De ratones y de hombres

Un dios salvaje: Exorcizando los demonios

2011-11-15T10:44:00.000+01:00

Independientemente de la catadura moral con la que se juzgue el plano personal del realizador Roman Polanski, lo que es incontestable es su habilidad para plasmar en la gran pantalla las interioridades humanas y hacer aflorar los demonios que la raza humana posee, de forma inconsciente, por naturaleza, como ya plasmara en obras como "La muerte y la doncella", "Repulsión", "El quimérico inquilino" o "La semilla del diablo". Con "Un dios salvaje" se ha aferrado a las formalidades teatrales que imponen la unidad de tiempo y espacio, con sumo riesgo pero con excelso acierto. Polanski logra una maratón ascendente que evidencia las carencias humanas y el juego de las apariencias y la presuntuosidad merced a unos personajes en estado de gracia (con especial atención a Christoph Waltz) y a una dosificación milimétrica del timing y el lenguaje cinematográfico. Limitada en sus hechuras, pero resuelta con desparpajo y precisión, "Un dios salvaje" flirtea con la comedia con la rabia contenida y un mensaje aplastante de fondo, donde cada plano, cada situación y cada frase resulta coherente y los silencios resultan de lo más expresivo. Cine de actores, de grandes actores, dirigidos por la mano maestra de un genio que nunca dejó de serlo.

Pa negre, camino al Oscar

2011-09-28T13:43:00.000+02:00

Finalmente será la gran triunfadora en los últimos premios Goya, Pa Negre, de Agustí Villaronga, la elegida por la Academia de cine española en la carrera hacia el Oscar. Recordemos que las otras dos candidatas eran "La piel que habito", de Pedro Almodóvar, y "La voz dormida", de Benito Zambrano (cuyo estreno en salas será el próximo 21 de octubre). Difícil elección la de este año, no por el hecho de que sean películas de baja calidad, sino por su carácter particular y singular que las hacen difíciles de exportar al mercado norteamericano. Sin duda ha sido una sorpresa, pues la cinta de Almodóvar es la que más puntos a favor tenía, dada la simpatía que su cine despierta fuera de nuestras fronteras (y la gran capacidad de exportación que su hermano, Agustín, productor del filme, ha demostrado a lo largo de su carrera). Le deseamos toda la suerte del mundo a Agustí Villaronga, aunque me temo, y sin ánimo de ser agorero, que el universo oscuro y pesimista de Villaronga no encaje demasiado con los gustos del público yanqui. Crucemos los dedos.

Piranha 3D: Qué festín, de postín

2011-03-30T13:48:00.002+02:00

Corría el año 1978 cuando un absoluto desconocido Joe Dante, quien a la postre iba a convertirse en un reputado director de cine fantástico, con algunas películas emblemáticas en su haber, se ponía tras la cámara por primera vez para revitalizar el apabullante éxito obtenido por Steven Spielberg con "Tiburón", aunque con unos medios mucho más modestos y una perspectiva bien distinta. "Piraña" hoy en día es recordada más por la leyenda que está detras de ella que por sus puras virtudes y su valía artística, al ser, como ya se ha dicho, el debut en la dirección de Joe Dante, el contar con un guión escrito por el mismísimo John Sayles (director independiente de reconocido prestigio) y suponer la secuela de este título la ópera prima del hoy aupado en los altares James Cameron. El film se adscribía a la serie B en su estado puro, el de la carencia presupuestaria, el desparpajo y la desvergüenza sin miramientos, pero respetando los cánones establecidos por el cine de terror de los 70, aquel que castigaba con crueldad en pantalla al ser humano y, por extensión, al espectador que asistía atónito a un espectáculo macabro fascinante y horrendo a partes iguales.

Han pasado los años y, con ellos, la forma de enfocar el cine de terror. La serie A está compuesta por cintas que poco o nada tienen que ver con la concepción clásica del terror, anclándose en la explotación escénica del slasher ávido de sangre joven y turgente, las posesiones demoníacas o el revival de películas pretéritas, mientras que la serie B ha quedado relegada a los festivales de exhibición minoritaria o a formatos de telerrealidad que fotocopian el precedente de "El proyecto de la bruja de Blair". En el caso de Piraña, sin duda fue un gusto saber que sería Alexandre Aja el encargado del proyecto, pues tanto su obra inaugural, "Alta tensión", como las posteriores, todas ellas remakes, iban más allá de la mera revisión con fines netamente alimenticios, sino que imprimía a sus películas una admiración y respeto por el original evidentes y, por ello, plausibles.

"Piraña 3D" vuelve a ser aquella película desvergonzada, caótica e insustancial como lo fue su predecesora, pero actualizado a tiempos modernos, donde la pérdida de valores se ha tornado más evidente y palpable, la sociedad del carpe diem es una constante vital y la alienación y degradación socio-cultural se ha convertido en un cáncer irreparable. Así, su argumento viene a ser tan simple como el original, y el público espera enfervorecido el castigo divino impuesto por las fuerzas de la naturaleza, personificadas en esos pequeños pero voraces depredadores, posicionándose de su lado y no de los protagonistas, meros muñecos inertes y,en parte, merecedores de su fatal destino. Aja se adapta con paso firme a las nuevas tecnologías, respetando la estética, en los primeros compases del film, propia de los años 70, para posteriormente dar rienda suelta a las posibilidades ópticas del 3D, realmente logradas en las escenas subacuáticas.

Obviamente "Piraña 3D" está concebida como una película veraniega, época en la que los sesos están semiderretidos y la exigencia del público se arrastra por los suelos, y por tanto atacarla por el hecho de sus diálogos anodinos, su esquematismo dramático y su gratuidad escénica no suponen más que meras evidencias que caen por su propio peso. El realizador francés es consciente de las limitaciones literarias con las que cuenta pero, a pesar de ello, sabe sacar adelante con mucha personalidad, una dosis de exhibicionismo carnal de artificio y una ración gigante de hemoglobina un relato que viene a acentuar, con tono crítico, el carácter acomodado del ser humano, la falta de respeto por los valores primarios y recuerda que toda conducta reprobable tiene su castigo. Los verdaderos valores de "Piraña 3D" residen en su tono hilarante, desprejuiciado y sarcástico, armándose de unos medios técnicos al servicio de la historia sin pretensiones, y que tienen su punto álgido en las secuencias más cruentas, realmente conseguidas, donde el terror hace acto de presencia y el miedo, inapreciable a simple vista, campa a sus anchas. Si a ello le añadimos un despliegue de tintes hiperbólicos en su exhibición de miembros amputados y casquería varia, queda claro que el público al que va dirigido el film no puede ser más limitado y, con ello, iniciado. El resultado es un cóctel de excesos e insensateces altamente disfrutable, pero que exige cierta autocomplacencia por parte del espectador ante la nadería y la falta de aspiraciones que "Piraña 3D" aporta, y que el director, con aires gamberros y desmelenados, escupe a la cara del espectador.

Torrente 4: Caspa infinita

2011-03-22T23:52:00.000+01:00

Resulta cuanto menos de ilusos esperar algo de provecho en la cuarta entrega de Torrente, saga sobreexplotada por antonomasia que, casualidades de la vida, ha sido llamada a salvar la defenestrada taquilla del cine español. Aun así, quien escribe, tras haber sufrido en las dos anteriores ocasiones vergüenza ajena ante las andanzas del policía de dudosos valores, decidió tenderle la mano una vez más al no tan tonto brazo de la ley y, por extensión, al señor Santiago Segura. Pocas veces me he sentido tan incómodo en una sala de cine, ya no por el jaleo general que crean este tipo de películas, ni por la falta de comportamiento y educación de parte del público, algo ya tristemente generalizado y asumido como "normal" en esta decadente sociedad, sino por la nadería que surgía de la pantalla, de asumir, conscientemente, el haber tirado al más putrefacto de los vertederos algo más de 90 valiosos minutos.

Segura ahonda, una vez más, en los recursos del chiste fácil y poco elaborado que rezuman de su personaje, a saber, homofobia, xenofobia, racismo, puterío y poca, muy poca higiene, de modo que su nueva propuesta no es más que un nuevo acto de descriptivismo, casi obsceno, de los rancios valores de su protagonista, algo que, salvo que tu edad mental esté por debajo de los 8 años, no resulta excesivamente gratificante ni satisfactorio. Como era de esperar, la legión (cada vez más) de pseudopersonajes del mundo del cotorreo y la lengua viperina deambula por el set tratando de dar credibilidad a lo increible y pretendiendo ser actores por un día, sin ser conscientes del sentido de la vergüenza y de la autocrítica. Con este plantel, no esperen una historia mínimamente coherente, ya que, de haberla, ésta ha sido confeccionada a base de retales cuya progresión narrativa funciona a ritmo de gags, metidos con calzador, y de un nivel intelectual digno de la mejor sobremesa televisiva.

Torrente debutó en 1998 sorprendiendo a propios y a extraños con una simpática fábula que poco tenía de crítica o de radiografía social como algunos querían ver, pero que merecía un reconocimiento por su honestidad y por haber dado vida a un personaje detestable, pero a la vez icónico. Santiago Segura, aka Torrente, dispuso como partenaire en su debut a Javier Cámara, y en su fallida secuela a Gabino Diego. ¿Qué retorcida razón le habrá llevado a contar en esta cuarta parte con Kiko Rivera? Y es que Torrente se ha convertido en un fenómeno mediático, una atracción a la que todo el mundo quiere subir por no sentirse marginado socialmente, y en la que dignidad y la entereza se pierden en pos de contar con el beneplácito de la masa y de seguir la orientación que marca el rebaño social.

Con el paso de las entregas Segura ha sabido, con pecho henchido y ciertas dosis altivas, rentabilizar una idea que pocos pensaban fuera a triunfar, pero la broma ha perdido su gracia, y de ahí a mancillar títulos memorables como "La gran evasión", "Cadena Perpetua, "Vértigo" o "Evasión o Victoria" hay un mundo, y Torrente 4 ha sobrepasado ese límite, congratulándose del mal gusto, la zafiedad y la adoración a la estulticia, sin reparar en los pilares básicos que configuran una obra cinematográfica. Torrente es un fenómeno de retroalimentación capaz de sobrevivir a costa de ingerir sus propias heces y que está dispuesto a perdurar durante muchas más entregas, siempre que su público lo acoja con los brazos, sobacos sudados incluidos, abiertos.

No busquen en Torrente 4 una historia ingeniosa, no la hay; no busquen diálogos brillantes, no los hay; no busquen una precisión en la dirección, no la hay; no busquen una gran labor actoral, no la hay; no busquen los diez euros de la entrada, ya no los hay, se fueron por el W.C.

Saw VII 3D: Pieza a (des)pieza

2011-02-17T01:23:00.000+01:00

Las noches de Halloween de los últimos años han servido no sólo como exaltación de una de las fiestas yanquis por antonomasia que celebra no se sabe bien qué, sino también como plataforma de lanzamiento y posterior expansión de una saga adscrita al (defenestrado) género de terror que comenzó con aires prometedores y que, con el paso de las posteriores entregas, ha devenido en un macabro pulso al aguante físico y psicológico al espectador, perdiendo todo su espíritu primigenio. Pocas sagas han sufrido tal grado de sobreexplotación, Viernes 13, Pesadilla en Elm Street, Halloween han sido vivos y vergonzantes ejemplos de un vacuo aprovechamiento de una seña de identidad en pos de un rédito económico a costa de la calidad y la lógica racional.

Saw VII se publicita como el cierre de la saga, y se agarra firmemente a la última moda del 3D, medida antipiratería de la que algunos alardean bandera en mano, y que imprime un halo efectista y poco amable con el resultado general de las películas, al tratarse, salvo la honrosa excepción de Avatar, de una tridimensionalidad impostada y en absoluto necesaria para la narración fílmica. La séptima entrega de la exitosa, a nivel exclusivamente económico, de la franquicia iniciada como un vehemente ejercicio de guión, trata de salvar los muebles, de poner parches a un queso emmental, de arreglar el desaguisado conformado por las cuatro, y si me apuran, cinco entregas anteriores, en las que las sucesivas escenas de tortura y crueldad humana se simultaneaban con verdaderas catástrofes resolutivas en el guión. En este sentido Saw VII, dentro de su inoperancia y su talante redentor, funciona a medio gas, debiendo el espectador ser excesivamente indulgente y tolerar, por el camino, una nimiedad que los guionistas han venido a denominar argumento y que se ahoga en su propia simplicidad y su esquematismo galopante. Poco ayudan a elevar el tono las bochornosas interpretaciones de algunos actores, más interesados en cobrar el cheque que en dejar patente su valía artística.

Saw VII pone al límite la sensibilidad y raciocinio del espectador, que se ve obligado en más de una ocasión a apartar la mirada de la pantalla, al asistir a un espectáculo circense con ínfulas sádicas y gratuitas que le empuja a reconsiderar por qué decidió pasar por taquilla. A medida que se han ido sucediendo las distintas entregas, el nivel de brutalidad y ensañamiento ha ido aumentando, y la explicitud en lo meramente sanguinario se ha erigido como protagonista substitutivo ante la ineptitud de poder hilar una historia mínimamente coherente y atractiva, algo que ha tocado techo con este aparentemente último capítulo (cosa que no me acabo de creer). La saga se cierra, o eso dicen, con un triple salto mortal que eleva a la enésima potencia el grado de casquería y despiece hasta tornarse en una macabra, y no apta para estómagos sensibles, exposición enfermiza de torturas y sometimiento sin objetivo ni fin específico. Ante la falta de argumentos, efectismo, esa es la consigna.

Películas como la trilogía de Posesión infernal, el cine zombi de George A. Romero o de Lucio Fulci, e incluso la mediocre y reciente Zombis nazis hacen uso de un gore blanco, utilizado como arma cómica, casi autocrítica, de momentáneo efecto en el espectador, pero las últimas entregas de Saw se limitan al juego del gato y al ratón mientras en la sala contigua se despiezan, con todo lujo de detalles, los incautos y caprichosos personajes que caen en manos del malvado Puzzle, logrando el rechazo en el espectador pero por su puro artificio, su carácter manipulador y su carencia, más allá de lo estético y arquetípico, de recursos de peso que convenzan a un espectador cansado de ser salpicado con sangre ajena.

Winter's bone: Oro bajo la nieve

2011-02-11T00:33:00.001+01:00

Hay películas de las que se debe partir de una base, y es la de la predisposición. Que nadie se lleve a engaño. No recomendaría esta película a alguien que me preguntara qué le recomiendo de lo que ofrece la cartelera actual. Winter's bone es de esas películas, como ya ocurriera con La cinta blanca, que los que nos autodenominamos aficionados, mal llamados críticos de cine, queremos egoístamente para degustar en soledad, aquellas que no nos incomoda ver con la sala vacía (aunque este no fue mi caso, a pesar de lo que pudiera denotar los ronquidos en estereo que provenían de sendos espectadores a ambos lados de mi asiento).

Existe una cierta tendencia en el preludio hacia los Oscar de aperturismo hacia el cine independiente, aquel realizado sin alardes presupuestarios ni excesos tecnico-artísticos, quizás como una pose de cara a la galería para lavar la imagen del glamour hollywoodiense, como ocurrió el año pasado con la fallida Precious, o bien como un merecido reconocimiento a un cine diferente, expresivo, atrapado en sus propias limitaciones y condenado al respeto pero al pronto olvido. Debra Granik ha trasladado a la gran pantalla, sin artificios y de un naturalismo que asusta, aquella realidad que no deseamos ver, a la que damos la espalda, y que la protagonista debe afrontar, actuando como un adulto pero movida por su inocencia e inexperiencia dada su temprana edad. Así, la directora plantea un pulso al espectador no iniciado, y afronta un reto que supone, de manera consciente, ir descartando, cual escalera formada por fichas de dominó, espectadores, hasta llegar a aquellos dispuestos a ver más allá de la mera superficie narrativa y el ritmo marcado por las mainstreams.

Winter's bone explota un esqueleto guionístico que se antoja suficiente como vehículo conductor para sobrellevar el peso del film, acentuando Granik su mirada en los lugareños, en el malsano ambiente que se respira en la America rural y profunda, y adoptando formalidades inspiradas en el western. Si se puede calificar a esta película, el adjetivo adecuado sería el de arriesgada, y es que su languidez y su ritmo pausado y reposado pueden hacer desesperar a muchos, pero entusiasmar a los pacientes, a los que consideran el fluir de los fotogramas como pilar maestro de lo que denominamos cine. A pesar de su aparente brusquedad, Winter's bone se presenta como un engranaje al que el devenir del metraje le va otorgando las dosis justas de aceite, desencadenando un previsible desenlace, pero no por ello carente de un potente efecto demoledor y aterrador. Cine adulto, muy exigente, rodado casi de espaldas a lo convencional, un grito al cielo reivindicativo y desesperado. Una de esas pequeñas joyas que merece revisionarse para captar su pura esencia, aquella que está en cada mirada, en cada silencio, en cada frase, en el aire que se respira.

127 horas: Aaron, no descontroles

2011-02-09T20:01:00.004+01:00

Película a película, Danny Boyle ha sabido quitarse la etiqueta que le dió la fama pero que le ha perseguido a lo largo del tiempo por muy esperanzadora que fuese su nueva propuesta fílmica: ser el director de Trainspotting. El realizador británico ha hecho incursiones, con mayor o menor acierto, en la ciencia ficción, en la comedia dramática, en la denuncia social y hasta en el terror, tratando de ofrecer una perspectiva diferente a géneros sobreexplotados y dotarles de un envoltorio formal atractivo a la par que arriesgado. Obviamente, ello ha generado disparidad de opiniones entre el gran público, y que abarcan desde la indiferencia y la absoluta frialdad hasta el entusiasmo casi contagioso, lo que conlleva a afirmar que Boyle es, cuanto menos, un director que trata de aunar el concepto de proyecto comercial y la aplicación de un sello personal.

127 horas se adscribe a la moda de describir situaciones límite del ser humano, donde la claustrofobia y la lucha contra la muerte y las interioridades vitales se tornan en protagonistas, minimizando así costes y proyectando un mensaje reflexivo al espectador, evitando la pretenciosidad y la pedantería, gracias a un ágil ritmo y un lenguaje visual apabullante. Es aquí donde la cinta de Boyle cobra su mayor atractivo y consigue sus más logrados aciertos, al sortear la parquedad de la premisa argumental y reivindicar el uso de los recursos visuales como impulsor del lenguaje narrativo. Así, asistimos a estrategias audiovisuales como el split screen, el video digital, la inserción de cámaras subjetivas y la naturalidad fotográfica que no sólo logran una sensación de verosimilitud en la historia, sino también una cercanía terrenal agradecida por el espectador y que potencia el magnetismo con su butaca.

El film posee una sencilla estructura tripartita equilibrada y que apoya el peso de su efectividad en su fase central, tras una breve pero ajustada presentación de personajes (o mejor dicho, personaje), que premoniza sobre la tortuosa sesión de dolor y arrepentimiento a la que se va a ver sometido el protagonista. Es precisamente en el ecuador del film donde salen a relucir la contienda psicológica que se libra en el personaje del montañista, a base de evocaciones y contínuos flashbacks, que fluctúan entre la nostalgia, el deseo, la penitencia e incluso el humor. Vivimos entonces los mejores momentos del film, aquellos en los que Boyle sabe eludir con sabiduría los caminos del morbo que la trágica situación del protagonista tienta a invadir y se adentra en los sentimientos primarios de éste, con la adecuada elegancia y buen gusto, dentro de la penosidad y el dramatismo de lo que refleja las imágenes. Una situación de terror progresivamente creciente que desemboca en la famosa secuencia que ha alzado publicitariamente al film y que Boyle recrea, dentro de su crudeza y carnalidad, con celeridad y sin acentuación.

127 horas no llega al alto nivel que alcanzó Enterrado, de Rodrigo Cortés, ya que mientras aquella demostraba que era posible contar una historia con mínimos recursos, aquí se recurre, con evidentes logros y cuidada ejecución, a mostrar el miedo y la desesperación del ser humano asentándose en un argumento lineal y limitado, pero excelentemente apuntalado y apostando por la contención y la evitación del exceso y la gratuidad.

Skyline: Exterminando espectadores

2010-12-02T11:32:00.008+01:00

Recuerdo cuando no hace mucho las películas con marcada tendencia a romper taquillas se anticipaban, en forma de pequeñas dosis o teasers, como se llaman ahora, con mucha antelación, a veces incluso un año antes de su estreno. Skyline parecía recuperar aquella tendencia cuando asistí al visionado de su teaser trailer, ya que ofrecía al espectador una típica historia de invasiones alienígenas apoyada, desvergonzadamente, en el uso y abuso de los efectos especiales, sembrando en éste un claro desconcierto pero a la vez una hipnótica sensación de atracción e interés ante tal misterioso film. Dos semanas después "Skyline" llega a las carteleras, rompiendo todos mis esquemas y confirmándome que esta película no contaba con excesivo respaldo ni siquiera de su propia productora.

No es extraño que el personal técnico del mundo del cine se lance a la dirección, como tampoco que éstos actúen como habituales en segundas unidades de realización o incluso adjuntos al propio director en muchos filmes. Los hermanos Greg y Colin Strause, especialistas en efectos especiales, han demostrado su sobrada valía en este ámbito en títulos como "300", "El día de mañana" o "Terminator 3", las cuales, independientemente de su entidad cinematográfica, cumplían con sobrada solvencia en el apartado visual. Pero la dirección de un film requiere mucho más que una especialización aislada, y es ahí donde los hermanos Strause sacan a relucir sus carencias más flagrantes, en su incapacidad para ir más allá de lo que realmente dominan, logrando un producto no sólo desequilibrado o incompleto, sino absolutamente torpe, burdo y risible.

"Skyline" incumple cualquier norma básica y mínima de coherencia y racionalidad cinematográfica, comenzando por un estrepitoso plantemiento inicial, en el que todo avanza de forma gratuita e inexplicable, y donde los personajes (si se les puede llamar así) no despiertan ningún tipo de interés por el insuficiente, o nulo, perfil que los codirectores realizan, mostrando un consciente descuido en la progresión narrativa y una apuesta, casi a contracorriente, por la acción injustificada y el espectáculo de barraca de feria, que incluso deviene ridículo por su afán desprejuiciado de utilizar el papel de calco y apoderarse literalmente de los esquemas conceptuales de "La guerra de los mundos", "Monstruoso", "Independence day" e incluso "Terminator 2". El film carece de cualquier mínimo de rigor y de seriedad, tanto que se empecina en hacer creer al espectador que tiene un guión sobre el que se vertebra su supuesta historia, cuando éste no responde sino a sonrojantes líneas de diálogo e infames situaciones donde la supervivencia humana se torna en una sensación de rebeldía para el espectador, quien asiste estoicamente a un vacuo correpasillos de difícil digestión y arduo entendimiento.

