien disfruta del contenido mientras sus vástagos lo hacen de las atractivas formas.

Volviendo a la calle del Olmo... ¿alguien lo pidió?

Consecuente con la modernista tendencia de revisar y actualizar filmes del género de terror (cada vez más recientes, por otro lado), con el único fin de acercarlo al público adolescente menos exigente y extremadamente conformista, revive en la gran pantalla uno de los psycho killers que más noches de insomnio ha causado en la juventud ochentera, Freddy Krueger. Samuel Bayer, novato en el largo, se muestra cauto ante un producto que ya aterriza desgastado y reutilizado, adoptando una postura meramente ocular y sin extremar demasiados riesgos, lo que denota una fidelidad respetuosa con la película original que provoca el primer alivio en el espectador, que ha asistido a una degradación imposible de una saga que comenzó erigiéndose como innovadora y concluyó rescatada del lodo más pestilente. Aún así, la nueva entrega de Pesadilla en Elm Street trata de revitalizar un film que, aunque serio y honesto, le es achacable un evidente envejecimiento prematuro, lográndolo sólo en sus aspectos formales y tangenciales y, desgraciadamente, tirando por tierra el mayor logro del film de Wes Craven, dotar de carisma, a pesar de su frialdad y crueldad, al personaje de Krueger, que aquí desfila por la pantalla sin alma ni atracción ninguna. Bayer recoge el discurso original, calca muchas de las secuencias de la película de 1984 y se limita al mero reciclaje, a la introducción de elementos más sanguinolentos y a la realizacion semiautomática, sin aportar un ápice de novedad ni elaboración, apoyando en exceso su sentido del terror en el golpe de efecto y en el susto sonoro, técnica común en la actualidad y que denota flagrantes carencias narrativas y expresivas. "El origen" al que alude el título de la película no resulta ser más que una aclaratoria e infantil explicación, con tintes morales que resuenan a justificación marcadamente reaccionaria, del surgimiento icónico de Fred Krueger, lo que sirve en bandeja a su director a ofrecer un breve prólogo y una secuencia aislada, narrada en la saga original, y plasmada en pantalla en esta nueva adaptación. Se reduce con ello a la mínima expresión la labor reflexiva del espectador, a quien se le ofrece un plato precocinado y recalentado, listo para comer. Cuestión de los tiempos que corren.

La imagen del día, del año, de mi vida

Se hizo de rogar pero por fin llegó. Hoy es de esos pocos días en los que comienzas la jornada laboral con una sonrisa y una alegría interior contagiosa. ¡¡Felicidades, Campeones!!

Disfrutando del buen western

Mucho se lo han trabajado los amigos de Rockstar Games para tratar de ambientar con la mayor fidelidad posible el atractivo mundo del western en esta su nueva joya en forma de videojuego, Red dead redemption. Si lo simplificásemos demasiado, podría decirse que es una traslación del ambiente urbanita y de bajos fondos que ya vimos en GTA IV al lejano Oeste, pero, como digo, sería simplificar en exceso las cosas. Rockstar ha logrado (de nuevo) atrapar a la perfección la perfección de un ambiente, de una forma de vivir, y plasmarlo en una experiencia jugable donde ninguna partida es igual a la anterior, y donde nuestro comportamiento variará, y mucho, el desarrollo de la historia. Horas y horas de diversión en una impresionante e inmersiva aventura que se complementa, para los más jugones, con un sistema multijugador que evita que esta maravilla técnica tenga fecha de caducidad. 

Habemus nuevo Iphone

Apple no para, y teniendo en cuenta que ninguno de sus productos es precisamente barato, está claro que el público objetivo de esta compañía no es la gran masa social (aunque bien es cierto que sus artículos baten récords de reservas y se agotan pocos días después de su lanzamiento, véase el caso del reciente Ipad). Pues bien, a pesar de no contar ni un año desde que vimos la versión renovada del Iphone original, denominado 3GS, ya tenemos aquí el nuevo modelo, bautizado como Iphone 4 (comerse la cabeza lo cierto es que no lo han hecho mucho). Entre sus novedades destaca la incorporación de una cámara frontal, lo que permitirá la videollamada; sistema multitarea (aunque el último software del 3GS ya lo incorporaba, pero en versión limitada); cámara de 5 megapixels con flash; grabación de video en alta definición (720p), aplicación Ibooks, para leer libros electrónicos; organizador de aplicaciones en carpetas; edición de video mediante Imovie, etc.