El cine de ciencia ficción no está atravesando su mejor época, y pocas son las excepciones que consiguen mantener sondado a un género del que han resultado generosos frutos. Quizás su mayor lastre no se limite exclusivamente a la escasez de ideas y al recurso constante en convencionalismos y clichés de género, sino en el descuido en el contenido y en la fijación por el mero envoltorio. Y eso es precisamente lo que pierde a "Skyline", lo que la convierte en un producto ya no del montón, sino insultante e incluso temerario para el coeficiente intelectual medio. La cinta de los hermanos Strause (recordemos que son los perpetradores de esa hez fílmica llamada Aliens vs Predator: Requiem) sólo acierta en su aspecto técnico visual, que tampoco logra hepatar al espectador por su falta de inspiración y originalidad, aunque cumple su cometido, pero es un disparate en todo lo demás, tanto a nivel narrativo como dramático, que logra aburrir en escasa hora y media de metraje, y que acumula sinsentido tras sinsentido hasta alcanzar el culmen de desvergüenza máxima en sus últimos cinco minutos, un verdadero desafío a la paciencia del espectador. Tan sólo dos cosas me impidieron abandonar la sala, el respeto que tengo hacia el cine (y que muchas veces no es correspondido) y la intensa lluvia que caía en el exterior. Candidata directa a peor película del año, y si me apuran, de la década.

Entrelobos: Naturaleza viva

2010-11-25T00:23:00.000+01:00

En tiempos donde la apuesta por lo seguro y la escasez de ideas campan a sus anchas, no deja de ser digno de aplauso y de merecido reconocimiento que existan propuestas alternativas, a contracorriente y que, aun a costa de sufrir varapalos económicos y rechazo de la masa social, dignifiquen el mal llamado séptimo arte. Gerardo Olivares, director hasta la fecha de proyectos tan interesantes como desconocidos para el gran público como "14 kilómetros" y "La gran final", se adentra en la historia (real) de Marcos Rodríguez Pantoja, quien, por avatares del destino que la película se encarga de desvelar detenidamente, se ve obligado a vivir en plena naturaleza sin más compañía que la de la fauna que la puebla y, en especial, los lobos, con quienes entablará una cercana relación de amistad.

"Entrelobos" se mueve con sumo acierto entre el documental naturista y el drama costumbrista, adoptando un estilo reposado y contenido que potencia los elementos técnicos, tales como la fotografía y la planificación, en detrimento de un argumento que, aunque limitado, contiene los ingredientes mínimos necesarios para lograr la satisfacción del espectador. Sin duda los mayores logros de la cinta se concentran en la elegancia y la sutileza de su director a la hora de describir el período de adaptación del protagonista en un entorno que le es hostil y cruel, logrando una perfecta simbiosis entre el ser humano y el hábitat natural. A ello ayuda, y mucho, la eficaz música de Klaus Badelt, que subraya a la perfección los momentos más emotivos que consiguen la complicidad sentimental del espectador. No obstante, a pesar de su marcado carácter transgresor y diferenciador, son más que evidentes los síntomas de carencia narrativa y de propuesta discursiva que adolece el film, lo que la condena a cierto grado de estancamiento que conlleva el lucimiento formal y no tanto el puramente literario. A pesar de todo, "Entrelobos" se sigue con agrado, con momentos de arritmia narrativa y clara sensación de intermitencia e hieratismo dramático, pero ello no empaña un resultado global notable y con un claro mensaje crítico contra la irracionalidad humana.

La propuesta de Gerardo Olivares responde a su contrastado carácter crítico y contestatario, capaz de mostrar la dureza y la crueldad a través del lirismo audiovisual, y es precisamente lo que convierte a "Entrelobos" en una película soberbia desde el punto de vista del aprovechamiento de los recursos técnicos y de acentuación de la imagen como método expresivo, aunque no se pueda decir lo mismo de sus limitaciones de guión, muy bien ocultadas por una pericia reseñable en el manejo de la cámara.

Cine distinto, gráfico y muy visual, de corta trascendencia , pero de un poder enigmático y onírico indiscutible que profundiza en la retina del espectador cansado de ver una y otra vez los mismos clichés de género. Aires renovados y talento al servicio de la técnica que contrastan con la necesidad de recurrir a la imagen de Juan José Ballesta como supuesto protagonista cuando no lo es realmente. La eterna confrontación entre la innovación y la aceptación social vuelve aquí a tomar forma en una cinta a reivindicar que, a pesar de sus notorias influencias ("El pequeño salvaje, "Tarzán", "Gorilas en la niebla" o "El libro de la selva" podrían ser claras fuentes de inspiración), adquiere autonomía propia y grita a viva voz la necesidad de un cine alejado de la alienación televisiva a la que se ve abocada la sociedad actual.

Scott Pilgrim contra el mundo: La vida es juego

2010-11-16T01:09:00.002+01:00

Lo reconozco, me reí mucho con "Zombies party", a la que tengo un especial aprecio, y "Arma fatal", aunque por debajo de la mencionada vuelta de tuerca al género zombie, me reconcilió con la comedia, género éste en plena decadencia y flagrante maltrato en el actual panorama cinematográfico. Edward Wright ha demostrado con estas dos últimas propuestas ser un director capaz de extraer de los recovecos más convencionales y trillados puramente de género productos quizás de escaso calado entre el gran público, pero de merecido reconocimiento en circuitos minoritarios, los cuales dicen sentirse plenamente identificados con lo visto en pantalla.

Por ello, "Scott Pilgrim contra el mundo" no podía partir de otra mente que no fuera de la de Wright, verdadero apasionado de la subcultura del cómic y de los videojuegos, ofreciendo una visión muy distorsionada y efectiva a la vez del concepto de comedia romántica juvenil que hemos venido adquiriendo a través de la experiencia cinematográfica. El film se apoya conscientemente en su apartado visual y estético, realizando un simpático y a la par nostálgico guiño a los videojuegos que cautivaron a una generación que ya ronda, si no supera, los treinta años. Por ello, no faltan las inserciones visuales de elementos arquetípicos del ocio de 8 bits, véase vidas extras, subidas de nivel, puntuaciones, barras de energía, que se combinan a la perfección con una ambientación heredera del cómic (no es casualidad asistir a constantes onomatopeyas gráficas, así como al uso de la split screen), logrando una potente y muy espectacular puesta escena, que no sólo realza estéticamente el producto sino que transmite la sonrisa al espectador, contagiado por un ataque de sentimentalismo del que no se puede desprender. A ello hay que añadirle el ritmo que Wright imprime a la película que, aunque acelerado, y especialmente en su primer tramo, responde a la narración propia de las viñetas, seca, directa y cortante, sin que su plasmación en pantalla, a pesar de resultar un tanto abrupta, desbarate el conjunto de la progresión narrativa.

No obstante, amen de la dificultad de poder empatizar con el film de aquellos que no gusten o desconozcan los temas de fondo y forma que plantea "Scott Pilgrim contra el mundo", es evidente que la fórmula, simpática y singular en sus cimientos, adolece de una lógica degradación a medida que avanza el metraje, no pudiendo sostener el interés una vez que la trama se ha deshojado por completo, pasando a ser a partir de su ecuador una briosa sucesión de combates bien coreografiados pero a los que se les evidencia en demasía su carácter autómata y complaciente. Bien es cierto que la labor de síntesis y de traslación de la vasta novela gráfica que sirve de inspiración al film ha sido ardua, pero desgraciadamente el exceso de compresión le ha pasado factura, y muy probablemente ello haya sido el causante de la linealidad y el tono monocorde que adopta su segunda mitad, sin caer en el ridículo, pero con clara sensación de no disponer de un as salvador en la manga.

Con todo, "Scott Pilgrim contra el mundo" es una propuesta alejada de los clichés de género de la comedia adolescente, estructurada y concebida a modo de fases de videojuego y que invita al espectador a un viaje por el universo pop y a disfrutar escuchando un disco de los Ramones y sentándose a los mandos de una olvidada NES. Para los que no compartan estas sanas aficiones, probablemente verán en la película unas altas de dosis de inmadurez e incapacidad social. Y tú, ¿juegas?

Los ojos de Julia: Devuélveme mis dos horas

2010-11-11T19:48:00.000+01:00

De un tiempo a esta parte el cine español de terror se ha sobrepuesto a los clichés de género impuestos por la industria norteamericana, explotadora del psychokiller de público potencialmente teen, para tratar de aportar elementos que, sin ser nada innovadores, al menos sí se desligan de todos los convencionalismos asentados en un género tan maltratado como es el del terror. Guillem Morales destacó hace unos años con una pequeña película, "El habitante incierto" que aprovechaba al máximo la escasez presupuestaria y los recursos técnicos y narrativos para firmar un film de terror psicológico que le hizo acaparar la atención de la crítica, aunque no tanto del público, por lo atrevido de su propuesta. En su segunda película, "Los ojos de Julia", nada queda de aquel prometedor director que, en esta ocasión, lucha contra viento y marea por sacar a flote un proyecto que ni alcanza los mínimos exigibles ni logra evitar en el espectador la sensación de indiferencia, cuando no estupor, ante lo que está visionando.

Podría destacarse las similitudes con la sobrevalorada película de Juan Antonio Bayona, "El orfanato", en lo que a aspectos técnicos y de desarrollo dramático, pero esto quizás responde más a una flagrante treta comercial que no a una cuestión estética. "Los ojos de Julia", financiada en parte por Antena 3 films (dato a tener muy en cuenta), parte de una premisa muy cuestionable, risible y que trata de imprimir premura y brusquedad a una narración que requería reposo y contención. Desgraciadamente, si los cimientos son maleables, la estructura no puede sino tambalearse hasta desplomarse y, en este caso, antes de tiempo. Morales juega con elementos archiconocidos de género, utilizando inclusos recursos claramente hithcockianos, para tratar de jugar al despiste con el espectador, a la búsqueda, aparentemente afanada y sin éxito, de un probable asesino. A pesar de los evidentes abruptos narrativos en su desarrollo, la película resulta medianamente interesante en su primer tercio, pudiendo incluso ser perdonable el hecho de reducir el leit motiv de la cinta a un par de líneas, aunque Morales abuse de los consabidos efectos de sonido, lo que dota al film de escasa efectividad dramática y una abrumadora escasez de ideas. Aún así la dirección resalta por encima del despropósito literario y la película consigue, sin apasionar, avanzar a duras penas.

Lamentablemente la tensa cuerda que sustenta la película finalmente cede y el desplome, premonitorio, sale a relucir en su último tercio, donde el realizador rompe con lo visto hasta el momento, más orientado hacia el terror de cariz psicológico, de escaso recorrido y de bajo nivel, pero perdonable, para decantarse por un estrépito de nula calidad, vergonzante por momentos y que trata de amortizar el personaje de Belén Rueda. Así, "Los ojos de Julia" desemboca en un subproducto de sobremesa empecinado en mostrar a una protagonista acosada por un más que previsible asesino, por muchos giros que quieran dar al texto el guionista y director, sin mayores aportes que el mero "corre que te pillo" estirado hasta la saciedad, que invita a mirar desesperadamente el reloj cuando no a abandonar la sala. Guillem Morales se ha equivocado de pleno con un guión que debía haber rechazado desde sus primeros párrafos, y ni la correcta, sin alardes, labor de dirección, ni la presencia de actores como Lluis Homar o Belen Rueda pueden evitar el naufragio de una película con un alarmante vacío expresivo y unas líneas de diálogo sonrojantes.

El personaje de Julia pierde la vista progresivamente en esta película, el espectador pierde la confianza y su capacidad de aguante físico a medida que avanza esta insufrible película que nunca llega a conseguir las cotas mínimas de credibilidad e interés. El resurgir del cine español de terror ha sufrido un doloroso vuelco con "Los ojos de Julia", ya que desgraciadamente pase a ser seria candidata para engrosar las listas de las peores películas del año, que ya se van preparando ahora que 2010 toca a su fin. Yo seré uno de los que vote por ella.

Paranormal activity 2: Maquillando el resultado

2010-10-29T01:12:00.002+02:00

Paranormal activity quedó grabada en mi memoria como una de las mayores tomaduras de pelo que algunos ingenuos (y caraduras) productores nos quieren hacer pasar como eso que denominan el nuevo cine de terror, esto es, tratar de transmitir miedo (primario) al espectador economizando el máximo de recursos. El resultado no puede ser más que un subproducto estereotipado, cutre e inexpresivo del que no puede sentirse sino compasión a la vez que repugnancia. Una populista campaña de marketing hizo el resto, y misión cumplida, inversión amortizada y subiendo beneficios, eso sí, creatividad y aportación artística, cero patatero.

Como buen sentimiento humano que se precie, si la gallina dá huevos de oro, explotémosla, ha debido pensar el director de la película original, Oren Peli, quien ahora se escuda en las labores de producción, a la espera de que los dólares vayan cayendo en su extendida mano. Paranormal activity 2 hace las veces de precuela y secuela a su vez del primer film, y utiliza los mismos esquemas iniciales que aquélla, olvidándose, por tanto, de una consabida descripción de personajes, de la progresión dramática, y emplea los elementos mínimos para que lo que en su día se escribió en dos caras de papel sea considerado guión. Priman aquí, por tanto, las secuencias de "acción" (si por tal puede considerarse ver cómo se cierran las puertas solas, caen sartenes del techo, se encienden las luces automáticamente o los juguetes cobran vida misteriosamente) en las que presuntamente el director (recordemos, Todd Williams, realizador de la notable "Una mujer difícil") trata afanosamente de aterrorizar al espectador, quien no puede sino mostrar la más absoluta indiferencia ante los hechos narrados. En su defensa debe decirse que los personajes no son risibles como sí lo eran los de la primera parte (y que aquí se reservan un papel secundario), que hay momentos climáticos ciertamente conseguidos, a pesar de su cotidianeidad (¿es necesario que siempre haya cámaras de visión nocturna en todas las películas de terror?), y que contiene un tercio final ligeramente impactante, aunque reincida, una y otra vez, en golpes de efecto y de sonido como única herramienta para lograr el efecto terror, y que dicho fragmento lo hayamos visto mucho mejor resuelto y expuesto en filmes como Poltergeist, rodada hace 28 años.

Que esta segunda parte responde a razones puramente comerciales no sorprende a nadie, y su tercera entrega es más que probable, pero lo que nació como un experimento anticinematográfico, burdo y torpe en su desarrollo, aquí posee atisbos de personalidad, a pesar de sus muchas y fatales carencias y su incisiva pretensión de buscar el anticlima y el susto fácil, y una linealidad creciente e intermitente a partes iguales. Con ello Paranormal activity 2 no se libra de ser una película con evidentes síntomas de deficiencia y agotamiento, pero resulta meritoria su honestidad y sus fugaces momentos de inspiración y aplomo. A ello hay que sumarle el dinamismo, sin perjuicio del montaje rutinario y repetitivo empleado, que aportan las seis cámaras de seguridad fijas que describen con mayor acierto el horror vivido dentro de la casa, en contraposición con la cámara única y mareante que funcionaba en la cinta original como testigo directo de las extrañas presencias.

Con todo, Paranormal activity 2 viene a tratar de pulir los muchísimos errores, de bulto, que contenía su predecesora, pero sin arriesgar demasiado, optando por lo convencional y primario, consiguiendo una pirueta efectiva sólo en determinados momentos pero vacía e inconsistente en muchos otros. Mismo perro con distinto collar.

Copia certificada: Pretenciosidad (in)trascendente

2010-10-27T10:33:00.003+02:00

Abbas Kiarostami es uno de los directores predilectos de los festivales de cine más prestigiosos a nivel mundial, a lo que se ha unido su fama, no buscada, de ser un realizador perseguido en su país de origen por su marcado acento crítico en aspectos sociales y políticos que a la vista del público occidental no escapan de la mera rutina diaria pero que suponen un atentado a la dignidad de la cultura oriental según sus profetas. El autor iraní escapa de su limitado ámbito de rodaje habitual, prácticamente clandestino, para embarcarse en una aventura europea pero que responde a su patrón de entender la cinematografía, como un escaparate crítico de exposición de ideas y de desahogo de unos personajes oprimidos y afectados.

"Copia certificada" no es una película para el gusto del gran público, y ni siquiera encandilará a la crítica más sesuda y exigente, por sus arriesgados postulados formales y su falta de determinación y decisión. El film plantea un juego emocional con el espectador, una disección del estancamiento y la pérdida de la pasión en una pareja a través de continuos contrastes que invitan al espectador a plantear paralelismos temporales y a reflexionar acerca de la caducidad del amor. Este hecho, que no se desvela hasta mediado el metraje, es sin lugar a dudas el mayor logro de la cinta, pues hasta el momento su incapacidad de exponer unos planteamientos rígidos y secuenciales es manifiesta, limitándose a una vacua y poco interesante discusión de aires intelectuales sobre la idoneidad de lo original y el desprecio por la copia, provocando hastío en el espectador y casi incitándole al bostezo y al tedio. No es Kiarostami un autor que se caracterice por imprimir ritmo a sus filmes, y aquí lo vuelve a demostrar. Su obcecación con el descriptivismo que mostrara en películas como "El viento nos llevará " o "El sabor de las cerezas" aquí se torna verborreica, y su capacidad de sintetización del argumento lo condenan a la teatralidad más absoluta (de hecho, la película puede resumirse a tres secuencias), lo que degenera en un film con resultados discretos bajo unos esquemas de cariz filosófico de nulo interés y ciertamente frustrantes.

Kiarostami dirige un barco a la deriva cuyos únicos tripulantes, el tándem protagonista, conformado por Juliette Binoche y William Shimell, emplean todas sus fuerzas para evitar el naufragio. Especialmente destacable resulta la labor de Binoche, que ratifica su extraordinario estado de forma y su capacidad de embaucar a una cámara que se posa como mero testigo de una profunda crisis de pareja, expresando a la perfección su anhelo por tiempos pretéritos y por recuperar la llama que ha venido desgastándose con el cruel paso de los años. No son desdeñables los intentos de Shimell por dar una esforzada réplica, retratando un personaje egocéntrico y frío, pero abusivo en su gestualidad y limitado en sus virtudes actorales, quedando plenamente engullido por su partenaire de reparto.

Con todo, "Copia certificada" es otra difícil y personalísima propuesta de autor por parte de Abbas Kiarostami que yerra en su estructuración de la acción, en su bifurcación expositiva, y que ofrece momentos de sublime interpretación actoral, pero al servicio de un poco reconfortante discurso y una confusión narrativa que no logra la empatía del espectador ni su condescencia.

La red social: Haciendo amigos

2010-10-20T12:12:00.000+02:00

Una de las películas que más expectación había generado y sobre la que se cernía la sombra de la duda y la incredibilidad es "La red social", última propuesta de David Fincher que acerca al espectador, versado o no en el ámbito informático, el surgimiento de una de las herramientas de comunicación global revolucionarias del nuevo milenio, a la altura de la radio, el teléfono o la televisión, y que ha conseguido un nivel de propagación inaudita en tiempo record. Al fin y al cabo, ¿quién no ha oído hablar a día de hoy de Facebook?

El resultado es una película que sabe jugar con mano maestra sus cartas, aprovechando la escasez de planteamiento inicial y las limitaciones argumentales de las que adolece mediante un estudiado y milimetrado guión, obra del reputado guionista Aaron Sorkin, que imprime interés y, lo que es mejor, pasión a lo que puede en un principio concebirse como una riña entre niños de papá y que desemboca en una encarnizada confrontación litigiosa. Fincher se reivindica de nuevo como sabio de la narración, como ya hiciera en su injustamente olvidada Zodiac, y capta la atención del espectador durante las aproximadamente dos horas de metraje del film, utilizando para ello una delicada y embaucadora dirección de las que uno se siente reconfortado ante el panorama cinematográfico actual, orientado a la anarquía narrativa y al ahorro de medios. Fincher sumerge al espectador en una amalgama de vocablos técnicos e informáticos que quizás puedan descolocarle en los prolegómenos del film, aunque con ello destile una pericia extraordinaria en el perfilado de personajes y un acercamiento a la psique del protagonista, verdadero motor del film.

"La red social" parte de un axioma predeterminado, limitado y sencillo, pero eficiente y magníficamente desarrollado, mostrando la cara oculta y poco amable de una patente rentable, pero una bomba de relojería por su facilidad de despertar los instintos más primarios del ser humano. Es aquí donde la cinta muestra sus mayores virtudes, y la eterna paradoja de cómo una herramienta que acerca personas y fomenta la amistad logra la desunión y la controversia entre sus artífices, gracias no sólo a la solidez del guión sino a la eficiente labor actoral, especialmente de Jesse Eisenberg, quien caracteriza un Mark Zuckerberg tan brillante por su coeficiente intelectual como frío, egoísta y autómata en sus relaciones personales. Amistad podrida por la ambición y el dinero es, en resumidas cuentas, el mensaje que sobrevuela a medida que progresa el metraje.

Tras haber visto recientemente "Wall Street: El dinero nunca duerme" no puedo resistir a realizar una comparativa entre ambos filmes, y es que el de Fincher bebe de las influencias Stonianas y ofrece un manual de bolsillo de cómo prosperar en el arduo mundo de los negocios, a toda costa y por encima de todo ser que pueda considerarse competencia, o no. "La red social" ya se perfila como candidata a arañar algún Oscar, y lo cierto es que motivos, especialmente en aspectos de guión, no le faltan, aunque es de justicia aseverar que no estamos ante una película de especial entidad, aunque sí posee la virtud, algo inusual en los tiempos que corren, de una fluida y ligera narración, que no es poco.

Amador: Un más allá muy cercano

2010-10-08T11:41:00.001+02:00

Han tenido que pasar cinco años para poder asistir al nuevo proyecto del director español social por excelencia, Fernando León de Aranoa, quien siempre se sitúa, y junto a él su cámara, al lado de los sectores de la población más desfavorecidos, cuando no profundamente marginales. Tras su obra más irregular en su prometedora carrera, "Princesas", el realizador madrileño, ajeno a toda corriente comercial, vuelve a poner el corazón en un puño al espectador con "Amador", que bifurca su planteamiento discursivo entre la dificultad laboral de los inmigrantes y el abandono del que son objeto los ancianos por parte de sus familiares, dos temas aparentemente inconexos pero que en "Amador" se interrelacionan con acierto, brío y sobrada entereza.

León de Aranoa vuelve por sus fueros, de los que nunca ha escapado, introduciendo al espectador en contextos miserables, de real supervivencia económica, de futuros poco halagüeños y de existencias vacías. Frente a este escenario desolador, desde el que Aranoa hace uso para hacer gala de su exposición más política y reivindicativa, va tejiendo una historia a dos bandas de personajes abandonados, solos a pesar de estar físicamente acompañados, y que constituye el eje central del film. Con un guión inicialmente poco prometedor y un tanto convencional, "Amador" consigue embaucar al espectador con una progresión creciente en su linealidad narrativa, generando una inconsciente empatía y una solidaridad, aunque inmoral, con la protagonista, que hace que se le reste importancia a la aparente ingenuidad o la falta de verosimilitud de determinados cabos del guión. "Amador" se configura como una película sobre la desolación, sobre cómo el amor puede traspasar las fronteras de lo puramente vital, empleando para ello un ritmo pausado, contemplativo, que extrae las virtudes del elenco actoral, y que incluso aporta ciertos tintes de suspense realmente conseguidos. Es imposible no conseguir identificarse con el espíritu vitalista y luchador de Marcela, condenada a una situación opuesta a sus principios morales, pero obligada a sufrirla para su subsistencia diaria y la de su futuro hijo, verdadera demostración de amor.

"Amador" alcanza su mayor éxito gracias a un guión sobresaliente en cuanto a perfilado de personajes, exposición de plantamientos y mensajes de fondo, y en su extraordinaria combinación de drama con la comedia negra. Así, y con el fin de no castigar especialmente al espectador, Aranoa introduce tiempos muertos, de relax, y que son agradecidos, donde los personajes debaten, con la realidad social de fondo, cómica y triste a la vez, sobre la moralidad y la ética de sus acciones (es aquí donde debe citarse la soberbia interpretación de Fanny de Castro, un oasis entre tanta aridez y desasogiego provocado por la situación límite de la protagonista). Con todo, sin ser una película redonda, sería un despropósito y una inmoralidad negar a "Amador" sus aciertos respecto a su valentía narrativa, su desarrollo minimalista, sus claras pretensiones reivindicativas y su explícito mensaje de dolor y angustía contenidas.

Buried (Enterrado): Cuando la agonía se convierte en (in)moralidad

2010-10-07T13:12:00.000+02:00

De un tiempo a esta parte la industria del cine ha venido ideando una serie de propuestas innovadoras, a la par que discutibles, que comulgan con la rentable idea de mostrar sensaciones humanas en primer plano, casi siempre agónicas, con un envoltorio formal austero, precario y conscientemente realista, por molesto que pueda esto resultar. Así, han surgido ejemplos como "El proyecto de la bruja de Blair" o "Paranormal activity" que han rehuído de los cánones tradicionales de rodaje, dramatización y montaje, para optar por una exposición en primer plano del terror a costa de una factura limitada e incluso nula. Partiendo de estas dos (fallidas) premisas, Rodrigo Cortés creyó firmemente en un proyecto imposible de filmar para muchos realizadores, y abordó una aparante utopía mediante la que debía convencer al público que sostener una película con un sólo actor, con una unidad de tiempo y lugar, era posible. Pocos lo creyeron, pero el resultado le ha dado la razón.

"Buried (Enterrado)" traspasa las fronteras de lo cotidiano, arriesga hasta el extremo y subvierte los principios formales y narrativas de todo género cinematográfico, haciéndose excesivamente complicado clasificar al film en uno de ellos, a pesar de sus evidentes elementos de terror. Ante la escasez de opciones por parte del realizador a la hora de afrontar la composición y planificación de su película, Cortés se apoya en un guión sólido que pasa de ser la gran duda para sustentar la edificación a convertirse en el verdadero motor propulsor del devenir narrativo. Gracias a él el espectador asiste a una progresiva tortura psicológica que llega en ocasiones a poner al límite su capacidad de aguante, por lo claustrofóbico y agónico de su desarrollo, a la vez que se le plantea un discurso de carácter moral que sin duda es lo mejor del film, merced a las conversaciones telefónicas a dos bandas que el protagonista mantiene y que actúan como un puñetazo a lo más profundo del ser humano, a su cobardía, a su falsa solidaridad, al sálvese quien pueda y en el peor de los casos, a extraer beneficio propio ante el sufrimiento ajeno. Todas estas ideas de corte reflexivo y personal que planean sobre la película se unen a la explícita sobre la crueldad de la guerra (en general) y la búsqueda de un por qué a la misma.

Quizás algunos sólo vean 90 minutos de sufrimiento humano, un vano ejercicio de estilo con pocos recursos cinematográficos, algo con lo que comulgaría en caso de quedarse el film en la mera superficie, en el puro estilismo formal, pero afortunadamente "Buried (Enterrado)" sólo y sabiamente aprovecha el plantemiento como contexto a un relato de supervivencia, no sólo por escapar de la caja que oprime y asfixia al protagonista, sino por encontrar su verdadero enemigo, aquel que está fuera de esa caja. Rodrigo Cortés ha confirmado su valía y talento como realizador, además de exponer sus firmes creencias en aquello que aparentemente todos dan por muerto, como al protagonista de su película.

Machete: Vidas macarras

2010-09-30T11:45:00.003+02:00

Que nadie se lleve a engaño. Robert Rodriguez no es un gran director de cine, no se le conoce película alguna de provechosa trascendencia emocional, reflexiva o intelectual. Rodriguez es la vena más salvaje y desprejuiciada de Tarantino, un privilegiado que rueda el tipo de películas que él adora y profesa una extrema devoción, sentimiento que es compartido por gran parte del público, ávido de recibir elementos primarios en el ser humano, esto es, violencia y sexo.

La anterior propuesta de Rodriguez, Planet terror, desconcertó a unos y encandiló a otros, ya que exhibía un nostálgico desfile de casquería de aparente bajo presupuesto con el que era difícil no comulgar y compartir una cercana simpatía o, al menos, esbozar una sonrisa por lo absurdo y exagerado de su apuesta. Si la gallina sigue dando huevos de oro, era lógica su explotación, y así parece resurgir un género, el del Grindhouse, que hoy destaca más por sus planteamientos cómicos que por su calidad global. Nada parece tomarse en serio en "Machete", desde su puesta en escena, pasando por el efecto de película desgastada, las interpretaciones sobreactuadas de los personajes, sus personajes planos y carentes de carisma alguno, (especialmente los femeninos, meros objetos de deseo) su guión plagado de convencionalismos y falta de chispa y del que no difiere en absoluto de las infames obras protagonizadas por Chuck Norris, aunque con tendencia ideológica y política totalmente opuestas. "Machete" no es más que una sucesión de set pieces de acción, en la que sorprende el humor negro y la ocurrencia compositiva de las primeras, entre las que se intercalan secuencias de diálogo anodino, y que no consigue evitar su autoagotamiento, una desquiciante capacidad de magnetismo y un prolongado declive a partir del ecuador de su metraje, desembocando en un final risible y falto de todo rigor y epicidad. Ni siquiera las ínfulas del spaghetti western, las artes marciales y el espíritu televisivo consiguen hacer levantar cabeza a un producto que, a pesar de su descaro y de su pretendida simpatía por su intencionada defectuosidad, asiste a un desgaste progresivo que hace del chiste una broma de mal gusto.

"Machete" supone un divertimento de puertas para adentro, una broma interna para deleite de viejas glorias, almas en pena y amigos íntimos de Rodríguez, donde la hipérbole, la chulería y el cachondeo suplen al guión tradicional. Incluso el aire crítico que respira el film, con el trágico tema del surgimiento de un brote xenófobo en EE.UU. por la inmigración ilegal y las propuestas de leyes contra el éxodo mejicano quedan en un segundo plano ante la pericia del protagonista en su mayor arte, el del desmembramiento y la aniquilación. Lo cutre y la caspa están de moda, tras "Los mercenarios", llega este "Machete" dispuesto, según las palabras del mismo personaje que interpreta, a "sacar la basura". Quizás debería empezar por su casa.

Carancho: Reparto de migajas

2010-09-30T10:52:00.001+02:00

Hasta la fecha, el realizador argentino Pablo Trapero se ha caracterizado por destilar un cine cargado de crítica y denuncia social, así como un descriptivismo mordaz de los más bajos instintos de la condición humana. "El bonaerense" o "Leonera" dieron buena cuenta del talento de un director que ha sabido conectar con el espectador por un lado mediante la agilidad del ritmo impreso en su obra y, por otro, demostrar sus capacidades expositivas y su valía en aspectos puramente técnicos.

"Carancho" supone otra hendidura en la llaga de la crueldad humana, del provecho económico gracias al sufrimiento ajeno, una inmersión a un submundo plagado de aves de rapiña dispuestos a sacar rédito de la desesperación y el abatimiento humanos. Trapero denuncia, con extraordinaria y milimétrica dedicación, un complejo y vergonzante entramado donde individuos con pocos escrúpulos actúan al margen de la legalidad y de sentido racional y moral alguno, mediante un discurso fluido aunque no siempre provisto del suficiente interés. Así, "Carancho" sube enteros cuando se enfrenta a esa bajeza moral y a profundizar sobre el tema de fondo, la trama que se cierne sobre el rentable negocio de los accidentes de tráfico, pero se deshincha en algunas bifurcaciones narrativas, pecando de previsibilidad y recursos tópicos en ese ambiente malsano que rodea este thriller. Afortunadamente, estos pequeños defectos son solventados gracias a una natural y convicente labor actoral, especialmente el tándem protagonista, quienes no sólo portan el peso del devenir fílmico, sino que se muestran como personajes heridos y sufridos en situaciones límite.

Técnicamente Trapero ha evolucionado respecto a su pasado, y así no sólo usa y abusa de su tradicional oscuridad fotográfica, de aire explícito, sino que flirtea con el plano secuencia, un tanto primario, mostrando verosimilitud y agilidad a momentos puntuales del metraje, lo cual no es síntoma sino de compromiso y responsabilidad por parte de un director con bases muy asentadas y una finalidad prediseñada. Pocos peros se pueden reprochar a una película que, sin ser de gran altura, se antoja sincera, contestataria y muy cuidada, a pesar de su exterior sordidez y su decaimiento intermitente.

El gran Vázquez: Simpatía y desvergüenza

2010-09-24T12:14:00.001+02:00

La irrupción del mundo del tebeo y del cómic en los cines no siempre, mejor dicho, pocas veces ha sido productora de gratos resultados. Mortadelo y Filemón trataron, con mayor pena que gloria, trasladar sus peripecias aventureras a un celuloide que evidenció la abismal diferencia entre el papel y el cine. Por ello, el acierto principal de El gran Vázquez es haber empleado este universo de la tinta y el papel únicamente como instrumento vehicular del retrato de un personaje digno del mejor de las tiras cómicas.

Santiago Segura encarna a un Manuel Vázquez despreciable como persona y genial como artista, interpretando con solvencia los pasajes cómicos, aunque evidenciando sus carencias actorales en las secuencias donde el dramatismo copa protagonismo, defectos que se ven sabiamente ocultados con el sensacional apoyo de lujo de los secundarios, destacando a Alex Angulo, Enrique Villén y Manuel Solo. El film destila encanto y simpatía a raudales, máxime con la estupenda recreación de la Barcelona del 64 donde realidad y ficción cómica van de la mano, gracias a un humor blanco, inocente y socarrón, que incita a la carcajada merced al esperpento y la desvergüenza destiladas por el protagonista. A pesar de su soltura, la película muestra síntomas de excesivo perfilado del personaje central (toda ella es una descripción del genial dibujante), y desprende un cierto estancamiento narrativo especialmente en el último tercio de metraje, aunque estos fugaces baches son inmediatamente superados y olvidados por una genialidad cómica.

La carencia de moralidad alguna y de valores de Vázquez, a pesar de aferrarse a unos principios más que discutibles, es sin duda el punto álgido y eje central del film, donde radica el peso del mismo y en torno a él giran las distintas ramificaciones narrativas que, con mayor o menor acierto, van surgiendo sobre la marcha. Esta disgregación nos permite conocer personajes ilustres como Francisco Ibáñez, descubrir episodios reales aunque aparentemente inverosímiles del dibujante, y, por encima de todo, admirar su obra y dedicación a sus personajes de ficción. Oscar Aibar demuestra su sabiduría del particular universo del cómic (no en vano comenzó viviendo de él) y firma su mejor película hasta la fecha, que no sólo engrandece su expediente personal sino que revitaliza, aunque sea brevemente, una carrera la de la cinematografía española no precisamente boyante ni la de que presumir.

Sin ser una comedia de altura, El gran Vázquez hace digno honor, mediante su espíritu anárquico y desenfrenado, a los tebeos a los que todos nos hemos asomado en algún momento de nuestra vida y que debemos mostrar a generaciones presentes y futuras. Vázquez así lo habría querido (siempre que hubiese remuneración a cambio, claro).

El americano: Sangre fría

2010-09-22T10:26:00.002+02:00

No estamos ante la primera , y muy probablemente tampoco la última, vez que la promoción y los adelantos de los largometrajes en forma de trailers provocan una concepción y unas expectativas muy desorientadas y totalmente desvirtuadas del acabado producto final. "El americano" ha sido un claro ejemplo de una manipulación en forma de montaje que ha acarreado que muchos espectadores, tras el visionado de la película, se hayan sentido altamente defraudados. Y es que hay que dejarlo claro, "El americano" no responde a los convencionalismos del thriller norteamericano, más versado en aspectos rítmicos y de acción que de perfilado psicológico y profundización introspectiva de personajes, lo que ha generado cierta sensación de desazón e incluso repulsa a un film notable, de buenas hechuras fílmicas, pero carente de personalidad propia y capacidad independiente de progresión narrativa.

Clooney siempre se ha caracterizado por simultanear en su vida profesional de forma muy inteligente su faceta de galán hollywoodiense con un meticuloso sentido de la selección de sus papeles, a veces incluso arriesgado. "El americano" supone un reto más en su dilatada carrera, cargando con el peso de la película y acaparando toda la responsabilidad, hazaña de la que sale airoso, interpretando un personaje solitario, gélido en su interior, pero profundamente dolido y deseoso de afecto humano (femenino). Su realizador, Anton Corbijn, se aleja de los esquemas del cine norteamericano y destila un inspirado estilo europeísta a la mayor gloria de Robert Bresson, adoptando una cadencia rítmica pausada, reposada, de la que resulta una película contemplativa, distanciada y muy cuidada en aspectos formales, encarando cada plano como una diapositiva pictórica para deguste del espectador. Sin duda éste es el mayor acierto del film, amen de la introducción de bellas metáforas, como la de la mariposa que personifica al protagonista, y que engrandece la labor del director como creador. No puede decirse lo mismo de su guión, piedra angular de todo film, y que en este caso evidencia sus carencias, su flagrante vacío expositivo, y lo que es peor, sus notorios signos de incapacidad de progresión y desarrollo, que la convierten en una película con acusados síntomas de hieratismo funcional crítico y nula capacidad magnética y empática con el espectador, aunque de ello, afortunadamente, no se derive el tedio.

El resultado es un trabajo magistralmente realizado a nivel técnico, pero carente de una propuesta sólida y de suficiente atractivo para el espectador medio, y que, combinado con sus defectos en el desarrollo fílmico, hacen de "El americano" un producto elegante, distinguido, muy alejado de los convencionalismos del thriller made in USA, pero que requiere de una mayor profusión y dedicación en su aspecto puramente literario y narrativo.

El cine francés se queda huérfano sin Chabrol

2010-09-16T23:53:00.001+02:00

El fallecimiento del que fue apodado como "el Hitchcock francés" ha causado una gran conmoción en el pais vecino, ferviente devorador de su propia cinematografía. No soy amante de repasar la vida y obra de aquellas personas que ya nos han dejado, para eso están los libros de cine y las biografías autorizadas, por lo que tan sólo apuntaré lo más importante de un muy productivo realizador que, a pesar de su irregularidad, consiguió meterse al público y a la crítica en el bolsillo gracias a su inspiración creativa y a su buen hacer, y eso es su trabajo, su cine.

Chabrol elevó a los altares a la grandísima actriz que hoy es Isabelle Huppert, pero también contó con otras intervenciones de peso como las de Jean Louis Trintignant, Jean Paul Belmondo, Anthony Perkins y Jodie Foster, en una filmografía muy variada en cuanto a concepción y género. Bien es cierto que no siempre ha sido brillante, pero, sin haber abarcado toda su obra, puedo decir que no he conocido film alguno firmado por el cineasta galo que no reúna los mínimos exigibles de calidad. Cine de personajes, de actores en estado puro, de situaciones, conflictos y enfrentamientos, de inspiración teatral y de muchos, muchos quilates. Gracias por el chocolate, y por tu cine, maestro.

Todo lo que tú quieras: Lecciones de paternidad

2010-09-13T13:12:00.003+02:00

Achero Mañas se caracteriza por ser un director joven, prometedor, y que si cuenta con una corta filmografía no es, desde luego, por falta de dedicación o inspiración creativa, sino porque, como bien él mismo ha manifestado, necesita situarse tras la cámara cuando realmente está preparado y cuando dispone de algo que contar con el suficiente interés y atractivo. Tras la deslumbrante "El bola" y la incomprendida "Noviembre", el director madrileño vuelve a indagar en las interioridades humanas, hurgando en las fisuras de las relaciones sociales y personales, a través de ricas metáforas precisas en su planteamiento, aunque no tanto en su ejecución y desarrollo.

"Todo lo que tú quieras" deja en manos de Juan Diego Botto una responsabilidad que pesa como una losa, y esta es la de interpretar un doble rol, el de padre y el de madre, mediante un burdo acto de transformismo, con el único fin de tratar el shock psicológico que su hija pudiese sufrir tras haber sido testigo de la pérdida de su madre. Afortunadamente, las tablas del actor hispano-argentino salen a relucir y es él quien dirige magistralmente la acción de la película, un tanto arrítmica y falta de contenido en algunos momentos, pero siempre interesante y complaciente. Mañas trata de eludir con acierto la lágrima fácil, el exceso de dramatismo y la búsqueda del espectador, componiendo un relato sensible y emotivo a la par que crítico con la hipocresía social y los innatos prejuicios de la especie humana. Realidad y transformación se dan la mano en un texto que, si bien adolece de cierta falta de pulso, de un hieratismo intermitente y una ingenuidad incluso infantil, deja claro sus postulados y su mensaje catalizador.

Sí se esperaba algo más de esmero en el aspecto técnico, pues el realizador madrileño abusa demasiado del formato televisivo, especialmente en la primera fase del metraje, resultando un montaje un tanto automático, y al que no ayuda la apagada fotografía, grisácea y de tonos oscuros, a la que cuesta acostumbrarse. Sorprende, por otro lado, aunque sin demasiados alardes, la partitura de Leiva, componente del grupo pop Pereza, especialmente en un par de temas donde subraya con precisión la emotividad latente que desprenden las imágenes.

Achero Mañas ha demostrado, y lo sigue haciendo, ser un director digno de elogio, por sus propuestas distantes de la corriente arquetípica en el cine español, y en "Todo lo que tú quieras" vuelve a ponerse el disfraz de realizador contador de historias cotidianas, familiares, profundas, sinceras y sentidas. Películas con mucho corazón, esfuerzo y sentimiento, irregulares, sí, imperfectas, también, pero humanas.

Conocerás al hombre de tus sueños: Mero trámite

2010-09-08T10:25:00.005+02:00

A estas alturas, considero que Woody Allen ha demostrado con creces que su forma de encarar y ejecutar sus proyectos dista mucho de aquella que le otorgó fama, reconocimiento y, ante todo, respeto entre la masa cinéfila. La sobrecarga de trabajo a la que voluntariamente se somete el autor neoyorquino, consistente en escribir, sin descanso alguno, una película por año, acarrea las lógicas consecuencias de una irregularidad que, por momentos ha devenido en síntomas críticos y fatales de falta de identidad e inspiración, a la vez que ha devuelto fugaces amagos de recuperación del mejor Allen. El director ha visto en Europa un refugio donde es acogido con mimo y adoración, y así ha conseguidoi(fácilmente) rodearse de productores ejecutivos del viejo continente (uno de ellos el mismísimo Jaume Roures) quienes le conceden plena libertad creativa de un modo casi podríamos decir que servilista, algo que el espectador, seguidor de la filmografía de Allen, agradece.

La propuesta anual que nos ofrece Woody Allen ahonda en el retrato que magistralmente éste hace de las relaciones de pareja, de las crisis matrimoniales, del desgaste rutinario, de la falta de apasionamiento, de la necesidad del cariño y la complicidad humanas, y de valorar las cosas sólo cuando las hemos perdido. "Conocerás al hombre de tus sueños" juega con la comedia, pero sólo en momentos puntuales, flirtea con la socarronería y la acidez innatas de Allen, apostando por un contexto dramático de unas vidas erosionadas y con escasas expectativas futuras. No faltan los dardos críticos que en esta ocasión impactan en la figura del hombre, un ser en estado de evolución, guiado por puros sentimientos sexuales y del que mismo Allen se muestra avergonzado.

El realizador vuelve a demostrar su pericia a la hora de dirigir actores y situaciones, afrontando una historia coral, dispersa en sus ramificaciones individuales pero que bebe de una fuente común. alcanzando cotas máximas de consecución y savoir faire el relato central protagonizado por Naomi Watts y Josh Brolin. En cierto modo se le puede achacar una cierta falta de encaje y cierre de las historias particulares, dejando en el aire y al arbitrio del espectador su resolución, pero probablemente ni Woody Allen ni nadie supiese resolver estas cuestiones vitales. Allen supera airoso su examen anual con una película que no evoca en absoluto, ni tampoco lo pretende, a su pletórica etapa pretérita, pero invita a la reflexión y apunta elementos de interés dentro de la triste cotidianeidad sin perder un ápice de su personalidad.

31 de agosto: El día de los no muertos

2010-08-31T12:38:00.000+02:00

Capcom ha sabido calmar los ánimos de aquellos jugones que ansian poner las zarpas encima de un título esperado por todo amante del género zombie. Y es que, cuando aún quedan tres semanas para el lanzamiento oficial de la secuela de uno de los juegos de zombies más laureados de la nueva generación, Dead rising, la compañía nipona pone a disposición de los usuarios de Xbox 360 un prólogo que enlaza las historias de ambos títulos y sirve para entretener a la multitud ansiosa. Dead rising 2: case zero, que ese es su nombre, aparece hoy en Xbox live a un precio módico de 400 MP (unos 5 euros) y ofrece aproximadamente cinco horas de desparrame zombie, con todo lo que ello conlleva, sangre, vísceras y un humor negro descacharrante que hará las delicias de los amantes del género.

La mecánica es exactamente igual a la de su predecesor, esto es, tratar de sobrevivir a una invasión zombie con el añadido de estar supeditado al paso del tiempo, y es que la hija del protagonista, Chuck Greene, está infectada, por lo que éste deberá buscar Zombrex, la medicina que paraliza los efectos de la mutación, y administrársela cada cierto tiempo. Aumenta así la sensación de agobio en un juego cuya jugabilidad se verá potenciada con el modo cooperativo que podremos disfrutar en el juego definitivo. Respiren hondo, alcen sus bates de béisbol, abran la puerta y.... ¡¡a por ellos!!