Otro de los grandes lastres de los modelos vigentes era la batería, que se consumía con gran rapidez, especialmente si hacíamos uso de wifi, bluetooth o 3G. Según Apple, la batería de este nuevo modelo de Iphone podrá aguantar 300 horas en espera y entre 6-7 a pleno rendimiento. El precio oscilará entre los 199 y los 299 dólares (es decir, 200 - 300 Euros, debido a la errónea aplicación de la paridad euro-dólar), según el modelo, 16 o 32 Gb. Obviamente los modelos anteriores sufrirán una sustanciosa rebaja que quizás impulse sus ventas (de hecho, el 3GS me sigue pareciendo hasta la fecha el mejor y más completo terminal).

La fecha de salida del nuevo Iphone será el 24 de junio. A Europa llegará durante el mes de julio. Veremos si tanta precipitación por parte de Apple y la excesiva acumulación de revisiones de su móvil estrella no le pasan factura.

¿Rock? in Rio

Nunca dejará de sorprenderme hasta qué punto los fenómenos de masas pueden llegar a tal nivel de degradación en una afanosa búsqueda de la rentabilidad fácil, movida por la ambición puramente económica. Es lo que ha ocurrido con el festival Rock in Rio, que naciera allá por el año 1985, donde bandas de rock duro daban lo mejor de sí en un macroconcierto que aunaba a lo mejor del panorama internacional musical dentro del sector más heavy. No sólo Brasil, lugar se celebraba este evento, se movilizaba, sino que gente venida de todo el mundo, amantes de este tipo de música, abarrotaban el recinto, no teniendo nada que envidiar a otros macrofestivales como Donnington o Monsters of Rock. Iron Maiden, en el festival inaugural, sonaban tal que así:

Con el paso de los años, y el traslado de este festival a otras ciudades (curiosamente conservando su nombre original), como Lisboa o actualmente Madrid, sus organizadores han tratado de abrirse a otras músicas, lo que, por un lado, supone una alternativa y una posibilidad de elección dentro del mundo del ocio. Pero lo triste es que la excepción se ha convertido en norma y cuando hace dos décadas AC/DC o Iron Maiden atraían a las masas, ahora es Shakira o Hannah Montana los reclamos publicitarios. Sí, aún queda un pequeño reducto de melenudos para regocijo de aquellos que dieron forma y trascendencia a un festival que se ha convertido en una sucesión de artistas poperos, todos ellos de renombre, pero que no hacen justicia al nombre del evento. Por ello, señores organizadores, eliminen el término "rock" de su festival, y es que este género musical se merece un respeto.

En esta edición, y aunque no soy seguidor del rap y del hip-hop, destaca la presencia de la banda Cypress Hill, donde a buen seguro deleitarán al público con su mítico tema "Insane in the brain".

Talento oculto

Una vez finalizada la subasta solidaria, vuelvo a retomar este blog que tenía algo olvidado. Y lo hago con un video de un anónimo que he encontrado por youtube, donde suelo asombrarme ante verdaderos talentos que tocan con destreza un instrumento musical. Aprovechando que acabo de ver "Los hombres que miraban fijamente a las cabras", donde puede oirse un par de veces el extraordinario tema de Boston, "More than a feeling", he considerado oportuno revivir aquel mítico tema con una interpretación, a la batería, de un chaval con mucho desparpajo que, en mi opinión, borda la canción. A disfrutarlo.

Los gamers, con Haití

Hay determinados momentos en los que, al contemplar en televisión la cantidad de injusticias que se cometen a diario, un sentimiento de impotencia recorre tu cuerpo y no sabes cómo hacer para poder frenarlas o, al menos, mitigarlas. El incesante bombardeo de imágenes que nos llegan desde Haití tras el devastador terremoto que ha provocado no sólo la muerte de más de 50.000 personas y la semidestrucción de un país, sino un estado de caos donde reina la lucha diaria por la supervivencia en su fase más primitiva, conlleva que aquellos que nos consideramos del primer mundo nos unamos y colaboremos para proporcionar una recuperación pronta y una ayuds urgente a Haití. Por ello, y como pequeño granito de arena (¡bendito granito!), el programa de videojuegos Arcadia Gamers ha organizado una subasta en Ebay donde se puede pujar por un mando de Xbox 360 firmado por los deportistas de élite Marc Gené y Jorge Lorenzo, y que pertenece al conductor de dicho programa, Tonichan, quien gentilmente se ha ofrecido a subastarlo para aportar la cuantía de la puja ganadora a las víctimas del terremoto de Haití. Un magnífico y plausible gesto que este humilde blog no podía dejar pasar.