Mafia II: Discípulos de Capone

2010-08-26T12:17:00.000+02:00

Tan sólo queda un día para que se pueda adquirir en las tiendas uno de los juegos más esperados y con mayor dedicación y desarrollo, habiendo conseguido animar los flojos meses de julio y agosto en lo que a cuestión de lanzamientos videojueguiles se refiere. Mafia II, desarrollado por 2K Games, se presenta como la secuela de un título que pasó desapercibido en formato consola y que lo elevó a obra de culto entre los usuarios de PC. Han sido varios años de duro trabajo, de mucha expectación y por fin podemos degustarlo tanto en versiones de consola de sobremesa como en PC, siendo ésta, lógicamente, la que mayor potencial gráfico ofrece.

Mafia II ha generado opiniones muy dispares dentro de los medios de comunicación especializados, desde aquellos que lo tildan de obra maestra a aquellos que critican su linealidad y falta de libertad. La sombra de GTA es alargada y siempre planea sobre cualquier juego donde la libertad parece ser el buque insignia. El título de 2K Games apuesta más por un sólido e inmersivo guión, ofreciendo al jugador encarnarse en un matón de poca monta que poco a poco se va haciendo respetar por el despliegue de su particular sentido de la justicia. Para aquellos que gustan del cine negro de corte clásico, esta puede ser una magnífica opción para combatir el sofocante calor veraniego.

Zombis nazis: Pura, y simplemente, nostalgia

2010-08-13T10:09:00.000+02:00

A nadie se le escapa que las películas con intervencionismo zombi han pasado a configurar un género autóctono, enfocado a un específico público y en el que aportar elementos innovadores se ha convertido en tarea olvidada. "Zombis nazis" (horrible traducción del original Dead snow) no es más que un fanático divertimento con ciertos guiños nostálgicos y mitómanos a aquellos emblemas del género que vieron crecer a su joven realizador. Así, referentes del género slasher y ejemplos concretos como "Posesión infernal", "La noche de los muertos vivientes" o "Braindead" campean a sus anchas por una cinta desvergonzada que no debe tomarse en serio porque ni siquiera sus artífices hacen lo propio. Mejorable en su primera parte, donde salen a relucir todos y cada uno de los clichés del género, "Zombis nazis" alcanza su apogeo climático en su segunda mitad, donde abandona su conducta cohibida y da rienda suelta a un gore inofensivo y cómico, y en el que los despieces, amputaciones, desmembramientos y casquería variada son los absolutos protagonistas, mostrando un terror a plena luz del día (perdiendo, en gran parte, el efecto terror y apostando por el tono humorístico y exagerado). Cabe apuntar que el director no se ha tomado mayor preocupación a nivel argumental que vincular a los enemigos de su película en un contexto histórico, respondiendo el resto de su obra a los trillados y convencionales elementos de género, algo que, por otro lado, tampoco requería mayor dedicación. Aún así, con sus defectos técnicos y narrativos, especialmente en su arranque, "Zombis nazis" es un eficaz, aunque fugaz, entretenimiento para un espectador asediado por una cartelera plagada de blockbusters anodinos y prescindibles.

Origen: Encajando el puzzle

2010-08-13T10:07:00.000+02:00

Christopher Nolan es, hoy por hoy, uno de los realizadores con mayor proyección y más interesantes del panorama cinematográfico hollywoodiense. Su fino sentido del ensamblaje entre la disección, casi enfermiza, de la psicología humana, y una concepción formal digna de una superproducción ha logrado aunar los aplausos de dos sectores tan aparentemente enfrentados como crítica y público. "Origen" es un delicioso manjar preparado a fuego lento y siguiendo a rajatabla una elaborada receta, donde nada tiende a la improvisación, provocando en el espectador una pausada y agradable digestión que, a la vez que lo sumerge en un mundo fascinante, lo somete a un estricto interrogatorio metafísico y existencial. Y es que "Origen" merece un segundo, un tercer y un cuarto visionado, dada su inabarcabilidad en su primera toma de contacto. Nolan tiene el don para atrapar al espectador con un discurso no apto para todas las mentes, dotándolo de un envoltorio trepidante y espectacular, pero necesario a la vez, sin que el handicap de la película resulte ser su metraje. Thriller, ciencia ficción y drama se dan la mano en un film que deja exhausto al espectador en su primer visionado, pero le genera adicción para retornar a ese laberinto críptico y cuasi indescifrable que sólo puede haber sido obra de una mente lúcida y despierta. "Origen" pasará, con el paso de los años, a ser una obra de culto de un cineasta que ha optado por tomar el rumbo contrario en el adormilado y acomodado Hollywood.

Hay un amigo en mí, y unos genios en Pixar

2010-07-27T12:39:00.000+02:00

Excepcional colofón a una saga que ha sabido conjugar magistralmente la vivacidad, la exhibición animada y la rítmica con mensajes de trascendencia vital y existencialista sin caer en tendencias discursivas ni moralistas. Al contrario que la antaño exitosa y sorprendente franquicia de Dreamworks, Shrek, Toy Story sí logra hacer funcionar el engranaje que otorga sentido global a la trilogía, alcanzando una interdependencia de cada uno de sus episodios que evita la tentación de situar uno por encima de otro. Disney Pixar ha vuelto a dar vida a unos seres inanimados y los ha personificado extraordinariamente bien, tanto en su vertiente más emotiva y tierna como en su faceta más cruel y despiadada. El logro, sin duda alguna, recae en los guionistas, sin desmerecer el magnífico trabajo de los animadores (aunque bien es cierto que ya no existe ese factor sorpresa de antaño), ya que han sido ellos los artífices de un relato que, por un lado transmite candidez y un mensaje que abre los ojos al espectador sobre el inexorable paso del tiempo, mientras que por otro hila una intrépida aventura que incluso flirtea con elementos de terror y que transcurre por sitios tan cotidianos y urbanitas como una guardería o un vertedero (verdadero puntó climático del film). Toy Story es puro espíritu Pixar, fiel a sus planteamientos, lo que se traduce en un film creciente, que consigue emocionar al espectador, arrancarle una sonrisa y devolverle a su niñez, a la par que se jacta de caricaturizar ciertos personajes y meterse en el bolsillo al público adulto, quien disfruta del contenido mientras sus vástagos lo hacen de las atractivas formas.

Volviendo a la calle del Olmo... ¿alguien lo pidió?

2010-07-27T12:30:00.000+02:00

Consecuente con la modernista tendencia de revisar y actualizar filmes del género de terror (cada vez más recientes, por otro lado), con el único fin de acercarlo al público adolescente menos exigente y extremadamente conformista, revive en la gran pantalla uno de los psycho killers que más noches de insomnio ha causado en la juventud ochentera, Freddy Krueger. Samuel Bayer, novato en el largo, se muestra cauto ante un producto que ya aterriza desgastado y reutilizado, adoptando una postura meramente ocular y sin extremar demasiados riesgos, lo que denota una fidelidad respetuosa con la película original que provoca el primer alivio en el espectador, que ha asistido a una degradación imposible de una saga que comenzó erigiéndose como innovadora y concluyó rescatada del lodo más pestilente. Aún así, la nueva entrega de Pesadilla en Elm Street trata de revitalizar un film que, aunque serio y honesto, le es achacable un evidente envejecimiento prematuro, lográndolo sólo en sus aspectos formales y tangenciales y, desgraciadamente, tirando por tierra el mayor logro del film de Wes Craven, dotar de carisma, a pesar de su frialdad y crueldad, al personaje de Krueger, que aquí desfila por la pantalla sin alma ni atracción ninguna. Bayer recoge el discurso original, calca muchas de las secuencias de la película de 1984 y se limita al mero reciclaje, a la introducción de elementos más sanguinolentos y a la realizacion semiautomática, sin aportar un ápice de novedad ni elaboración, apoyando en exceso su sentido del terror en el golpe de efecto y en el susto sonoro, técnica común en la actualidad y que denota flagrantes carencias narrativas y expresivas. "El origen" al que alude el título de la película no resulta ser más que una aclaratoria e infantil explicación, con tintes morales que resuenan a justificación marcadamente reaccionaria, del surgimiento icónico de Fred Krueger, lo que sirve en bandeja a su director a ofrecer un breve prólogo y una secuencia aislada, narrada en la saga original, y plasmada en pantalla en esta nueva adaptación. Se reduce con ello a la mínima expresión la labor reflexiva del espectador, a quien se le ofrece un plato precocinado y recalentado, listo para comer. Cuestión de los tiempos que corren.

La imagen del día, del año, de mi vida

2010-07-12T10:28:00.000+02:00

Se hizo de rogar pero por fin llegó. Hoy es de esos pocos días en los que comienzas la jornada laboral con una sonrisa y una alegría interior contagiosa. ¡¡Felicidades, Campeones!!

Disfrutando del buen western

2010-06-09T12:52:00.001+02:00

Mucho se lo han trabajado los amigos de Rockstar Games para tratar de ambientar con la mayor fidelidad posible el atractivo mundo del western en esta su nueva joya en forma de videojuego, Red dead redemption. Si lo simplificásemos demasiado, podría decirse que es una traslación del ambiente urbanita y de bajos fondos que ya vimos en GTA IV al lejano Oeste, pero, como digo, sería simplificar en exceso las cosas. Rockstar ha logrado (de nuevo) atrapar a la perfección la perfección de un ambiente, de una forma de vivir, y plasmarlo en una experiencia jugable donde ninguna partida es igual a la anterior, y donde nuestro comportamiento variará, y mucho, el desarrollo de la historia. Horas y horas de diversión en una impresionante e inmersiva aventura que se complementa, para los más jugones, con un sistema multijugador que evita que esta maravilla técnica tenga fecha de caducidad.

Habemus nuevo Iphone

2010-06-08T00:40:00.001+02:00

Apple no para, y teniendo en cuenta que ninguno de sus productos es precisamente barato, está claro que el público objetivo de esta compañía no es la gran masa social (aunque bien es cierto que sus artículos baten récords de reservas y se agotan pocos días después de su lanzamiento, véase el caso del reciente Ipad). Pues bien, a pesar de no contar ni un año desde que vimos la versión renovada del Iphone original, denominado 3GS, ya tenemos aquí el nuevo modelo, bautizado como Iphone 4 (comerse la cabeza lo cierto es que no lo han hecho mucho). Entre sus novedades destaca la incorporación de una cámara frontal, lo que permitirá la videollamada; sistema multitarea (aunque el último software del 3GS ya lo incorporaba, pero en versión limitada); cámara de 5 megapixels con flash; grabación de video en alta definición (720p), aplicación Ibooks, para leer libros electrónicos; organizador de aplicaciones en carpetas; edición de video mediante Imovie, etc.

Otro de los grandes lastres de los modelos vigentes era la batería, que se consumía con gran rapidez, especialmente si hacíamos uso de wifi, bluetooth o 3G. Según Apple, la batería de este nuevo modelo de Iphone podrá aguantar 300 horas en espera y entre 6-7 a pleno rendimiento. El precio oscilará entre los 199 y los 299 dólares (es decir, 200 - 300 Euros, debido a la errónea aplicación de la paridad euro-dólar), según el modelo, 16 o 32 Gb. Obviamente los modelos anteriores sufrirán una sustanciosa rebaja que quizás impulse sus ventas (de hecho, el 3GS me sigue pareciendo hasta la fecha el mejor y más completo terminal).

La fecha de salida del nuevo Iphone será el 24 de junio. A Europa llegará durante el mes de julio. Veremos si tanta precipitación por parte de Apple y la excesiva acumulación de revisiones de su móvil estrella no le pasan factura.

¿Rock? in Rio

2010-03-18T12:07:00.002+01:00

Nunca dejará de sorprenderme hasta qué punto los fenómenos de masas pueden llegar a tal nivel de degradación en una afanosa búsqueda de la rentabilidad fácil, movida por la ambición puramente económica. Es lo que ha ocurrido con el festival Rock in Rio, que naciera allá por el año 1985, donde bandas de rock duro daban lo mejor de sí en un macroconcierto que aunaba a lo mejor del panorama internacional musical dentro del sector más heavy. No sólo Brasil, lugar se celebraba este evento, se movilizaba, sino que gente venida de todo el mundo, amantes de este tipo de música, abarrotaban el recinto, no teniendo nada que envidiar a otros macrofestivales como Donnington o Monsters of Rock. Iron Maiden, en el festival inaugural, sonaban tal que así:

Con el paso de los años, y el traslado de este festival a otras ciudades (curiosamente conservando su nombre original), como Lisboa o actualmente Madrid, sus organizadores han tratado de abrirse a otras músicas, lo que, por un lado, supone una alternativa y una posibilidad de elección dentro del mundo del ocio. Pero lo triste es que la excepción se ha convertido en norma y cuando hace dos décadas AC/DC o Iron Maiden atraían a las masas, ahora es Shakira o Hannah Montana los reclamos publicitarios. Sí, aún queda un pequeño reducto de melenudos para regocijo de aquellos que dieron forma y trascendencia a un festival que se ha convertido en una sucesión de artistas poperos, todos ellos de renombre, pero que no hacen justicia al nombre del evento. Por ello, señores organizadores, eliminen el término "rock" de su festival, y es que este género musical se merece un respeto.

En esta edición, y aunque no soy seguidor del rap y del hip-hop, destaca la presencia de la banda Cypress Hill, donde a buen seguro deleitarán al público con su mítico tema "Insane in the brain".

Talento oculto

2010-03-09T01:24:00.000+01:00

Una vez finalizada la subasta solidaria, vuelvo a retomar este blog que tenía algo olvidado. Y lo hago con un video de un anónimo que he encontrado por youtube, donde suelo asombrarme ante verdaderos talentos que tocan con destreza un instrumento musical. Aprovechando que acabo de ver "Los hombres que miraban fijamente a las cabras", donde puede oirse un par de veces el extraordinario tema de Boston, "More than a feeling", he considerado oportuno revivir aquel mítico tema con una interpretación, a la batería, de un chaval con mucho desparpajo que, en mi opinión, borda la canción. A disfrutarlo.

Los gamers, con Haití

2010-01-25T12:57:00.004+01:00

Hay determinados momentos en los que, al contemplar en televisión la cantidad de injusticias que se cometen a diario, un sentimiento de impotencia recorre tu cuerpo y no sabes cómo hacer para poder frenarlas o, al menos, mitigarlas. El incesante bombardeo de imágenes que nos llegan desde Haití tras el devastador terremoto que ha provocado no sólo la muerte de más de 50.000 personas y la semidestrucción de un país, sino un estado de caos donde reina la lucha diaria por la supervivencia en su fase más primitiva, conlleva que aquellos que nos consideramos del primer mundo nos unamos y colaboremos para proporcionar una recuperación pronta y una ayuds urgente a Haití. Por ello, y como pequeño granito de arena (¡bendito granito!), el programa de videojuegos Arcadia Gamers ha organizado una subasta en Ebay donde se puede pujar por un mando de Xbox 360 firmado por los deportistas de élite Marc Gené y Jorge Lorenzo, y que pertenece al conductor de dicho programa, Tonichan, quien gentilmente se ha ofrecido a subastarlo para aportar la cuantía de la puja ganadora a las víctimas del terremoto de Haití. Un magnífico y plausible gesto que este humilde blog no podía dejar pasar.

Aquel quien desee pujar por ese mando, totalmente único y exclusivo, puede hacerlo en la siguiente dirección: http://cgi.ebay.es/ws/eBayISAPI.dll?ViewItem&item=190367009376#ht_500wt_1182

Si no vas a pujar, te pido encarecidamente que difundas este mensaje en tu blog, facebook, tuenti, twitter o cualquier otro medio. Entre todos, con una pequeña aportación, podemos conseguir la ayuda que Haití merece.

La cinta blanca: Con Haneke llegó el buen cine

2010-01-19T23:03:00.007+01:00

Da gusto inaugurar un nuevo año dejando atrás malas experiencias cinematográficas pretéritas y asomarse a un nuevo ejercicio en el que, a la primera de cambio, aparece un filme que no te deja indiferente y que invita a la reflexión. Es el caso de la última propuesta del director (con mayúsculas) Michael Haneke, autor de obras tan variopintas como Funny games, Código desconocido, El tiempo del lobo o Cache.

Sin profundizar sobre la sinopsis de la película, pues considero que cada paso que da, argumentalmente hablando, debe ser descubierto de forma virginal por el espectador, La cinta blanca es una indiscutible candidata (y si nada se tuerce, ganadora), del próximo Oscar a la mejor película de habla no inglesa. Nos situamos en un pequeño poblado alemán, poco antes del comienzo de la Primera Guerra Mundial. Haneke se dedica, con fino y milimétrico sentido descriptivo, a perfilar una serie de personajes que, tras su piel de cordero, esconden secretos inconfesables, misterios ocultos, y una personalidad oscura e, incluso, repulsiva. No falta ningún estamento en esta pequeña gran joya, desde la acomodada aristocracia terrateniente, pasando por la Iglesia, el médico, hasta llegar al pueblo llano, campesino, sin olvidar la figura de la ninguneada mujer y los adoctrinados niños. Todos ellos configuran un rico, a la vez que estremecedor, fresco que sirve a un atroz mensaje de fondo y que Haneke maneja, cual marionetista, con sabia agilidad y profundo sentir psicológico, sin necesidad alguna de caer en la morbosidad, mediante un dominio encomiable del fuera de campo.

La cinta blanca contiene secuencias memorables y, a pesar de su duración (dos horas y media) y de su ritmo pausado, heredero del cine Bergman, Tarkovsky o Dreyer, invita a su revisionado, ya que en ningún momento deja de suministrar información a un espectador que asiste anonadado e impotente al nacimiento de un sentimiento racial e ideológico que dejaría tristes frutos años más tarde. Elegancia y estilo se dan la mano en este film que aspira a un público exigente, maduro y con ánimo de volver cine en estado puro.

Cuando la ficción bordea la realidad

2010-01-18T11:40:00.004+01:00

Tras un período (excesivamente alargado) de letargo, vuelvo a retomar la sana costumbre de escribir impresiones varias sobre distintos aspectos de la vida cotidiana en este humilde blog, via de escape fugaz para el estrés diario y la acuciante rutina a la que nos vemos sometidos. Y lo hago con un videojuego, porque, al contrario de lo que muchos (sin conocimiento de causa) opinan, el ocio electrónico ha dejado de ser un mero divertimento pasajero para, en ocasiones, devenir en una verdadera obra de arte. Prueba de ello son las aventuras gráficas, género muy cultivado durante los 80 y 90 y que actualmente aparecen con cuentagotas. La posibilidad de encarnar un personaje, acompañarle durante un excitante viaje, una animada aventura y el conocer personajes misteriosos a la vez que se resuelven misterios incógnitos, no tiene precio. Todo ello hilado a través de un ritmo pausado de juego, que reta al jugador a reflexionar sobréequé decisión tomar, de forma visualmente impactante y muy cinematográfica.

Prueba de que las tecnologías avanzan con pasmosa rapidez es Heavy Rain, la nueva propuesta de los autores de la aplaudida aventura Fahrenheit, que, a poco más de un mes de su lanzamiento, va dejando muy buenas muestras de su potencial gráfico, muy cercano a la realidad, y que promete ser toda una experiencia cinematográfica (no tanto rejugable). Disfrutad de estas sugerentes imágenes y dejáos arrastrar por la experiencia Heavy Rain.

Paranormal activity : Terror de andar por casa

2009-11-30T11:06:00.007+01:00

"Número 1 en USA". Esta puede ser una de las etiquetas más premonitorias que, en el ámbito cinematográfico, podemos encontrarnos, y no para bien, precisamente. A menudo vemos esta coletilla en películas que pretenden adscribirse al denostado género de terror, provocando de inmediato una inquietud en el público más joven que despierta su afán por ver la película e cuestión. Paranormal activity no ha sido una excepción, pues su inteligente e interactiva campaña de marketing ha calado a la perfección en nuestro pais.

Lo que propone Paranormal activity no es nada nuevo. Tratar de acercar al espectador el terror más inminente, el más cercano, el cotidiano, interesándose más por el fondo que por la forma, es algo que ya hemos visto con acierto en las dos entregas de REC y, sin él, en "El proyecto de la bruja de Blair", con la que guarda mayor grado de conexión que con el díptico de Balagueró / Plaza. El film, dirigido por un primerizo en el campo de la cinematografía, propone al espectador la transmisión del terror al espectador a través de una cámara digital casera en una casa, cualquiera, de dos personajes desconocidos, quienes deberán soportar la amenaza de un ente que les acecha, generalmente de noche, rompiendo la paz del hogar y, por ende, de la relación de pareja.

Tras superar los lógicos y previsibles rechazos que este tipo de filmaciones produce, con constantes desenfoques, un rodaje casero e improvisado, una fotografía realmente pobre y casi inexistente y un tufo amateur molesto y chirriante, queda por saber si tras estas carencias se esconde una buena idea y si ésta es bien desarrollada. Desgraciadamente no ha sido así, ya que la pobre interpretación de los protagonistas (tomándose el personaje masculino el elemento terror a risa, restando garra al drama sufrido por su partenaire), unido a la falta de progresión dramática, el constante estancamiento del guión y la incapacidad para otorgar fluidez a una narración que nace muerta y que se desarrolla de forma cíclica, dan al traste una propuesta distinta, pero muy limitada y agotadora, que invita a mirar el reloj en más de una ocasión. No ayuda a elevar el nivel de la película la ingenuidad de los efectos especiales, que no hacen sino evidenciar aún más las carencias técnicas, y el total desaprovechamiento del personaje secundario, que no aporta absolutamente nada reseñable al contexto general del film.

Paranormal activity no pasa de ser un iluso y bienintencionado proyecto universitario de escuela de cine, pero que no merece ni la atención prestada por Steven Spielberg (quién sugirió el final, efectista y gratuito donde los haya) ni su distribución por una major como es Warner. Como ya ocurriera con su homóloga "El proyecto de la bruja de Blair", la mercadotecnia ha podido con la calidad.

Perseo, versión 2010

2009-11-16T12:21:00.003+01:00

Recuerdo con cierta nostalgia una de las películas que marcó mi infancia, "Furia de titanes", donde el superhéroe no era tal ni provenía de los cómics. Se trataba de Perseo, quien, a lomos de Pegaso, debía enfrentarse a Medusa y liberar a Andrómeda. Se trataba de una película de 1981 con un marcado carácter instructivo y que conseguía aunar la cultura mitológica con la acción y la aventura. En el plano técnico destacaba la labor de Ray Harryhausen, encargado de los efectos especiales y que ha pasado a la Historia del Cine como uno de los mejores en su disciplina, cosechando, por otro lado, un éxito que le ha reputado la distinción de una visión particular e independiente de los efectos especiales (el estilo Harryhausen). Este era el trailer original de aquella mítica película:

Hoy, en esa vorágine febril de convertir y adaptar todo lo clásico a la nueva forma de ver cine, mucho más rápida y frenética, esta película no se ha librado de su correspondiente remake, a manos de Louis Leterrier, responsable de "El increible Hulk" y "Transporter 2". Obviamente, las tecnologías han avanzado a pasos de gigante y el nivel de efectismos que veremos en pantalla será abrumador (aunque me temo que aquellos estupendos parajes soleados que veiamos en la original se subsituirán por un feo cielo gris, fruto de la infografía y del exceso de croma). Como todo remake, desconfio, al menos queda para los tinerfeños saber que parte de la película fue rodada en su tierra. Veremos si pueden reconocer algo de ella.

Muere un ACTOR, con mayúsculas

2009-11-02T17:57:00.003+01:00

Hoy, tras la habitual jornada matinal de trabajo, he llegado a mi casa dispuesto a ver las mismas desgracias, estupideces y rencillas políticas varias que cada día derrocha el noticiario televisivo. Pero, lamentablemente, hoy es uno de esos días en los que una losa pesa sobre tí, ya que el susodicho noticiario ha abierto su edición con el fallecimiento del actor José Luis López Vázquez, a la edad de 87 años.

López Vázquez era uno de esos pocos artistas a los que se les puede denominar actor en toda la extensión de la palabra. Aunque siempre se le ha recordado por su faceta más cómica, no debe olvidarse su vertiente dramática, y su facilidad para fluctuar entre ambos registros con una ligereza y credibilidad pasmosas. Recordar su filmografía es recordar gran parte de la Historia del Cine, debiendo hacer hincapié en que ha participado en muchas de las grandes películas de nuestra breve historia cinematográfica. Atraco a las tres, La cabina, El verdugo, La escopeta nacional, La prima Angélica, Plácido, Pippermint Frappé, La gran familia, Patrimonio Nacional, De espaldas a la puerta o La verdad sobre el caso Savolta son un pequeño ejemplo de la trascendencia de sus actuaciones.

No sólo trabajó con grandes directores del cine patrio (Berlanga, Forqué, Saura, Camus, Drove), sino que en su faceta personal su carisma era tal que despertaba simpatía entre el público, unido a su carácter accesible y afable. La Academia le rindió en 2004 un sentido homenaje con la entrega de un Goya honorífico (que, como siempre, llegaba tarde), pero que consiguió poner en pie a un aforo entregado a una persona con una simpatía desbordante y un actor de los que ya escasean. Hoy somos un poquito más infelices.

Agora : En el nombre de Dios

2009-10-13T13:02:00.006+02:00

Si por algo se caracteriza, entre otras cosas, Alejandro Amenábar, es por su paciente y laboriosa documentación preparatoria previa al rodaje de un nuevo proyecto. Sus dos últimas obras, “Los otros” y “Mar adentro” fueron filmes realizados con una profunda y exhausta investigación sobre el texto, con la sana intención de evitar errores que pudieran arrastrarse a la filmación. Agora no ha sido objeto de excepción, lo que ha provocado, por un lado, que el lapso de tiempo de filmación se haya dilatado y, por otro, que el nivel de expectación haya aumentado conforme se iban recibiendo noticias de este nuevo reto.

Amenábar se propone otro reto personal ahondando en una historia rica, virgen cinemátograficamente hablando, y que le sirve como mera excusa para realizar una exposición crítica del fundamentalismo religioso durante la expansión del cristianismo en las postrimerías del Imperio Romano. Formalmente la película no tiene peros, aunque bien es cierto que quienes hayan sido testigos de las obras clásicas del péplum verán en Agora una hermana menor de aquellas obras míticas. El director se desenvuelve con soltura entre los recovecos de la biblioteca de Alejandría o en los enfrentamientos bélicos en el propio ágora gracias a un sabio uso de las grúas y del travelling, otorgando plena visión de una ciudad expuesta a los postulados de los fanáticos religiosos, capaces de mover masas y de lanzarlos al suicidio colectivo gracias a su poder de oratoria.

Los problemas de “Agora” provengan quizás en el aspecto narrativo, ya que el film se mueve entre lo instructivo y lo crítico, entre el drama romántico y el conflicto político-religioso, pero lo hace con ciertos vaivenes que no consiguen aunar con lógica fílmica un discurso que se desarrolla con excesiva frialdad y de espaldas al espectador. Así, las teorías astronómicas del personaje de Hypatia, un personaje rico en matices al que se le podía haber extraído mucha más información y protagonismo, quedan en un mero segundo plano ante la trama religiosa, provocando una cierta “cojera” que no reacciona hasta el tramo final del metraje. Ciencia y religión conviven durante todo el film pero en campos opuestos, sin tocarse, para finalmente dar respuesta a un desenlace quizás incoherente. Por otro lado, la frialdad de los personajes provoca la desnaturalización del aspecto romántico, y así asistimos a un gélido flirteo a dos bandas que no acaba de cuajar, al que le falta cierto brio y le sobra contención.

Agora es un film formalmente notable, interesante en todo momento,e incluso brillante en alguna de sus secuencias, pero que peca de cierta falta de conexión en sus diversas ramificaciones y sus postulaciones. Amenábar profundiza en exceso en el conflicto religioso, quedando sus intenciones claras y patentes, pero descuida la trama subyacente que ofrece mayor interés al espectador. No debemos olvidar que el film ha sufrido una mutilación de 20 minutos con respecto a la edición original que se proyectó en Cannes, circunstancia ésta que le ha podido hacer valer una pérdida de detalles y de elementos que enriquezcan las disgregaciones secundarias de Agora. Amenábar se reivindica como un buen director en potencia, muy centrado en su trabajo y consciente de sus pretensiones, y ese ascenso progresivo de peldaños le llevará a la cima. De momento, sigue aprendiendo.

REC 2 : Potencia sin control

2009-10-05T10:11:00.008+02:00

Mucho se esperaba de la secuela de uno de los sleepers del reciente cine español. REC fue una película de bajo presupuesto rodada en cuatro semanas y que demostró que aún es posible innovar en un género tan en baja forma y excesivamente trillado como es el de terror. La originalidad narrativa de REC, mezclado con la eficiencia para generar miedo en el espectador, personificada en un crescendo de emociones y sensaciones de agobio y congoja, consiguieron dar en el centro de la diana y aunar el criterio (positivo) de crítica y público. Pero, a pesar de las iniciales reticencias de sus directores, Jaume Balaguró y Paco Plaza, de realizar una secuela, el hecho de dejar cabos de guión sueltos, un final abierto, la venta de derechos para un remake norteamericano y el éxito de taquilla fueron motivos suficientes para emprender una nueva incursión en esa casa calificada como el infierno con mayúsculas.

No nos engañemos, REC 2 no es una mala película, pero desgraciadamente no causa el efecto que sí generó la primera entrega. Ya no se trata, obviamente, del efecto sorpresa, que se ha perdido por el camino (REC gozó de una estupenda campaña de marketing que optó por no desvelar secretos de la historia ni del rodaje), y es que el espectador ya conoce la historia precedente y sabe a lo que se va a enfrentar. REC 2 opta por atar esas líneas sueltas de guión que quedaron pendientes, girar en parte el curso de la historia, y potenciar al máximo la envoltura formal. Balagueró y Plaza estructuran el devenir narrativo en tres líneas de guión que, si bien tienen en principio inspiraciones independientes, finalmente convergen en el mismo núcleo de ese infierno transformado en arquitectura urbana. Desgraciadamente esas tres líneas no gozan de la misma intensidad, lo que provoca cierta irregularidad rítmica en el metraje.

REC 2 se inicia a lo grande, desplegando todas sus armas. Un equipo de operaciones especiales se adentra en la casa y, gracias a las cámaras que portan en sus cascos, asistimos a los mejores momentos del film, ya que el espectador tiene en todo momento una visión global del terror, a la vez que proporciona espectacularidad y una sensación subjetiva de implicación en esos angostos y lúgubres pasillos. La acción discurre con precisión en esta fase y esa emoción se transmite al espectador, que apasionado, ve como la nave Nostromo se ha convertido en una pequeña omunidad de propietarios. Pero tras esta explosión de buen cine de acción, la película transcurre por otros derroteros más cotidianos, realistas, que logran disminuir la intensidad de la narración, presentando nuevos personajes con los que el espectador no comulga (es más, despierta en él el deseo de que "desaparezcan" lo antes posible), y esos meros diez minutos son suficientes para conseguir una desconexión de un film que hasta el momento no proporcionaba terror pero sí tensión y adrenalina en forma de celuloide.

No es sino con la conexión de nuevo con el eje principal del guión cuando REC 2 vuelve a generar interés, desembocando en el rescate de un personaje que da sentido al díptico en su conjunto (aunque los codirectores pecan de evidentes y redundantes, en el sentido que el plano final se sobreentiende). Por el camino éstos se han permitido el lujo, mitad curiosad, mitad sonrojo, de realizar homenajes al género (el de El exorcista en más que evidente), evocando a Aliens o "La noche de los muertos vivientes", pero lo más sangrantes es que esta potenciación de la acción ha degenerado en una disminución del efecto terror, que ha desaparecido por completo en pos del suspense por el susto de rigor. Sólo la fase final del metraje, que nos adentra de nuevo en el núcleo del miedo, y esa intermitente utilización de la cámara de visión nocturna, proporciona cierto desasosiego.

En definitiva, REC 2 ha sabido utilizar los mecanismo propios de una secuela sin caer en acomodados convencionalismos de género, y ofrece al espectador un viaje por las interioridades del infierno, multiplicando la casquería y el frenesí rítmico, bajo un impecable aspecto formal, pero en detrimento del miedo y del leit motiv del film, el terror.

Si la cosa funciona : Cotidianeidad dignificada

2009-10-05T09:27:00.006+02:00

Retorna Allen, tras su irregular periplo europeo, a la senda neoyorquina, con todo lo que ello conlleva y que los seguidores del realizador ya deducirán. Atrás quedaron los flirteos con el drama, los apasionados retratos de parejas en ciernes, los tintes de cine negro, las traiciones y corruptelas traseras, etc. "Si la cosa funciona" era un guión que dormía el sueño de los justos en uno de los cajones de Allen, y es que fue escrito en su día para ser interpretado, en su papel principal, por Zero Mostel, lo que frustró la muerte de éste.

Revisado y actualizado, el texto de "Si la cosa funciona" funciona y rueda a las mil maravillas a pesar de contar con elementos tradicionales en la obra del director judío. Larry David, alter ego en el film del propio Woody Allen, encarna a la perfección sus neuras y ese particular carácter, mezcla de cascarrabias y adorable anciano, aunque aún muy lúcido. Allen retrata una sociedad carente de valores, una juventud con pocas expectativas (consecuencia en parte de un nefasto sistema educativo), y vuelve a cargar contra la derecha recalcitrante y reaccionaria, la falsa democracia, la religión como falso refugio de la infelicidad e incluso la inestabilidad familiar derivada de la falta de comunicación y la imposición de principios propios. Gracias a ello, y partiendo del eje principal de la relación amorosa entre una joven y un antiguo físico entrado en años (que ahora se gana la vida dando clases particulares de ajedrez a niños), Allen incluye evidentes dosis autobiográficas sobre la hiriente visión de la sociedad ante tal diferencia de edad, justificándola y exigiendo el respeto ajena bajo la máxima "Si la cosa funciona".

Con tal premisa Allen se viste de profeta del buenrrollismo, de lo políticamente correcto, fluctuando por recovecos que incluyen la homosexualidad, el liberalismo y la vida bohemia y contemplativa, siempre desde un prisma cómico y no falto de acidez y socarronería. Larry David se convierte así en esa conciencia que dice lo que debe y no debes hacer, mientras que vive aislado y apartado del alocado mundo al que odia (en este sentido nos puede recordar a otras cintas del director como Manhattan, "Desmontando a Harry" o "Todo lo demás"). Además, Allen no olvida que tras la pantalla hay un público expectante, y por ello crea una empatía entre protagonista y espectador digna de aplauso (no faltan las características secuencias donde el personaje mira a la cámara y se dirige al público), inciendo así en lo que siempre ha enfatizado Woody Allen, más que un director de cine es un contador de historias.

"Si la cosa funciona" supone el retorno al cine tradicional de Woody Allen, aquel cargado de ironía bajo una sencilla historia donde convergen diversos puntos de vista sobre, esencialmente, el amor como centro de choque. Quizás peque de una puesta en escena excesivamente teatral, pero ante tal sabiduría en la dirección de actores (Allen es capaz de dignificar cualquier interpretación). Por otro lado, al film le falta algo de garra en algunos pasajes, especialmente en la fase donde la relación protagonista se va afianzando, ya que, aunque sin caer en el tedio, la sucesión narrativa se estabiliza y parece pedir ayuda.

Un título más en la vasta obra de un espléndido autor que, sin explotar ningún tipo de innovación, y basándose en meros acontecimientos cotidianos sabe dotarlos de un don cómico y un mensaje moralizante que se adapta perfectamente a los cambios sociales, esos que, casi siempre, son a peor.

Jennifer's body : Cuerpo y alma

2009-09-29T23:07:00.004+02:00

El cine de terror está en pleno declive, es innegable. Aquellos que gustan de este género y disfrutaron con los míticos clásicos de los 70 y 80 hoy se retuercen en sus butacas al contemplar no sólo cómo los esquemas se repiten una y otra vez, sino también cómo los referentes son ninguneados y pisoteados con estrepitosas actualizaciones y burdos remakes de dudosa calidad y que poco aportan a la idea original y que apuntan directamente al público menos exigente, el del consumo rápido. Fruto de ello son los remakes de películas cada vez más recientes, y lo que es peor, inspirándose en originales de una mediocridad aplastante (véase el reciente caso de "San Valentín Sangriento 3d), lo que indica que no se trata sólo de profanar clásicos sagrados, sino de mutar todo aquello que provenga del género terror, por anodino que resulte.

Afortunadamente no todo es aridez en este sentido, y a veces se divisan tenues luces al final del túnel. Si hace poco reivindiqué "Arrástrame al infierno", debido a su descarado revival ochentero, no puedo sino elogiar las virtudes de Jennifer's body que, sin ser muchas y en absoluto deslumbrantes, consigue desligarse del putrefacto cine de terror que inunda las pantallas a pesar de manejar elementos y recursos poco innovadores y nada complacientes. Así, institutos (high schools norteamericanas), adolescentes con las hormonas disparadas, sexo y terror con toques gore es una mezcla explosiva que atrae al público teen, con la consecuente y a priori falta de ideas de rigor, pero que en Jennifer's body logra un divertimento gamberro, de cierto aire televisivo, poco riguroso pero ciertamente entretenido.

La firma del guión por Diablo Cody, oscarizada por Juno, era el único crédito que podía evidenciar muestras de calidad, y aunque el texto no destaca por su solidez y su aplomo, otorga credibilidad a unos personajes con pocas expectativas vitales, explotadores al máximo del carpe diem. Personajes arquetípicos pero bien perfilados proporcionan cierta fluidez e impulso al desarrollo de la acción, potenciada con diversos encuentros sexuales rodados con una contención casi puritana y que exaltan la figura de Megan Fox, personificada a la perfección en el pecado carnal, en la tentación física, papel éste en el que la hasta ahora dudosa actriz se desenvuelve como pez en el agua.

Desgraciadamente su previsibilidad, donde no hay opción ninguna para la sorpresa, y algunas líneas de diálogo realmente sonrojantes y que lastran el efecto dramático de algunas secuencias, quitan hierro a un film totalmente irrelevante e ingenuo, pero que se ríe a mandíbula batiente de los elementos arquetípicos que circundan el terror teen actual. Jennifer's body huye de la sobreexplotación sexual de su protagonista en pos de una ridiculización de la masculinidad más frívola e insensible, al tiempo que, sin pretensión alguna, se divierte con la mezcolanza de elementos tradicionales de género. Indicada como mera curiosidad dentro del subgénero que hoy en día es el cine de terror.

¡¡Campeones!!

2009-09-21T12:03:00.005+02:00

La selección española de baloncesto sigue haciendo historia y ayer se alzó con el Campeonato de Europa, título que hasta ahora se les había resistido. Aunque fueron cuestionados tras su titubeante inicio de competición, donde estuvieron al borde de la eliminación, los chicos de Sergio Scariolo supieron reponerse e hicieron el baloncesto al que nos tienen últimamente acostumbrados, el de fantasía. Tanto es así que en la final contra Serbia la diferencia llegó a estar en 29 puntos, lo que denota en que nivel está nuestra selección en este momento y dónde está el resto.

Gracias por haber demostrado que el deporte no sólo es fútbol.

Malditos bastardos: Arriesgado nihilismo

2009-09-21T10:50:00.006+02:00

Resulta totalmente innecesario, a día de hoy, hablar de las excelencias de la obra de Quentin Tarantino. Con una filmografía aún muy corta, es innegable que ha sentado cátedra en ámbitos como el estilo narrativo, la contención del tempo, la desdramatización de futuras escenas cruentas y sanguinarias o la utilización de la violencia en el cine como recurso cómico, creando referentes para jóvenes que lanzan al mercado sus primeras propuestas fílmicas. No obstante, no estamos ante un innovador (Sam Peckinpah sí revolucionó la forma de plasmar la violencia en pantalla), sino ante un alumno aventajado que sabe refundir muchas influencias pretéritas en un producto nuevo y otorgarle un valor distinto al original.

Tras el traspiés que supuso Death proof, tanto a nivel de crítica como de público, por su excesivo ombliguismo y su vacuidad literaria, Tarantino se atreve con la Segunda Guerra Mundial, pero no al uso, de corte épico y grandilocuente, sino adaptándola a su particular visión. Desgraciadamente, el realizador busca desesperadamente la película que vuelva a otorgarle la calificación de "revolucionario" del cine, como sí consiguió con Pulp fiction, y ni el desequilibrado díptico misceláneo de Kill Bill, ni el estrépito de Death proof, ni esta descompensada "Malditos bastardos" le volverá a hacer ser mercedor de tal distinción. Y es que, a pesar de cambiar el escenario, las mismas premisas están presentes en su nuevo proyecto. Tomando muchos referentes, como el spaghetti western, el cine europeo bélico de los 60 y 70, el evidente homenaje a "Doce del patíbulo" y un elenco de actores convicente (encabezados por Cristoph Waltz, en absoluto estado de gracia), Tarantino fantasea, de nuevo a través de perspectivas formalistas y excesivos diálogos, brillantes, pero absolutamente fuera del contexto fílmico, con un cambio de rumbo radical a la Historia contemporánea.

En esta ocasión no hay fragmentación y posterior desordenación secuencial, de modo que el espectador no se verá abocado a resolver al puzzle composivo que el director le plantea. La linealidad que recorre el metraje, unido a esa división en cinco capítulos, no logra sino acrecentar la sensación de hieratismo y tedio en determinadas secuencias (como el cuarto capítulo, totalmente innecesario, aunque Tarantiniano al 100%). Por otro lado, y como ya ocurriera en su anterior film, los destellos de brillo y savoir faire son intermitentes (es el caso del primer y quinto capítulos, narrados , en el caso del primero, con un sobresaliente, y Leoneano, sentido del suspense, mientras que el quinto fluctúa entre la comedia (esos falsos italianos son tronchantes) y el fatalismo ejemplificado en forma de incendio, con un añadido moral (el asesino queda marcado de por vida). Un análisis global del film invita a reflexionar sobre la discutible necesidad de dilatar hasta el hastío determinadas secuencias, especialmente en el caso que nos ocupa, ya que la estructura argumental, simple y escueta, no puede soportar tal cantidad de diálogos sin rumbo ni dirección y que parecen alargar sin fin el metraje tan sólo con la única finalidad de demostrar, por parte del director americano, su valía como escritor, algo que, a estas alturas, parece redundante e innecesario.

Con todo, Tarantino vuelve a demostrar su afición por las películas descatalogadas, por la montaña de películas de saldo del videoclub, y lo traslada a un guión propio, con un uso singular de la música, impredecible aunque eficaz, pero vuelve a ahondar, llegando a ser reiterativo, en los recursos que en el pasado le concediesen la distinción de enfant terrible del cine. Hoy Tarantino no tiene que demostrar nada, y tan execrable es el fanatismo exacerbado como la persecución a rajatabla, por lo que "Malditos bastardos" no supone su obra maestra ni su descenso a los infiernos. Tan sólo estamos ante un film peculiar, fugazmente sobresaliente, pero excesivo y anárquico en sus postulaciones narrativas. Distinción sí, pero no a cualquier precio.

San Valentín Sangriento 3D: Romántica patada en la entrepierna

2009-09-17T01:23:00.004+02:00

Algunas modas resultan perniciosas, y la última relacionada con el mundo del cine es la de hacer remakes de películas de terror de los años 70 y 80, pero ya no sólo destrozando clásicos como Halloween o "La matanza de Texas" con sucesivas y pestilentes revisiones, sino que cualquier film menor y mediocre del género se apunta al carro con tal de ofrecer un producto de rápido consumo para el público teen. Salvo honrosas excepciones, como fue "Las colinas tienen ojos," todas estas nuevas producciones han resultado ser un fiasco y un insulto al producto original, y desgraciadamente la cinta que nos ocupa no ha sido una excepción.

"San Valentín Sangriento" (lo del 3D ya es optativo) es una nueva adaptación del título homónimo de 1981, film canadiense de ínfimo presupuesto que, sin ser un referente en el género, demostró que se podía hacer cine de terror de mediana calidad con estrecheces presupuestarias (como también fue el caso de "Posesión infernal," de Sam Raimi, 1982). Aquí no existen problemas económicos, pero sí de técnica de guión y de originalidad e innovación narrativa, algunos preocupantes. Patrick Lussier, responsable de bazofias tales como "Angeles y demonios 3", White noise 2 o "Drácula 2001", activa el piloto automático tras la cámara y cae, con plena consciencia, en todos los clichés y situaciones comunes propias del género (véase golpes de efecto, apariciones repentinas, comportamiento incomprensible de algunos personajes, etc), siendo incapaz de crear un clima malsano que realmente inquiete al espectador. Lussier se limita a exponer, por enésima vez, el eterno dilema de quién es el asesino, quién está tras esa máscara, señalando diversos falsos culpables. Desgraciadamente Lussier no es Hitchcock y su capacidad de generar suspense y engañar al espectador es nula, por lo que fácilmente y con mucha antelación se podrá adivinar la incógnita que plantea el film.

"San Valentín sangriento" no pretende renovar el género, pero difícilmente se puede caer en cotas tan míseras como las de este subproducto dirigido a un público muy poco exigente que debe comulgar con un slasher tan poco carismático como un minero. Eso sí, aquellos que gusten del gore quizás disfruten parcialmente de las secuencias de ejecución, ya que la violencia se muestra en primer plano con un uso excesivo de hemoglobina falsa. Lástima que el guión no posea una mínima coherencia, que se recurra al regreso constante a la mina de un modo gratuito, que no se perfile en absoluto a los personajes, que la historia no tenga ni pies ni cabeza y que queden mil cabos sueltos, y es que no se puede vivir exclusivamente de formalismos, de "homenajes" a Tobe Hopper, Stanley Kubrick o Lucio Fulci, de aisladas escenas de brutales y sanguinarias muertes sin una lógica narrativa que proporcione un empaque a un producto que nace muerto y cuyo metraje se hace eterno y casi ridículo.