Aquel quien desee pujar por ese mando, totalmente único y exclusivo, puede hacerlo en la siguiente dirección: http://cgi.ebay.es/ws/eBayISAPI.dll?ViewItem&item=190367009376#ht_500wt_1182

Si no vas a pujar, te pido encarecidamente que difundas este mensaje en tu blog, facebook, tuenti, twitter o cualquier otro medio. Entre todos, con una pequeña aportación, podemos conseguir la ayuda que Haití merece.

La cinta blanca: Con Haneke llegó el buen cine

Da gusto inaugurar un nuevo año dejando atrás malas experiencias cinematográficas pretéritas y asomarse a un nuevo ejercicio en el que, a la primera de cambio, aparece un filme que no te deja indiferente y que invita a la reflexión. Es el caso de la última propuesta del director (con mayúsculas) Michael Haneke, autor de obras tan variopintas como Funny games, Código desconocido, El tiempo del lobo o Cache.

Sin profundizar sobre la sinopsis de la película, pues considero que cada paso que da, argumentalmente hablando, debe ser descubierto de forma virginal por el espectador, La cinta blanca es una indiscutible candidata (y si nada se tuerce, ganadora), del próximo Oscar a la mejor película de habla no inglesa. Nos situamos en un pequeño poblado alemán, poco antes del comienzo de la Primera Guerra Mundial. Haneke se dedica, con fino y milimétrico sentido descriptivo, a perfilar una serie de personajes que, tras su piel de cordero, esconden secretos inconfesables, misterios ocultos, y una personalidad oscura e, incluso, repulsiva. No falta ningún estamento en esta pequeña gran joya, desde la acomodada aristocracia terrateniente, pasando por la Iglesia, el médico, hasta llegar al pueblo llano, campesino, sin olvidar la figura de la ninguneada mujer y los adoctrinados niños. Todos ellos configuran un rico, a la vez que estremecedor, fresco que sirve a un atroz mensaje de fondo y que Haneke maneja, cual marionetista, con sabia agilidad y profundo sentir psicológico, sin necesidad alguna de caer en la morbosidad, mediante un dominio encomiable del fuera de campo.

La cinta blanca contiene secuencias memorables y, a pesar de su duración (dos horas y media) y de su ritmo pausado, heredero del cine Bergman, Tarkovsky o Dreyer, invita a su revisionado, ya que en ningún momento deja de suministrar información a un espectador que asiste anonadado e impotente al nacimiento de un sentimiento racial e ideológico que dejaría tristes frutos años más tarde. Elegancia y estilo se dan la mano en este film que aspira a un público exigente, maduro y con ánimo de volver cine en estado puro.

Cuando la ficción bordea la realidad

Tras un período (excesivamente alargado) de letargo, vuelvo a retomar la sana costumbre de escribir impresiones varias sobre distintos aspectos de la vida cotidiana en este humilde blog, via de escape fugaz para el estrés diario y la acuciante rutina a la que nos vemos sometidos. Y lo hago con un videojuego, porque, al contrario de lo que muchos (sin conocimiento de causa) opinan, el ocio electrónico ha dejado de ser un mero divertimento pasajero para, en ocasiones, devenir en una verdadera obra de arte. Prueba de ello son las aventuras gráficas, género muy cultivado durante los 80 y 90 y que actualmente aparecen con cuentagotas. La posibilidad de encarnar un personaje, acompañarle durante un excitante viaje, una animada aventura y el conocer personajes misteriosos a la vez que se resuelven misterios incógnitos, no tiene precio. Todo ello hilado a través de un ritmo pausado de juego, que reta al jugador a reflexionar sobréequé decisión tomar, de forma visualmente impactante y muy cinematográfica.

Prueba de que las tecnologías avanzan con pasmosa rapidez es Heavy Rain, la nueva propuesta de los autores de la aplaudida aventura Fahrenheit, que, a poco más de un mes de su lanzamiento, va dejando muy buenas muestras de su potencial gráfico, muy cercano a la realidad, y que promete ser toda una experiencia cinematográfica (no tanto rejugable). Disfrutad de estas sugerentes imágenes y dejáos arrastrar por la experiencia Heavy Rain.