Para aquellos que gusten del 3D, señalar que prácticamente esta funcionalidad se limita al acercamiento hacia la pantalla (espectador) de diversos objetos (un pico, una pistola, algún que otro pedazo de carne humana), no ofreciendo demasiados alicientes para desembolsar la diferencia de precio que supone esta no tan nueva tecnología. Así que, si desea pasar un mal rato viendo una infame película de terror que no provoca pavor alguno, vaya a verla en un pase convencional. Si además quiere ser estafado, opte por el 3D. Para gustos los colores, y para terror del bueno, "El exorcista".

District 9: Apartheid alienígena

2009-09-14T22:51:00.003+02:00

De la mano de Peter Jackson, en labores de producción, aterriza District 9, plataforma de lanzamiento para el desconocido Neill Blomkamp y que intenta, con acierto y solvencia, dar un paso más allá en un género tan difícil de innovar como es el de la ciencia ficción. District 9 propone una historia de invasiones entre la raza humana y la alienígena, pero sólo como punto de partida y muy lejos del eterno conflicto interplanetario que tantas veces se ha llevado a la gran pantalla, y en muchas ocasiones con desiguales resultados. Por ello, cabe advertir que no nos encontramos ante una película al estilo de la tetralogía Alien, ni la hiperbólica Starship troopers (Paul Verhoeven, 1997), aunque no renuncia, obviamente, a elementos de acción de intenso ritmo.

Neill Blomkamp nos realiza una disección pormenorizada de la codicia humana y sus consecuencias ante situaciones extremas, mediante una bifurcación que flirtea entre el falso documental y la ficción convencional. Así, en su primera parte asistimos a un estilo puramente periodístico que sumerge al espectador en pleno Distrito 9, con un sabio uso del video digital y la cámara al hombro, realizando una presentación de personajes y de situaciones fluida y perspicaz. Por otro lado, el director evita caer en los convencionalismos de otorgar personalidad a los bandos, de modo que en District 9 no hay buenos ni malos, la única amenaza que combaten los humanos viene dada por su propio comportamiento. Es aquí donde se consiguen los mayores logros del film, mediante pinceladas que describen a la perfección una sociedad militarizada, y un gobierono burocrático, totalitario e intolerante, que ve en el extraño una pieza de colección con la que acaudalar fortuna, apoyado por un sistema de medios de comunicación que no dudan en manipular la información si así consiguen determinados réditos. La innata codicia humana se plasma en todas las escalas, desde lo alto de la pirámide institucional, pasando por los insurgentes y llegando al individuo en sí mismo, y Blomkamp acierta de plena en ese análisis donde el todo por la pasta es la máxima a seguir.

A nivel técnico la película brilla a gran altura, y lo que es loable, los efectos especiales están al servicio de la historia, sin que los alardes técnicos (exceptuando algún que otro exceso con los mechas) respondan a líneas de guión gratuitas. District 9 apuesta por los valores morales ante situaciones de extrema dureza, y consigue eludir el panegírico familiar y almibarado a pesar de contar con elementos que pudieran dar lugar a ello. La acción cobra sentido en su segunda mitad, llegando a alcanzar altas cotas de espectacularidad bajo una dirección milimetrada y un montaje lejos del frenético estilo videoclip que abunda hoy en este género.

District 9 supone un espléndido soplo de aire fresco al género de la sci fi, y logra, partiendo de recursos de guión convencionales y prototípicos del género, no sólo entretener al espectador, sino también ofertarle un constante dilema moral, donde la especie humana, como siempre, sale perdiendo.

Gamer: Dominación digital

2009-09-09T10:35:00.004+02:00

Cine y videojuegos nunca ha sido una combinación de fácil digestión. A los hechos me remito: Mortal Kombat, Street fighter, Doom, House of the dead, Blood Rayne han sido ejemplos de esa creciente montaña de subproductos pestilentes que, apoyándose en el tirón comercial de un videojuego, han tratado de captar y atraer al cine a aquellos expertos en el manejo del pad y el ratón. Por ello, el primer contacto con un film como Gamer siempre tiende a la precaución y al desasosiego.

Afortunadamente, Mark Neveldine y Brian Taylor, co-directores de aquel exceso entretenido llamado Crank : Veneno en la sangre, vuelven a mostrar su pasión por las nuevas tecnologías y el entretenimiento digital llevándolo a su máximo extremo, como una forma de Leviatán, un Estado que domina a sus súbditos y los manipula a su antojo cual marionetista. El resultado es impactante, no cabe duda, pero ciertamente desconcertante. La intensidad de las secuencias de acción, totalmente adrenalíticas y estructuradas a base de esa incomprensible moda del videoclip que provoca la extenuación del espectador, se fusionan con tiempos muertos, flaquezas de guión y mensajes moralistas que no se sabe con certeza a dónde conducen.

La sociedad, no tan futurista como parece, que se nos presenta en Gamer es absolutamente apocalíptica y estremecedora. La persona ha quedado totalmente anulada, postrada durante horas ante la pantalla que muestra a su yo virtual, un personaje imaginario que transmite las sensaciones y estímulos del jugador. Obviamente, no tardarán en surgir las más bajas pasiones y las más obscenas perversiones humanas a la palestra, configurando un sistema social basado en el sexo más sucio posible, en el castigo físico a los transgresores de la ley y la violencia extrema, todo ello bajo un sistema de pago que enriquece sustancialmente a sus creadores.

Gamer peca de efectista, a pesar de su solvente factura y empaque, que consigue transmitir al espectador repudio y esperpento por esa escala de valores, epatándolo a base de una planificación abrupta, vertiginosa e irracional. Quizás para aquellos más jóvenes, aficionados al sector de los videojuegos, pueda suponer un intenso tour de force y un original periplo por el infierno humano, pero nada más lejos de la realidad. Sin perjucio del oficio y de la intensidad con la que Neveldine y Taylor ruedan y montan sus películas, Gamer no es más que un pastiche de deja vu, donde caben elementos obvios como Perseguido (Paul Michael Glaser, 1987) y 1997: Rescate en Nueva York (John Carpenter, 1981) y otros menos evidentes como Réquiem por un sueño (Darren Aronosfsky, 2000) o Battle royale (Kinji Fukasaku, 2000), donde la televisión se adueñaba de la capacidad de discernir de sus fieles y los manejaba a su merced, cayendo así en un estado de alineación guiado por el consumismo y la satisfacción inmediata como premisas supremas.

Con todo, Gamer evade la etiqueta “cine de videojuegos”, sino que utiliza éste como telón de fondo y vehículo narrativo, aunque de un modo errático e hiperbólico, sometiendo al espectador a un desequilibrado y estridente discurso de evidentes ínfulas kubrickianas, pero que en ningún momento raya a la altura de su mecánica naranja.

Vuelve el furgol

2009-09-08T11:19:00.005+02:00

No, no me refiero a la guerra del fútbol que se ha abierto con el tema de los nuevos canales de TV ni a la locura desatada con el despilfarro florentiniano en fichajes para su empresa-equipo. Me refiero a algo quizás más frívolo aún pero que cada año también genera sus enfrentamientos entre los seguidores de Pro Evolution Soccer y Fifa. El juego de EA Sports dio el año pasado un salto cualitativo, superando a su eterno rival en cuanto a acabado técnico y jugable, aunque no en ventas, y es que el nombre Pro da mucho dinero.

A un mes escaso de su lanzamiento, EA Sports saca los dientes y presenta su FIFA10, que viene a pulir los pocos errores que contenía su predecesor, como fluidez en las animaciones, un mayor diseño táctico y disparos a puerta más precisos que, unido a las grandes bazas que ya poseía el juego, como la cantidad de licencias y los excelentes modos online, dan como resultado el Fifa 09 que debía haber sido. Para muchos quizás se nos antoje caro pagar 70 euros por tan pocas novedades, y es que era mejorar lo inmejorable, pero el fútbol vende y la gente paga. Ya lo decía los incombustibles AC/DC, Money talks.

Batalla campal, just for fun

2009-09-08T10:56:00.003+02:00

No quiero hacer aquí, para evitar malinterpretaciones, una rajada de la juventud actual que, como todo en esta vida, adolece de severos defectos pero también posee sanas virtudes (las generalizaciones nunca han sido buenas). Pero uno se plantea, tras visionar esas imágenes grabadas con un móvil que delatan que hoy cualquiera puede ser periodista, donde la policía se enfrenta a multitud de jóvenes en una batalla campal en Pozuelo de Alarcón, muchas preguntas e inquietudes.

No soy partidario del botellón, no lo considero en absoluto ni constructivo ni, por supuesto, higiénico, pero no abogo por su prohibición. Los jóvenes han plantado cara al alto precio del alcohol mediante formas alternativas de "ocio", otra cosa es que sean más o menos acertadas, es decir, si realmente se busca el mero disfrute junto a amigos y una copa que anime el matabolismo o, por el contrario, y me temo que por aquí van los tiros, el fin deseado es la borrachera injustificada. Es un hecho, está ahí, cada cual deberá elegir si quiere formar parte del rebaño o no, a pesar de que ese rebaño no sea lo suficientemente cívico como para recoger la suciedad creada o tratar de no pertubar, en la medida de lo posible, el descanso de los vecinos que precisan de silencio. Cuestión de civismo y educación, algo que por aquí, por desgracia, no se ve en exceso.

Pero sin duda lo más preocupante es lo evidenciado el pasado sábado en Pozuelo de Alarcón. Todos creíamos al ver las imágenes que estábamos ante la común manifestación antisistema, antifascista o antialgo, que, por muy legítimos que sean sus fines perseguidos y muy pacífica que pretenda ser, siempre acaba en altercado policial donde todo el mundo se excede, manifestantes y policías. Es la guerra urbana y no hay normas, todo vale. Pues no, lo inquietante es que los protagonistas eran jóvenes estudiantes, muchos de ellos de alto nivel adquisitivo, que no perseguían un fin (véase social, político, medioambiental, etc.), sino la pura diversión. Uno lanzó una botella, el otro le respondió, y así la cadena se fue extendiendo hasta llegar a un estado de sitio donde no existían manifestantes ni represores, tan sólo verdugos, de uno y otro bando. ¿Niñatos aburridos en busca de nuevas experiencias? ¿Abuso de derecho? ¿Falta de educación? ¿Brutalidad policial? Probablemente todas estas respuestas tengan una respuesta positiva, pero hay que pensar que todo ello no surge de la nada, sino que siempre hay un punto anterior que flaquea y da pie al error. Educación ante todo, por favor.

Vuelve el mejor Batman

2009-09-02T13:13:00.007+02:00

La experiencia nos ha demostrado que las licencias cinematográficas, a pesar de su aparente rentabilidad, no van acompañadas de resultados satisfactorios en su conversión al videojuego. Las prisas son malas consejeras, y el afán por lanzar al mercado un producto en la misma fecha que el estreno de la película provoca desarrollos apresurados, inacabados y en ocasiones, funestos. No ha sido éste el caso de Batman Arkham Asylum, que se ha inspirado en el cómic homónimo y que no se ha visto presionada por un estreno cinematográfico. De hecho, el juego ha sufrido varios retrasos motivados por la voluntad de los desarrolladores de crear un juego de calidad y que convenza al jugador que su esfuerzo económico ha valido la pena.

Batman Arkham Asylum es una delicia para los jugadores y para los cinéfilos, puesto que no sólo su jugabilidad es exquisita, donde manejamos a un héroe sin superpoderes, vulnerable, y que deberá utilizar su ingenio y sus dotes escurridizas para dar caza al Joker, íntimo enemigo del hombre murciélago; sino que su guión es puramente cinematográfico (obra de Paul Dini), y su capacidad de absorción es tal que pasan las horas ante la pantalla sin caer en momento alguno en el tedio. Por otro lado, la calidad técnica es espléndida, con un alto detalle gráfico y un sonido que se adecúa a las distintas situaciones del juego.

Puede decirse sin reparos que estamos ante el mejor videojuego jamás creado de Batman, un personaje sobreexplotado en este sector y que no siempre ha sido tratado como se merece. Con esta entrega el jugador disfrutará de lo lindo, el amante de los cómics quedará asombrado y el cinéfilo dará el ok a un guión solvente y fluido. Batman, ¿juego del año? No lo dudaría...

Fanatismo virtual

2009-08-25T12:53:00.004+02:00

Que sí, que emular a los grandes ídolos del rock n' roll en tu casa sosteniendo una guitarra o una batería de plástico puede resultar bastante friki (peor es la fiebre del air guitar), pero a los que nos han tocado la fibra sensible con la saga Guitar hero y Rock band, el hecho que salga un videojuego de estas características de The beatles no nos despierta sino las ganas de catarlo.

El 9 de septiembre saldrá a la venta The beatles : Rock band, donde podremos recorrer la historia del mítico grupo de Liverpool a la vez que interpretamos, bien a la guitarra, bajo, batería o voz (o todo a la vez) sus canciones. Una fantástica noticia para los melómanos jugones. Hay que decir que los periféricos de Rock Band son válidos para este juego, aunque Harmonix ha visto negocio en este sector y ha lanzado unos instrumentos que recrean los reales que usaba el cuarteto británico.

En unos días estaré en el tejado del Apple Corps. tocando Get back. De momento sólo puedo recrearme con la genial intro de este juego.

Anticristo, la tortura de Von Trier

2009-08-24T20:50:00.003+02:00

Ver una película de Lars Von Trier no es nada fácil. Conlleva un ritual de preparación que comienza desde la misma mañana del día que decides acercarte al cine a ver una obra del controvertido danés. Pero peor es escribir sobre su trabajo, y más con obras como "Anticristo", donde rompe con la elegancia y el buen trato al público que demostró en "Bailar en la oscuridad" para someterlo a un mal trago, no por la baja calidad de su proyecto, sino por lo distinto, arriesgado y enfermizo de lo propuesto.

Von Trier ha manifestado que ideó y realizó esta película en un estado de profunda depresión. A modo de terapia, quiso exorcizar sus demonios con un film donde muestra la parte más oscura y negativa del ser humano, el sentimiento de culpa, la autoflagelación, el martirio y el sometimiento. "Anticristo" siembra muchas dudas, no puedo decir que he entendido fotograma a a fotograma el mensaje que propone la película (si lo diría, mentiría), pero no puedo sino aplaudir la decisión de determinados directores de proponer algo distinto, que te haga reflexionar, aunque pueda ocasionar rechazo e incluso repulsión por lo escandaloso de sus imágenes. Coitos reales, trepanaciones de extremidades, eyaculaciones sangrantes, violencia intensa y una ablación en primer plano no es un menú de agrado generalizado, pero los cinéfilos recordaremos haber visto comer excrementos a humanos en "Saló", de Pasolini. No se trata del todo vale, de quién hace la barbaridad más escandalosa, sino de integrar lo repulsivo en un discurso coherente. Y creo que Von Trier lo consigue (fui el único de los cinco que éramos en la sala que lo vio así, ya que el resto emigró a los pocos minutos de iniciada la proyección).

"Anticristo" no es una mala película (una mala película es "Guerra de novias" o "G.I.Joe", donde la nada se erige en guión). "Anticristo" es una película que no recomendaría a ningún amigo, pero que defiendo, aunque no ondeo la bandera del arte y ensayo, ya que propone algo distinto, invita a la reflexión. Quizás Trier quiere introducir demasiados elementos reflexivos en su discurso y eso lo hace denso e inabarcable, y es que por mucho que uno se preste y lo intente, resulta imposible dar sentido lógico a todo el cúmulo de sentimientos, pesadillas, visiones e ilusiones que plantea el danés. Una película anárquica que no deja indiferente y que deja huella en el espectador, y que posee ecos de la magistral "El imperio de los sentidos", de Nagisha Osima, con el surrealismo de Buñuel y la quietud de Tarkovsky (no en vano, el film está dedicado a éste). Un cóctel incendiario que, a pesar de su imperfección, e incluso de sus errores de bulto, supone una propuesta alternativa para evadir los calores veraniegos.

Música a la carta

2009-08-19T00:40:00.003+02:00

Hay artistas que lo dan todo en el escenario, que se dejan la piel, y que son capaces de estar más de dos horas sobre él disfrutando de su trabajo. Podríamos enumerar muchos de ellos, pero pocas, por no decir ninguna, vez he visto peticiones en directo a un artista. Es el caso de este "Live by request" al que el genial David Bowie se ofreció, donde diversas personas realizaban llamadas en directo, contactando directamente con el artista y solicitándole que les interpretara una canción (obviamente de su repertorio). He podido ver el concierto en su integridad y tengo que rendirme ante este hombre. Su extensa y rica discografía, unido a su carácter cambiante (recordemos que adoptó diveros personajes a lo largo de su carrera, siendo el más recordado el de Ziggy Stardust), y su magnífico directo a sus nada más y nada menos que 62 años (y aún en activo) son motivos suficientes para quitarse el sombrero.

Para la historia han quedado himnos como Space oddity, The man who sold the world, Life on mars?, Starman, Rebel rebel o Jean Genie, entre muchos otros, pero quiero destacar el tema Ashes to ashes primero porque es una maravilla que te gusta más cuanto más lo escuchas, y segundo porque se dió la curiosidad que fue solicitado en directo por un niño de cinco años (aunque no sé si aleccionado por su padre). En cualquier caso, una magnífica canción de la mano de un brillante artista polifacético de los que quedan pocos.

¡A surfear!

2009-08-11T01:56:00.003+02:00

Mucho antes que llegara Georgie Dann, Puturrú de fuá, Los refrescos o King Africa, ya existían canciones que tenían un cierto olor a verano. En cambio, y a diferencia de ahora, no se trataba de temas de usar y tirar, donde la nulidad compositiva va acompañada de una absurda coreografía que el oyente debe repetir, ayudado quizás por el exceso de ingesta de alcohol y la probable insolación causada por el azote del sol. Hablamos de canciones que recuerdan al verano pero que han durado más que esos efímeros tres meses, han perdurado en el tiempo e incluso han formado parte de la Historia de la música. Es el caso de The Beach boys, un grupo que supo vender con acierto a nivel mundial el surf rock. Sus caritas de niños buenos poco a poco fueron convirtiéndose en aspectos mucho más hippies e incluso bohemios. Recordemos una de sus primeras apariciones televisivas con el clásico Surfin' USA.

Pero si hay que quedarse con un tema de su extensa discografía, ese es Good vibrations, un himno donde los haya. Aquí lo interpretan en el macroconcierto Live Aid de 1985.

Reconciliándome con el terror

2009-08-11T00:57:00.003+02:00

Hace poco tuve la grata sensación de reconciliarme con el género de terror. Fue con "Arrástrame al infierno", de un Sam Raimi que dejaba atrás sus peripecias más estrictamente hollywoodienses y retornaba a sus orígenes, en pocas palabras, se realizaba un autohomenaje a modo de divertimento. La película tiene miles de guiños nostálgicos a la trilogía de "Posesión infernal" que le vió nacer, desde el estilo de rodaje, pasando por el toque gore y ese sentido del humor negro que hace que se rebaje la tensión causada por su cine atmosférico e inquietante.

Desde su inicio, donde un logo pretérito de la Universal nos da la bienvenida, "Arrástrame al infierno" pretende satisfacer al espectador que disfrutó de los inicios cinematográficos de Sam Raimi, tendiendo la mano, al mismo tiempo, a aquellos no iniciados en el género y que apuestasn por opciones más modernas y videocliperas. Raimi destila un estilazo impecable a la hora de rodar que muchos quisieran, jugando con los rincones, las sombras, creando terror a plena luz del día (aunque donde realmente sobresale es en las secuencias nocturnas), y sometiendo al espectador a la misma tortura que sufre la protagonista de la cinta. Por si fuera poco, aún le queda espacio para introducir elementos de tono crítico, como esa familia acomodada que incomoda y avergüenza al propio novio de la protagonista, y moralista, donde la codicia y la ambición tienen su correspondiente castigo. Notable film que viene coronado por una extraordinaria partitura del curtido en estas lides Cristopher Young, y donde destaca la nota anecdótica de que, en los créditos finales, utilizó fragmentos del score rechazado en su día por William Friedkin para "El exorcista", que compusiese Lalo Schiffrin, para bien de Mike Oldfield, que se llevó el gato al agua. Disfruten del tema que abre este reivindicable film:

¿Nos echamos unas partiditas?

2009-07-17T13:48:00.005+02:00

Hay que ver cómo pasa el tiempo, y sobre todo, cómo avanzan las tecnologías. Cada vez las máquinas son más potentes y más pequeñas, de modo que llegan a caber en la palma de una mano. Afortunadamente el paso inexorable del tiempo no evita el recuerdo de aquellos productos que marcaron un antes y un después y hoy se consideran de culto. Es el caso del mítico juego de Capcom Street fighter II, cuya cuarta entrega recientemente ha sido lanzada al mercado. La cantidad de dinero que me dejé en aquella recreativa se puede decir que es escalofriante. El reto de ganar combates hasta tumbar a Mr. Bison no tenía precio, y cada vez nos poníamos el listón más alto, queríamos terminar el juego con todos los personajes.

Ahora podemos disfrutar de este mítico videojuego hasta en teléfonos móviles, aunque debo destacar la conversión a Flash que se ha colgado en Internet, y que puede servir para liberar adrenalina tras un duro dia de trabajo. ¿Os animáis? Pues pulsad aquí y rejuveneced casi dos décadas.

Todo lo malo se pega

2009-07-16T15:58:00.002+02:00

Ahora que gracias al reciente sistema de financiación autonómica tenemos a una parte del pais enfrentada a la otra (y es que los políticos son expertos en eso, en generar tumulto y crispación), se hace necesario buscar algo que nos una a todos y que compartamos. Y es que si algo gusta a todo buen españolito, eso es la astracanada. ¿Quién ha olvidado que exportamos valores como los toros, y la Macarena? Pues por si fuera poco, esta transacción se ha extrapolado al cine, asi que, ni cortos ni perezosos, en breve tendremos una película española con un actor norteamericano de lujo en nuestras pantallas. Pero, ¿a quién enviaremos nosotros? He aquí la solución:

Se trata de la ópera prima de Javier Ruiz Caldera que, copiando los esquemas norteamericanos de comedias que parodian determinados géneros (Scary movie, Epic movie, Date movie, Superhero movie, etc), ha decidido parodiar las películas más taquilleras del cine español.

¿Hemos tocado fondo ya?

Y el planeta enmudeció

2009-06-28T23:50:00.002+02:00

Cuesta creerlo, pero habrá que seguir levantándose cada día a sabiendas que uno de los más grandes de la música ha fallecido, Michael Jackson. Quizás ni siquiera la muerte de Elvis Presley esté a la altura de lo que ha supuesto la pérdida del rey del pop. La forma de producirse, de manera repentina, sin previo aviso, y la enorme fama de Jackson ha multiplicado por un millón la magnitud y la repercusión de la noticia.

Quien ostenta el honor de ser el protagonista del disco más vendido de la historia, Thiller, nos dejó el pasado viernes a la edad de 5o años tras un paro cardíaco. No obstante, las especulaciones son muchas y aún las autopsias no han revelado este dato como oficial. Lo que queda claro es que un ídolo de masas y un personaje, en el más amplio sentido de la palabra, ha desaparecido para siempre. Nos quedan sus canciones, temazos como Thriller, Billie Jean, Bad, Beat it, Black or white, I just can't stop loving you, Smooth criminal, Heal the world, The way you make me feel, etc, que quedarán siempre en el recuerdo de sus fans y de los aficionados a la música en general.

El niño que pasó de ser negro a un blanco exagerado, fruto de sus incesantes intervenciones quirúrgicas, y que despuntaba gracias a sus pasos de baile, ha abandonado el escenario y este mundo. Nos quedamos con el recuerdo de sus actuaciones y de la pasión que ha despertado en otros músicos.

Yes, we can't

2009-06-25T09:41:00.002+02:00

Anoche no escuché los incesantes claxones de los coches por la noche, ni un griterio enfervorecido, ni tracas (bueno, eso sí, pero fue por la cremà de las Hogueras). No había multitudes ni altercados, algo extraño cuando hay una competición deportiva de por medio. Y es que hay un antiguo dicho que reza que no conviene vender la piel del oso antes de cazarla. Y así ha sido. La selección española, o mejor dicho, la prensa que antes la criticaba y este año estaba a muerte con ella, ha pecado de prepotente y hemos pasado en minutos de la gloria a la miseria y al ninguneo. España ya se preparaba para la final del domingo sin pensar que antes de eso hay que superar una semifinal, con un rival que, en principio, está en igualdad de condiciones.

Nuestro rival, Estados Unidos, curtido en fútbol, pero americano, planteó un férreo sistema defensivo y apostó por la potencia física (donde se evidenció una gran diferencia entre ambos equipos). No poseían demasiado el balón, pero no lo perdían. Atacaban tímidamente, pero atacaban. Corrían, y mucho, y luchaban cada balón como si fuera el último. España se dedicó a verlas venir, pensando en Brasil, y así fueron llegando los goles. La heroica quedaba muy lejos y la epicidad de remontadas gloriosas en diez minutos era una hazaña imposible. Al final, todos callados y a esperar el tercer puesto (o cuarto si seguimos sacando pecho). David volvió a vencer a Goliat.

Imitando a Jesús

2009-06-23T13:46:00.003+02:00

Recuerdo la primera vez que vi "El gran Lebowski" la buena sensación que me produjo aquella magnífica comedia negra, con la que los Hermanos Coen demostraron que a día de hoy todavía se puede hacer reir al espectador con un humor sano a la vez que se hace cine de calidad. Lo curioso es que con el paso del tiempo en Estados Unidos esta película se ha convertido en un elemento de culto, hasta el punto que existe el día de "El gran Lebowski", donde cientos de aficionados se disfrazan de los personajes de la película y realizan convenciones sobre la misma. El film está lleno de secuencias impagables, destacando las musicales, pero si una sobresale y ha calado en los espectadores, es ésta:

La fiebre ha llegado a tal extremo que he podido constatar a través de youtube que sus seguidores han tratado de emular al bueno de Jesús (John Turturro), y puedo asegurar que no son uno ni dos los imitadores, son legión. Obviamente la calidad de las imitaciones en algunos casos es bastante escasa, pero ahí queda el dato.

Times are gone

2009-06-22T13:16:00.002+02:00

El tiempo pasa inexorablemente para todos, y desgraciadamente a pasos agigantados. Pero todo lado negativo tiene su parte positiva, y es que la experiencia de compartir conocimientos entre generaciones no tiene precio. Tanto es así que acabo de ser víctima de una cura de humildad al ver cómo un vecino mio que se marchaba de viaje y portaba en sus manos unos Cd's, me hablaba de un grupo llamado "Poco". Mi cara de extrañeza fue tal que mi buen vecino espetó, de un modo rotundo, escucha "Rose of Cimarron".

Las nuevas tecnologías tienen serias ventajas, y una de ellas es la posibilidad infinita que abren al conocimiento. Así que, haciendo uso de ellos, me dirigí a Google, allmusic.com y youtube.com en busca de información sobre estos desconocidos músicos. Me he topado con unas viejas glorias, aún en activo, de finales de los 60, que hacen una música al más puro estilo Eagles (de hecho, uno de sus integrantes estuvo en la formación de Poco), y cuyo tema estrella (aquel que me recomendó mi vecino) se me ha quedado grabado, pues es de una calidad compositiva y armónica asombrosa. Así era la canción tal y como se concibió:

Y así es cómo la tocaron en Nashville, en 2004, con menos pelo, unos kilitos de más pero con más precisión a la hora de ejecutar los solos.

Siempre se aprende algo nuevo, amigos.

Abran paso, que llega Kratos

2009-06-19T13:04:00.005+02:00

Si hay una franquicia que arrasó en la inagotable Play Station 2, la cual se resiste a morir, o al menos lo hará dignamente, esa es la de God of War. La historia de ese salvaje guerrero convertido en Dios y traicionado por las propias divinidades del Olimpo recuperó el interés por la mitología, al tiempo que ofreció dos de los mejores juegos hack n' slah vistos hasta la fecha.

Hace tiempo que la tercera entrega de la saga se anunció, en exclusiva para la PS3 (incluso antes de que ésta fuera lanzada). La reciente feria E3 mostró, por fin, un extenso video in game de 13 minutos donde podíamos ver cómo se las gasta el amigo Kratos. Más bruto que nunca, Kratos es un recital violento de ejecuciones, a cada cual más espectacular y sangrienta. Aunque a simple vista el nivel gráfico pueda parecer muy similar a las dos excelentes entregas previas, lo cierto es que se ha utilizado el potente motor de la PS3 para conseguir mover un mayor número de personajes en pantalla sin que se resienta el frame rate.

Los que ya conocemos la saga God of war estamos ansiados por hincarle el diente a esta tercera y, al parecer, definitiva parte. Los que no la conozcan, háganme caso, adquieran las dos primeras, enchufen su PS2 y prepárense a disfrutar.

Video Games - E3 2009 - G4 Web Exclusive

Una tonada pegadiza

2009-06-16T01:01:00.003+02:00

Uno cuando va cumpliendo años, quizás por falta de atrevimiento, quizás por nostalgia, se agarra a sus grandes clásicos musicales, aquellos con los que ha crecido y los que por ningún motivo se desharía. Es por ello que cuando surge un grupo, un disco, un tema que te recuerda a viejos y grandes clásicos de antaño, piensas que aún quedan ideas y talento en el mundo musical (no todo va a ser Operación Triunfo). Es el caso de una banda que he descubierto gracias a un podcast sobre videojuegos y que, sorprendentemente no había oido hablar de ella, y ya tienen seis discos a sus espaldas (es lógico, no son carne de radiofórmulas). Se trata de Jimmy Eat World, un grupo rock con potentes guitarras y unas melodías altamente pagadizas. Es el caso de The middle, uno de los temas que les dio a conocer. Aviso, su estribillo se graba a fuego en el cerebro.

Rascando los últimos eurillos

2009-06-16T00:25:00.003+02:00

Se acaba la campaña de la Renta. Sí, esa época de incertidumbre en la que deseamos con toda nuestra alma que nuestra declaración salga a devolver, aunque sea sólo una cifra que no alcance los tres dígitos. Pero detrás de los miedos, lógicos por otro lado, de los ciudadanos están las labores de concienciación social, aquellas que tratan de ayudar a personas con necesidades reales o simplemente lavar conciencias. Así, se inicia una batalla campal a dos bandas en busca del bolsillo del sufrido contribuyente que trata de financiar proyectos de ayuda social.

En una banda, tenemos un clásico, la Iglesia Católica, que lejos de ser, como en tiempos pasados, la única que ostentaba el privilegio de obtener ayudas provenientes de la recaudación fiscal, ha de publicitarse y promocionarse a la caza y captura del euro dubitativo.

En el otro lado, con las expectativas puestas en los contribuyentes más jóvenes, se encuentran las ONG's (o fines sociales). Curioso nombre éste, ya que, según se anuncia la Iglesia, su aportación también debería ir destinada a fines sociales, ¿no? Este año se cuenta con el apoyo de nombres del mundo televisivo que apoyan esta opción.

En definitiva, pueden Vds. dejarse llevar por sus creencias religiosas y optar por la Iglesia, o bien confiar más en entidades ajenas a lo sacro y marcar la opción "fines sociales", o incluso ambas, pues son compatibles. Marquen lo que quieran, pero por favor, marquen.

Hasta siempre, pequeño saltamontes

2009-06-15T13:41:00.003+02:00

No soy demasiado amigo de los homenajes póstumos, a pesar de que este humilde blog se ha hecho eco de alguno de ellos. Ha sido precisamente por uno de los lectores habituales, y sin embargo amigo, quien se extrañó de no haber comentado por mi parte nada acerca de la muerte de David Carradine. El mítico actor que se hizo famoso gracias a la serie Kung Fu fue encontrado en extrañas circunstancias en un hotel donde se hallaba alojado, con una cuerda que rodeaba sus genitales (algo que han venido a llamar accidente sexual). Sin duda su desaparición, y más con la incógnita sembrada con la forma de morir, ha sido un mazazo para el mundo del cine, pero lo mejor en estos momentos siempre es recordar la obra del protagonista. Me quedo con una de sus últimas apariciones, Kill Bill 2, de Quentin Tarantino donde, en un maravilloso blanco y negro y en una secuencia que evoca a John Ford por los cuatro costados, mantiene una conversación con la novia, Uma Thurman. Brillante diálogo (algo habitual en Tarantino) para una soberbia película dividida en un díptico.

El (i)luso millonario

2009-06-12T01:37:00.004+02:00

Los rumores ya son una realidad. Si hace unos años se abría la caja de Pandora porque el Real Madrid había fichado a Ronaldo, un jugador que en su momento fue el más caro de toda la historia, ahora es otro Ronaldo, Cristiano, quien ocupa este dudoso privilegio. El portugués ya es jugador del Real Madrid, de quien dicen es el mejor club de la historia, al haber desembolsado la cifra, nada desdeñable, de 94 millones de Euros (15.640.284.000 pesetas), dinero que un servidor necesitaría como cien mil vidas para poder amasar gracias a su sufrido pero escasamente rentable trabajo.

Pero ahí no acaba la cosa. Pocos días antes, el señor Florentino Pérez había cerrado un trato con el Milán A.C. para el fichaje del tan laureado Kaká, lo que se hizo efectivo gracias a 63 millones de Euros (10.482.318.000 pesetas). Uno ya se pregunta si el mundo, como la película de Stanley Kramer, se ha vuelto loco. Parece mentira como en tiempos donde las palabras que más se oyen son crisis, ERE y paro, los clubes de fútbol (símbolos casi religiosos para algunos) se gastan alegremente estas cifras. Bueno, matizo, piden a los bancos estas cantidades, que si bien para una hipoteca a una pareja en aras de emanciparse no conceden el crédito, para desembolsar 150 millones de Euros al Real Madrid sin rechistar es coser y cantar.

Está claro que hablamos de empresas privadas, de poner en riesgo su propio capital (y el de Florentino) pero la sensación de caminar de espaldas a la realidad social es evidente, y triste. Da igual si el Madrid es eliminado en la fase previa de la Champions, o si es humillado en su propio estadio, lo que importa es la venta de camisetas, los ingresos por los derechos televisivos, los anuncios varios y la taquilla no para ver al equipo, sino a la figurita de turno. ¿Y el espectáculo del fútbol? ¿Y la pasión del deporte? ¿Y la reputación y la historia de un club? A la altura de un felpudo.

Cristiano, no sabes dónde te has metido. Disfruta de tu envidiable nómina, pero no te obceques en marcar goles ni en jugar de forma brillante. No te ficharon para eso.

Vuelve Altair (ahora Ezio)

2009-06-11T13:45:00.006+02:00

Si hubo un videojuego que despuntó en las navidades del 2007, ese sin duda fue Assassin's creed, una mezcla inteligente de GTA y Prince of Persia que destilaba gusto y estilo por los cuatro costados. Desgraciadamente su repetitivad finalmente restó muchos enteros al resultado final, pero la propuesta era muy atractiva y sentaba un precedente en el mundo del entretenimiento electrónico. Ahora se anuncia su secuela, donde Altair se convierte en Enzo, y nos trasladamos de las cruzadas a la época renacentista.

En el ya finalizado E3 se pudo ver una demo ingame de este Asssassin's creed II, que incorpora nuevos movimientos, un desarrollo más variado, la posibilidad de avanzar a nado y artefactos que nos darán la posibilidad de volar. Y es que el mismísimo Leonardo da Vinci está de nuestro lado. Disfrutad de la demo en castellano y sed pacientes, pues no se verá en las tiendas hasta el 13 de noviembre.

El futuro es hoy

2009-06-11T01:32:00.006+02:00

A veces el cine nos sorprende con innovadores y espectaculares sistemas tecnológicos que nos deslumbran y nos cuestionan la posibilidad que esa avanzadísima tecnología sea posible en un futuro. Naves que sobrevuelan las ciudades, robots que substituyen al personal humano, automatismos de todo tipo, hologramas, etc. Pero lo más sorprendente es lo rápido que avanza esta tecnología, de modo que lo que nos parecía asombroso e imposible se torna real, palpable. Recuerdo cuando hace unos años veia anonanado el interfaz de visualización de pensamientos que empleaba Tom Cruise en Minority report, de Steven Spielberg, y suspiraba diciendo: ¿Verán mis ojos esto? Recordemos la escena.

Pues sí, antes de lo que esperaba ha sido Microsoft la que se ha llevado el gato al agua. Y es que ha conseguido que la detección de movimiento, llevada al campo del entretenimiento electrónico, sea completa. Ya no se trata de un mando que movemos y la máquina lo detecta, traduciéndolo en un golpe, un chut o un drive, sino que todo nuestro cuerpo hará de mando, de modo que el dispositivo reconocerá el movimiento y lo plasmará en pantalla (patadas, manotazos, saltos, desplazamientos laterales, etc), incluso reconocimiento de voz. Asombroso, vamos. ¿No os los creéis? Os presento Project Natal, avalado por el propio Steven Spielberg.

Como la publicidad puede ser engañosa, he aquí la presentación de este curioso y revolucionario dispositivo en la reciente feria E3 2009.

¿Qué será lo próximo?

Suspiros (y bocados) de España

2009-06-04T22:27:00.005+02:00

Aprovechando que actualmente se está celebrando en mi ciudad, Alicante, el VI Festival de Cine, me viene al pelo esta noticia. Y es que el pasado lunes, en la gala inaugural, Jaume Balagueró y Paco Plaza fueron galardonados con el Premio Ciudad de Alicante. Los codirectores de REC, su gran éxito de crítica y público, hicieron un esfuerzo y acudieron a la cita para recoger el premio, lo que les honra, dado que se encuentran en plena fase de postproducción de la secuela de REC, de la cual se ha desvelado un segundo trailer que muestra más en profundidad el horror ante el que nos vamos a topar. Lo que no acabo de entender es la música que le han puesto al trailer, que creo no casa demasiado con lo que se muestra. Habrá que esperar al estreno para desvelar el misterio.

Inagotable Zimmer

2009-05-25T19:35:00.004+02:00

A falta de ver la película, y es que, ¡qué pereza me dan los Srs. Dan Brown y Ron Howard juntos!, no puedo negar que estoy disfrutando de la banda sonora de Angeles y demonios. Hans Zimmer vuelve a demostrar el grandísimo compositor que es y se marca una partitura plagada de coros apocalípticos, enigmáticos pasajes pausados contrastados con otros plagados de una percusión inquietante y un bellísimo tema principal que se queda grabado en la mente. Por si fuera poco, en la ejecución está nada más y nada menos que Joshua Bell, uno de los cinco mejores violinistas del mundo.

Quizás la música tenga una escucha independiente algo tosca y su virtud mayor sea la ilustración de las imágenes, pero el score contiene dos temas, a saber, "Science and religion" y este "503" que son para quitarse el sombrero. Alégrense los oidos.

No hay sitio para ti

2009-05-21T10:19:00.003+02:00

Leo en El Pais la siguiente noticia: "No hay salas para tanto cine (español)". ¿Tanto cine español? Si estamos hartos de ver cómo de cada diez o doce estrenos se cuela un film de nuestro país, por lo que no doy crédito a la noticia. Pero sí, amigos, resulta que no todo el cine español se estrena, quedándonde en el tintero una parte sustancial de la filmografía realizada, esencialmente, por nuevos realizadores sin recursos y con ideas arriesgadas (económicamente hablando). Los productores cada vez hilan menos fino y apuestan por lo seguro, por el reclamo televisivo, por la cara conocida o por la historia poco exigente que provoque el acercamiento del público a la taquilla sin temor ni incertidumbre algunas.

No soy de los que tiran piedras sobre el cine español, como otros sí hacen desde su plataforma (o mejor dicho, púlpito) radiofónico, aunque soy consciente de sus limitaciones y que debería regularse en profundidad la cuestión de la financiación, incentivando y motivando a los nuevos realizadores. Por otro lado, no me parece de recibo que películas, por el hecho de augurar un escaso o nulo interés en taquilla, sean despreciadas de plano y condenadas al olvido. Todo trabajo cinematográfico merece su exhibición, bien sean en circuitos comerciales o bien de mera exposición cultural (para ello se aporta dinero público, ¿no?). Lo que no es de recibo es que películas que vendieron a bombo y platillo (véase "Manolete", rodada en 2006), estén aún pendientes de estreno, con el capital público que supuso su preproducción; y mucho menos que el esfuerzo de las jóvenes promesas caiga en saco roto.

Eso pasó por no hacerle caso

2009-05-19T22:43:00.003+02:00

Si es que lo tenemos bien merecido. El año pasado, con el Chiki Chiki nos quedamos a mitad de tabla, y este año, por ir de serios, nos quedamos en penúltima posición (que nos votó Andorra y Portugal por proximidad, que si no nos hundimos al farolillo rojo). ¿Cómo habríamos conseguido una mejor posición e imagen en Europa? Pues haciendo caso al gurú del pasado. El mismo nos los explica:

Por cierto, ahora que la sociedad está dividida y convulsa por la reforma de la ley del aborto y por la venta libre de la píldora postcoital, el gran gurú tiene un remedio para evitar los embarazos no deseados.

Aunque me temo que con ello evitamos todo embarazo.

La vil conducta humana

2009-05-19T22:33:00.005+02:00

Esta tarde he asistido a una de esas escenas que te hacen reflexionar sobre la (in)justicia social y la crueldad, a veces involuntaria e inconsciente, de lo que llamamos ser humano. Conducía mi coche dirección al trabajo cuando, parado en un semáforo, un coche descapotable, algo antiguo, pero elegante, se posiciona a mi derecha. Lo conducía un señor de avanzada edad, que portaba una visera, y que aparentaba no tener problemas de solvencia en estos momentos difíciles que atraviesa nuestra economía. En ese momento veo que un mendigo, ataviado con una muleta, cojeando, se acerca hacia la cola de coches en busca de una preciada moneda. Cuando llega al coche de lujo, su conductor, sin mirarle a la cara, se limita a subir la ventanilla, acto que aún no acabo de comprender, ya que si pretendía evitar un ataque del mendigo de poco le servía subir una ventanilla en un descapotable.

¿Qué miedo tenía este hombre? ¿Era miedo a una reacción inesperada del mendigo o simple desprecio? Es una imagen que, no sé por qué, me ha calado hondo y me ha provocado tristeza por el carácter egoista del ser humano.

El mendigo, consciente del rechazo del conductor del vehículo de lujo, se ha girado resignado hacia mi. Le he mirado a la cara y, con cara de desolación, le he dicho: "No, lo siento".

Día del trabajo

2009-05-01T02:09:00.003+02:00

1 de mayo. Día del Trabajo. Los sindicatos salen a la calle enarbolando sus banderas, pitando y gritando consignas de reivindación laboral. Seguramente la asistencia este año sea más nutrida dada la grave situación económica, la dichosa crisis, y el descontento popular ante la política económica del Gobierno. Yo aprovecharé este simbólico día para hacer lo que más me gusta (y creo que, en general, a toda la humanidad), investigar nuevos horizontes.

Llamadme frívolo, pero ¿no hay algo más paradójico que un día del trabajo festivo?

Vuelven los zombies

2009-05-01T00:17:00.002+02:00

No, tranquilos, no voy a empezar otra vez a dar la brasa con Resident evil, juego al que ya le he sacado bastante jugo. La razón del título de este post es que Capcom ha roto su silencio y ha confirmado Dead Rising 2. Hasta ahora sólo contábamos con un simple teaser que poco o nada adelantaba, ahora ya contamos con un trailer en condiciones donde se nos muestran secuencias ingame. Para aquellos que ya disfrutaron de su primera parte, alegraos porque volveremos a enfrentarnos a una hambrienta horda de zombies, donde deberemos interactuar con elementos del ambiente y utilizarlos como arma contra los no muertos. Cuida tu pellejo, amigo, que es lo único que te queda.

Tanto hacer sudokus tuvo su resultado

2009-05-01T00:08:00.002+02:00

Y es que después de batir todos los récords de participación de permanencia en un concurso, el militar retirado José Manuel Lucia ha logrado una hazaña en la historia de la televisión. Y es que en el concurso Pasapalabra ha conseguido completar airoso el "rosco", esa dura y precisa prueba final donde los reflejos y el discurrir rápido son vitales. Este hecho, que pocos son capaces de alcanzar, se ve agravado por la singularidad con la que el concursante afrontó la prueba. Su sangre fría y su seguridad a la hora de responder son encomiables, y lo cierto es que poco le faltó para completar la prueba sin soltar un solo "pasapalabra". Ya habría sido la bomba. A todo esto, 66 millones de pesetas en poco más de un minuto. ¿Quién dijo crisis?

Hasta que el anillo (rojo) nos separe

2009-04-30T23:40:00.002+02:00

Muy de vez en cuando el triste panorama televisivo te da ciertas alegrías. En un sector condicionado por los índices de audiencia, donde hoy eres un ídolo de masas y mañana has caído rápidamente en el olvido y no eres más que un fósil televisivo, se agradece que se apueste por ciertos programas que huyen de la carnaza rosa y del amarillismo rancio. Es el caso de la serie emitida en La Sexta "Qué vida más triste", que comenzó emitiéndose en Internet y posteriormente pasó a formar parte de la parrilla de la televisión de Emilio Aragón. Afortunadamente las condiciones de los artífices de esta cómica serie (mantener el mismo formato, es decir, cámara fija y pocos personajes) se mantuvieron, lo que le aporta cierta frescura y un aire amateur simpático. Si a esto le sumamos unos personajes carismáticos y con los que el espectador puede identificarse, tenemos como resultado un divertimento magnífico y un producto innovador y que en otras cadenas quedaría relegado al olvido o a horas intempestivas.

El martes 28 esta serie emitió un capítulo magistral, en el que los videojuegos eran los protagonistas. Desconozco si Microsoft ha tirado de chequera para que su producto estrella figure en la serie. Lo que sí tengo claro es que más de uno nos hemos sentido identificados con esta graciosa tira cómica.

Un asesino entre nosotros

2009-04-29T19:15:00.002+02:00

Y enlazando con el último post, los amigos (locos) de mega64.com nos traen otro video donde llevan a la realidad las situaciones más emocionantes de los videojuegos. En este caso le toca el turno a Assassin's creed, donde encarnaremos a Altair, un mercenario sin escrúpulos que me temo no se integra bien en la sociedad actual.

Mario Kart en la vida real

2009-04-29T19:10:00.002+02:00

Os traigo un video friki donde los haya. Y es que, ¿alguna vez os habéis preguntado cómo serían los videojuegos si trasladásemos sus situaciones a la vida real? Pues algunos internautas, con bastante poca vergüenza, no sólo se lo han preguntado sino que lo han plasmado en pantalla. Aquí veréis cómo sería en la vida diaria el genial Mario Kart. Ojo a las consecuencias.

La ilusión de los regalos

2009-04-29T18:53:00.003+02:00

No nos engañemos, vivimos en un mundo consumista y material y a todos nos hace ilusión recibir cosas, haya o no motivo para ello, a pesar de que siempre espetamos el consabido: "No tenías que haberte molestado". Reacciones y costumbres humanas al fin y al cabo. Esta situación tiene su punto álgido en los niños, cuyas reacciones a los regalos pueden ser impredecibles. He aquí un clásico, donde una pareja de retoños reciben por Navidad una videoconsola.

Aunque también están las desilusiones cuando no encontramos dentro de ese paquete tan bien envuelto nuestro ansiado regalo. Y el culmen de la hijoputez (lo siento, no había otra palabra), es jugar con los sentimientos de un niño con el único fin de reirse a gusto de su reacción. He aquí el ejemplo:

Desconozco si sólo fue una broma de mal gusto y finalmente recompensaron al crio con su verdadero regalo. De no ser así, se demuestra que la crueldad humana no tiene límite.

Los "divertidos" orígenes

2009-04-25T11:50:00.003+02:00

Muchas veces acudimos a la nostalgia para recordar viejos tiempos y exclamar que cualquier tiempo pasado fue mejor. Pero esta máxima no siempre funciona, y es cuando agradecemos que la evolución haya hecho efecto en el desarrollo humano y tecnológico. Así se expresa nuestro amigo James Rolfe (alias Angry Video Game Nerd), que nos presenta la que fue la primera consola de videojuegos orientada para el hogar.

Lo primitivo de su tecnología (revolucionaria para su momento) la condenaría al ostracismo hoy en día, y el trastero sería su hábitat natural junto con el resto de objetos inservibles que allí depositamos con la esperanza de rescatarlos algún día.

Magnavox Oddisey era básicamente dos puntos de luz movibles en pantalla que, al chocarse, desaparecían y volvían a aparecer. Aquí Rolfe juega con un particular amigo poco hablador y muestras sus impresiones sobre este fósil tecnológico. Los juegos eran muy variopintos, pero lo mejor eran los escenarios. Fijáos bien lo que se inventaron para poder adecuar la acción a un entorno jugable. ¡Santa evolución, bienvenida seas!

Advierto que el video está en inglés no subtitulado (no es un inglés demasiado difícil), y que contiene elementos no aptos para menores.

Original y buena copia

2009-04-25T11:39:00.003+02:00

En el difícil mundo de la música, donde hacerse un hueco es cada vez más toda una proeza, y más debido a la falta de riesgo por parte de las productoras que apuestan por lo accesible y comercial, muchas veces las bandas amateurs recurren a la realización de algún cover para darse a conocer. Otras, en cambio, se declaran fans acérrimos de un grupo en concreto y se limitan a versionar exclusivamente temas de esa banda. Ese es el caso de Lemon, una banda chilena que he detectado a través de la web y que me ha sorprendido.

Son fans de U2 y versionan temas del grupo irlandés con dedicación y una calidad sonora más que notable. Además, quizás lo que más me ha sorprendido ha sido la voz del cantante, que consigue imitar con acierto los difíciles registros vocales de Bono.

Además, se mantienen actualizados, ya que el video que os ofrezco a continuación contiene una versión de un tema (estupendo) del último disco de U2, No line on the horizon, llamado FEZ - Being born. Un gran tema, rítmicamente perfecto y de difíciles líneas vocales y del que este grupo sale airoso.

La calidad del video no es excesivamente buena, pero es lo que tiene ser una banda amateur. Instrumentos autofinanciados, tocar de gratis y grabar las actuaciones con una cámara doméstica. Los duros principios...

Vuelven los días verdes

2009-04-25T11:28:00.004+02:00

No, no es una promoción de un gran almacén para comprar a bajo precio productos ecológicos, ni una oferta 2x1 de un sex shop para abueletes salidillos, sino que me refiero al lanzamiento del nuevo disco de los norteamericanos Green Day. El album se llamará 21st century breakdown y estará dividido en tres actos, creando así un producto conceptual. Su fecha de lanzamiento está prevista para el 15 de mayo.

De momento, y para abrir boca, acaba de publicarse el videoclip de su primer single, llamado Know your enemy. El tema es puro Green Day, es decir, punk rock pegadizo, repetitivo, cañero y comercial, pero ¡cómo nos gusta!

Más fantasmeo

2009-04-25T11:19:00.003+02:00

Ayer mismo hablaba del lanzamiento del videojuego basado en la película Cazafantasmas que, para quien suscribe, es uno de los más esperados. Esperemos que no me defraude, aunque lo visto hasta el momento pinta muy bien. Aprovecho para colgar un reciente video que, al parecer es la intro del videojuego, donde se presenta al equipo de Cazafantasmas, estilo ochentero total.

Ganas de hacerse con él subiendo...

Back to the 80's

2009-04-24T13:33:00.004+02:00

Hace un tiempo ya hablé sobre el desarrollo del videojuego Ghostbusters, basado en la película homónima de los años 80 y que fue traducida, acertadamente, como Cazafantasmas. En aquel momento sólo se disponía de la típica secuencia cinemática que generaba un descomunal hype entre todos los nostálgicos cinéfilos (aquí me incluyo). El tiempo ha pasado y al parecer los chicos de Atari no han desaprovechado la licencia cinematográfica y el juego pinta bastante bien. Está claro que a los fans de las películas les encandilará, ahora habrá que contar con la opinión de aquellos jugones que no se dejan llevar por el tirón comercial de las películas. En Otoño podremos disfrutar, voces originales de los actores incluidas, de este juego.

Vuelta a empezar

2009-04-24T12:13:00.005+02:00

Los titulares de los diferentes rotativos nacionales hoy sacan pecho. Y es que hoy es uno de esos días donde los periódicos saben que van a vender ejemplares como churros, debido al preocupante titular que figura en primera plana: "El paro supera los cuatro millones de personas". Tras el impacto inicial, y el fugaz respiro que te produce, si estás en el caso, comprobar que no estás en tal fatídica cifra, piensas un momento y te preguntas: ¿Acaso nadie se esperaba que llegaríamos a superar esa barrera? ¿Es que la dichosa crisis no lleva ya meses dando síntomas de empeoramiento, llamando cada vez a más puertas de hogares españoles?

Para algunos este número les sirva únicamente como referente histórico, y un dato meramente estadístico, pero para otros sin duda es un elementos preocupante, ya que supone que una buena parte de la población activa de este país no sólo no dispone de trabajo, sino, lo que es peor, que es poco probable que pueda reincorporarse en algún puesto, incluso de categoría muy inferior al que estuviese desempeñando.

Algunas empresas han optado por tratar de capear el temporal con reducciones de jornada, e incluso han tratado de aguantar la plantilla a la expectativa de mejor fortuna, aunque muchas otras se han visto abocadas, bien por necesidad, bien por no comprometer el patrimonio personal del empresario, a despedir a toda la plantilla. La dependencia del ladrillo se hace notar, y su extensión al sector servicios, pilar maestro de nuestra economía, se propaga como la pólvora.

No es la primera vez que entramos en períodos económicamente difíciles, ya hemos salido de ésta en otras ocasiones, pero en esta ocasión los órganos legislativos y gobernantes miran para otro lado, salvan sus pertenencias, y otorgan al pueblo parches en forma de préstamos irrisorios e imposibles que, como dice mi madre, no son más que pan para hoy y hambre para mañana.

La verdad al desnudo

2009-04-24T12:00:00.003+02:00

El famoso y dichoso canon que la Sociedad General de Autores (SGAE) se sacó de la manga, impulsando al poder legislativo (más bien ejecutivo), ya que se encargó el anterior Gobierno de tramitarlo y el actual de fomentarlo, a que tomara medidas en defensa de los derechos de autor, según ellos, de acuerdo con las altos niveles de piratería que se estaban alcanzando en España, ha generado serias dudas en su gestión, recaudación y, sobre todo, distribución.

Si Vd. es uno de esos que desconoce la existencia de este impuesto indirecto, que ha llegado a ser tildado de revolucionario, asómbrese ante lo que los encargados de salvaguardar la propiedad intelectual han inventado. Desde luego es para echarse a temblar, pero sobre todo es para avergonzarse.

Legalidad hipocrática (de hipócrita, claro)

2009-04-22T10:03:00.004+02:00

El reciente relevo en el Ministerio de Cultura, con la incorporación al mismo de la guionista y cineasta Angeles González Sinde ha suscitado la polémica en el ambito virtual e internauta, por las controvertidas declaraciones que en el pasado la ahora ministro realizó acerca de la peligrosidad de la banda ancha. La mosca está detrás de la oreja y la comunidad internauta se pregunta si la forma de pensar de González Sinde significará un receso cualitativo en el ámbito de las nuevas tecnologías, por lo que habrá que concederle un plazo de cortesía para ver cómo se desenvuelve en tan espinoso campo.

De momento, y a vueltas con la piratería, a modo de ilustración, no estaría de más que echara un vistazo a este video, ya que, con aires paródicos, pero con mucho de realidad social, se efectúa una visión sobre la piratería en la actualidad y, en especial, en la sociedad española. El video pertenece a la muy digna serie Camera Cafe, uno de los pocos reductos de Tele 5 donde se puede decir que hay indicios de calidad. Disfrutadlo, y reflexionad.

Disfrutando de las alegres tonadas

2009-04-20T11:38:00.004+02:00

Continúo con mi periplo virtual por la devastada ciudad de Washington, comunicándome con extraños seres que bien tratan de labrarse una amistad conmigo o bien embaucarme y arrastrarme a sus bajas intenciones. El yermo de Fallout 3 se ha convertido en una explanada repleta de criaturas afectadas por la radiación cuyo discernimiento se ha reducido a la mínima expresión. Pero si algo me está fascinando de este peculiar juego es su banda sonora. Independientemente del soberbio doblaje al castellano y los magníficos efectos sonoros que posee, Fallout 3 te remonta a los años 30- 40 con unas sintonías simpáticas, de aquellas que se escuchaban en los vetustos gramófonos, y que responden a la estrategia gubernamental de mantener a la población sonriente y ajena a la vasta destrucción que hay tras las puertas de sus casas. Quizás con el paso de las horas se puedan hacer estas melodías repetitivas, pero de momento las estoy disfrutando como un enano. De hecho, podría decirse que parezco Dorothy brincando al paso de las baldosas amarillas.

La insoportable levedad del pataliebre

2009-04-20T11:30:00.004+02:00

Plantémosle cara a las mañanas legañosas, al mal humor propio de los lunes morning y tratemos de encarar la semana laboral con un buen recuerdo. Qué mejor para ello que someterse a una terapia de humor manchego, de la mano de los amigos de Muchachada nui. Si la semana pasada pudimos reirnos a destajo con el tronchante monólogo de Joaquín Reyes, no se queda atrás el que protagoniza Julián López, donde nos hace reflexionar sobre las pequeñas cosas de la vida, los insignificantes detalles que reivindican su importancia. Por si fuera poco, López posee un lenguaje no verbal digno de elogio, aspecto éste que hace su actuación mucho más cómica y alocada. Disfrutadlo.

Apatrullando el yermo

2009-04-16T13:06:00.009+02:00

Ayer eché un par de horitas más al Fallout 3, a pesar de haber recibido el Madworld para Wii, que comentaré en un post aparte. No me dió tiempo para mucho, y es que lo bueno que tiene este juego de rol es que pasa el tiempo y no te das cuenta, debido a su capacidad de inmersión. ¿Qué hice? Pues al parecer, cagarla. Tratar de abrir el bar de Moriarty con ganzúa con el consiguiente destrozo de la cerradura (ahora me hace falta una llave, por inútil), desactivar una bomba y probar el VATS con el líder de una secta religiosa llamada Hijos del Atomo. Obviamente, mi disparo al loco sectario fue contestado con un linchamiento popular por parte de los miembros del clan religioso. Consecuencia, game over. Y es que con la Iglesia hemos topado, amigo Sancho.

Humor de lujo

2009-04-14T20:11:00.004+02:00

Tras una larga semana de descanso, llega el duro día de la reincorporación al trabajo. Los hay afortunados como los que residimos por la zona levantina, ya que alargamos el período de descanso un día más, al ser festiva la jornada de ayer. Para aquellos que ya lleven un día de vuelta en el rutinario mundo laboral y para los que nos hemos quitado las legañas hoy, va dedicado este video, ya que no hay nada mejor que afrontar esos momentos con una sonrisa en la boca.

La cadena de pago Paramount comedy ofrece a sus espectadores (y a todos los mortales gracias a San Youtube)un especial de un cómico donde éste nos ofrece un monólogo extenso, que viene precedido de un comentario personal de sus inicios y su vida personal. Recomiendo encarecidamente para todos los amantes del arte del monólogo y del humor inteligente en general ver estos videos, donde quien se sube al escenario demuestra su capacidad interpretativa ante la inesperada reacción del público. Quien abre el fuego es el cómico manchego Joaquín Reyes, alma mater de Muchachada nui, quien, fiel a su peculiar estilo y vocabulario, nos hace un breve repaso de sus vivencias. Disfrutadlo.

Zombies según Jim Henson

2009-04-14T19:57:00.004+02:00

Aún me dura la resaca zombie a pesar que hace más de un mes que Resident evil 5 salió a la venta (y es que el juego bien vale rejugarlo hasta el hastío), y no contento con echarle horas al mismo, me da por buscar webs y blogs relacionados con la fiebre zombie. He de decir que he encontrado de todo, y alguna de ellas es bastante maja (no mentaré ninguna por no hacer publicidad gratuita, que para eso están los buscadores, para usarlos). En ellas he podido encontrar un simpático video que nos comenta cómo sería una versión de Resident evil 5 si la hubiese afrontado Jim Henson (el de los Fraggle, "Barrio Sésamo" o "Dentro del laberinto"), es decir, estilo muñeco de trapo. El video es friki 100%, pero no tiene desperdicio.

Busca las diferencias

2009-04-14T13:42:00.004+02:00

No pocas veces se ha dado el caso que las desarrolladoras de videojuegos tomen como referencia directa el cine, sobre todo a la hora de realizar las escenas cinemáticas que configuran la historia en la que el juego se basa. Pero hay ocasiones en las que esta influencia es tan estrecha que te das cuenta que asistes a un homenaje en toda regla a un determinado film (otros lo llamarán plagio, dependiendo si el desarrollador admite o no dicha referencia). Es lo que me ocurrió cuando la semana pasada rescaté un clásico del terror contemporáneo, "La escalera de Jacob", de Adrian Lyne, que contenía una secuencia que me resultaba familiar, y es que el reciente videojuego Silent hill: Homecoming había homenajeado (o plagiado) la misma. Personalmente, me quedo con la original, mucho más atmosférica y lúgubre que la conversión a videojuego.

La secuencia cinematográfica se puede ver aquí (no he podido por razones técnicas insertar el fragmento de video). Disculpad las molestias.

Anunciado PES 2010

2009-04-08T13:49:00.003+02:00

Al parecer, y según afirma Hardgame2.com, Konami ha anunciado oficialmente el desarrollo de una de sus franquicias más rentables y que en los últimos tiempos está en el centro de la polémica por el gran bajón que ha dado en las consolas next gen respecto a sus predecesoras entregas en PS2. Cuando aún no hemos casi podido catar el PES2009 para Wii, disponible desde esta semana en tiendas, la compañía nipona se adelanta a los acontecimientos y desvela gran parte del contenido de una de sus apuestas fuertes de cara a fin de año. No voy a entrar a desvelar nada, porque para eso ya lo ha hecho fantásticamente bien Hardgame2.com. Aquí podéis leer el desglose completo de sus características. Ahora ya queda la eterna pregunta, ¿habrán aprendido de sus errores o volverá a ser una expectativa frustrada, o lo que es peor, un truño de dimensiones desmesuradas? Y es que mucho tiene que mejorar el equipo del Sr. Seabass para doblegar el FIFA2010 que se avecina (con que sea igual que el anterior ya tienen mucho ganado).

Hallazgo histórico

2009-04-07T19:34:00.003+02:00

Leo en El Pais una noticia que, al tiempo que me sobrecoge, me llena de ilusión al ser una de las piezas clave y desveladoras de la Historia contemporánea. Y es que una copia de la famosa lista que Oskar Schindler mandó redactar con el fin que cientos de judíos trabajaran en alguna de sus fábricas, evitando así evitar que fueran deportados a campos de concentración, donde morirían fruto de la enfermedad o de una ejecución a manos de ejército nazi. Ha sido en Australia, en una biblioteca de Sydney, donde se ha encontrado esta joya histórica, entre papeles del escritor Thomas Keneally, quien gracias a su obra "El arca de Schindler", pudo dar a conocer este hecho, que Spielberg se encargó de catapultar con su magna película "La lista de Schindler".

Con este descubrimiento quizás aquellos que aún tengan dudas sobre la veracidad y existencia de uno de los más crueles episodios de la reciente Historia, reflexionen y tengan otra concepción sobre el Holocausto. Sin duda, una cómoda y eficaz forma de acercarse a este tema es visionar el film de Spielberg, donde recreó, con la magnífica labor interpretativa de Ben Kingsley y Liam Neeson, la apresurada elaboración de la hallada lista.

Confesiones de un rolero en iniciación

2009-04-07T10:42:00.004+02:00

La crítica y el público era unánime. Fallout 3 había sido con diferencia el mejor juego del año pasado. Un título que nos situaba en un Estados Unidos apocalíptico, devastado por el efecto de las guerras y asolado por la radiación, provocando que la escasa población superviviente se hacine en refugios subterráneos donde, como se cita en el propio juego, nace, y morirá. Fallout 3 ha sido distinguido con diversos premios, y ha logrado el reconocimiento de la industria y del público jugador en general.

He de decir que soy poco jugador, más bien nada, de títulos de rol, me parecen soberanamente aburridos. Como ya dije en el post de Halo wars, soy amante de la acción directa, y el poco rato que dispongo, tras la jornada y rutinaria jornada laboral, para sentarme ante la consola, lo hago disfrutando de juegos más orientados a la acción o al deporte. Pero tanta veneración hacia este juego, a pesar de su componente rolero (mezclado con shooter) me atraía, y mi entorno de amigos me animaba a probarlo, aun consciente de mis gustos nada coincidentes. Así que ayer me hice con él, de segunda mano, a precio reducido, y estuve un par de horitas anoche caminando por el yermo y sí, me ha dejado con ganas de seguir jugándolo.

Si algo me sorprendió este juego fue por su carácter cinematográfico. Trataré de no hacer spoilers en la medida de la posible, pero ya desde el inicio del juego te das cuenta de la forma narrativa que adquiere el producto, lineal y, sobre todo, vital. La atmósfera lúgubre y desolada poco a poco va absorbiendo al jugador y le mantiene pegado al pad, ansioso de saber qué va a ver a continuación. Sin duda, el momento por excelencia, (al menos el mejor que he visto en el corto lapso de juego que llevo) es la salida al exterior, ese nuevo renacer. Aquí viene el problema de los que no nos gusta el rol, un vasto camino ante mí y me pregunto, ¿a dónde c**o voy? ¿Por dónde empiezo?

A medida que vaya concediéndole horas al juego iré contando esas excelencias que las revistas dicen que Fallout 3 contiene. De momento, estoy perdido en el yermo, sin saber a dónde ir, pero absorto por su ambientación y su capacidad de atracción. ¡Me convencisteis, roleros!

¡Desenfunda, vaquero!

2009-04-02T12:04:00.003+02:00

Alguno de vosotros sabe de mi afición a las películas de western, incluyendo bizarradas estilo spaghetti western y demás. Es por ello que dicha pasión, cuando se traslada al mundo del videojuego, genera un mi un creciente deseo por enfundarme las pistolas y ponerme a repatir tiros cual Billy el Niño. Juegos como Gun Smoke, Sunset Riders o Red Dead Revolver fueron grandes joyas que saciaron mi hambre cuatreril, pero el anuncio del inminente lanzamiento de la segunda parte de Call of Juarez me ha puesto los pelos de punta.

Call Of Juarez fue un shooter en primera persona, con posibilidad de usar tiempo bala (¡cuánto daño ha hecho Matrix!) que pasó del PC a las consolas, y que pasó sin pena ni gloria. Lo cierto es que era un título que dejaba un sabor de boca agridulce, y que en a medida que transcurrían las horas el sentimiento de repetición y agotamiento se cernían sobre el jugador. Pero Ubisoft ha apostado por la franquicia y ha anunciado su segunda parte, titulada Call of Juarez : Bound in blood. Ya se han podido ver las primeras secuencias in-game, y la verdad es que pinta muy pero que muy bien, notándose la intensificación de los tiroteos, la mejora gráfica y los homenajes en ciertos pasajes al estilo Call of duty. No faltarán los duelos que han hecho característico al spaghetti western liderado por Sergio Leone y que el genial Ennio Morricone supo subrayar con su magistral música.

Call of Juarez: Bound in blood estará disponible a partir del próximo 26 de junio. Mientras, podemos ir practicando nuestra puntería con las botellas de la cocina.